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Interview : L’espace de Black Futures

FUTURES NOIRES par Rob Blackham / www.blackhamimages.com

Pouvons-nous obtenir les informations sur les Futures Noirs ?
Space : Nous sommes Black Futures, alias Space et Vibes, fondateurs du Black Futures Existential Expedition Club. Nous essayons de faire de la musique, des sons et des chansons comme si nous étions témoins de toute la beauté, de la violence et de l’absurdité de la vie en un seul coup gigantesque. De la musique pour repousser la terreur et nous aider à entrer dans le monde de Nice. Une musique folklorique, un futur punk pour nous aider à être collectivement MAXIMUM. Un tsunami de joie, un typhon d’abandon sauvage ! Nous sommes tous deux des compositeurs, des producteurs et des auteurs de chansons qui ont consacré leur vie à l’artisanat, à la culture et à la communauté. Nous sommes des machines à empathie pour des camarades radicaux comme Idles, Jamie Lenman, The Prodigy, Do Nothing, Libra Libra…
Nous avons voyagé de Mumbai au Népal, de Tokyo à Joshua Tree, de Tchernobyl à ∞ et au-delà, créant et documentant la culture de notre monde.
Jamais, pas rien.

Nous adorons votre mission et votre vision de la vie et de la musique. Comment tout cela a-t-il commencé ?
L’espace : Dès mes premiers souvenirs, la musique était une nécessité et une obsession. Mes parents avaient une collection de disques épique et nous n’avions droit qu’à des jouets en bois, alors écouter des disques et être dans la nature étaient le carburant de mon enfance. Avant l’influence du monde extérieur, je suivais un régime sain de Beefheart, Grieg, Hendrix, John Martyn, Rachmaninov, Joni Mitchell, Robert Johnson, The Beatles….. C’était un régime sain ! J’étais complètement obsédé par le pouvoir transformateur et émotif de la musique.

C’est un mélange de musique et de genres très intéressant, et, chose intéressante, complètement différent de la musique que vous faites vous-même avec Black Futures.
L’espace : J’aime penser à la musique comme à une machine à empathie. J’ai toujours été attiré par la musique qui fait bouger mon esprit et mon corps au maximum. Nous écoutons une telle quantité de musique. Qu’il s’agisse de death, de punk, de classique, de techno, de chœurs pygmées, il faut que cela ait un effet transcendant sur nous. Ma première véritable expérience en la matière a eu lieu lors de mon premier concert. Le père d’un ami nous avait emmenés voir les Ramones au milieu des années 90. Je voulais que chaque fibre de mon corps tremble violemment et perde le contrôle. J’étais terrifiée et complètement vivante. C’était comme avaler le soleil. Donc, à partir de ce moment-là, si ça me faisait ressentir du désespoir, de la colère, de l’amour, de la peur, de l’énergie, du mystère, j’étais à fond dedans.
En ce moment, nous écoutons Deathgrips, Lingua Ignota, Denzel Curry, Analogue Africa, Full of Hell, Colin Stetson, Tropical Fuck Storm, Oneohtrix Point, Bou, Turnstile, Sleep, H09909, The Clash, Lau, Bowie, Television, Mojave Lords et les Beatles.

Black Futures – comment tout cela a-t-il commencé ?
Space : Nous avons passé environ 6 mois à concevoir et à écrire. Développer le langage, les idées et la culture de Black Futures. En gros, un couple de cinglés qui rêvent d’idées folles. La première fois que quelqu’un d’autre l’a su, c’était lors de notre premier concert. Nous avons envoyé une invitation avec un lieu, une heure et un mot de passe.
Les spectateurs avaient les yeux bandés et étaient emmenés dans un lieu secret. Une fois les bandeaux sur les yeux, nous pouvions contrôler complètement l’environnement. Nous avons créé notre propre station de radio Black Futures, avec des versions utopiques de notre disque en muzak et des animateurs générés par ordinateur. Avec l’aide de notre famille BF, nous avons construit un laboratoire secret dans un studio d’enregistrement animé par une troupe de Hazmats. C’est ici que nous avons donné notre premier concert, que nous avons appelé “A Total Display of Love”. Il s’agissait d’une expérience totalement immersive conçue pour tirer le public aussi loin que possible de sa vie extérieure et aussi près que possible de ce sentiment d’excitation, de peur et de joie.

Photo par Murry Deaves

C’est vraiment génial, quel premier spectacle incroyable ! Comment avez-vous eu l’idée de ce concept ?
Espace : Tout est parti de l’idée d’utiliser tout notre arsenal pour créer une expérience de concert où la concoction enivrante de mystère, de peur, d’émerveillement et d’énergie est la plus puissante. L’idée est d’être si inclusif que chacun dans la pièce se sent à l’aise pour transcender la pensée consciente à sa manière. C’est pourquoi nous disposons d’un casting roulant de conducteurs de vibrations anonymes sur scène et dans la foule lors de nos spectacles. Nous visons une expression totalement immersive de joie, d’activisme et d’énergie brute pure. Une célébration du radical.

Quelle est votre histoire et votre expérience avec Orange, et que recherchez-vous dans un ampli ?
L’espace : Le Rockerverb est le premier ampli que j’ai vraiment aimé. Il a été utilisé sur tous les disques sur lesquels j’ai travaillé, sous une forme ou une autre. J’ai été complètement conquis par le grondement qu’il émet lorsque l’on ragaillardit le canal propre jusqu’à la rupture. De même, la saturation du canal de gain, il semblait avoir ce son lourd, viscéral et violent sans être trop cassant et agressif dans le haut du spectre.
Ce que je recherche dans un ampli, c’est qu’il fasse une chose extrêmement bien, qu’il soit unique et vivant. Je ne suis pas fan de l’abondance de cloches et de sifflets ou du fait que le prix dicte la qualité. Un de mes amplis préférés est un minuscule ampli en forme de boîte à cigares que Rat Scabies a construit pour moi. Il est alimenté par une pile de 9 volts et sonne comme la plus douce des ordures.

Quelle est votre configuration actuelle ?
L’espace : En ce moment, je joue sur une basse Musicmaster de 1977 que j’ai chargée avec un micro de style Thunderbird que Curtis Novak a fabriqué pour moi. Il est divisé et passe par deux chaînes de signaux de pédales différentes. Un côté avec un POG faisant un peu d’octave vers le bas et juste un peu d’octave vers le haut va à un profil d’un ampeg svt des années 70 sur un Kemper que j’ai pris en faisant un enregistrement. L’autre côté va dans un Rockerverb 50 à travers un 2×12 Orange à dos fermé. Les pédales varient tout le temps. Je trouve que cette configuration me permet d’utiliser la plus grande plage de fréquences possible avec une seule note ! ha ha.

Je suis vraiment intéressé par l’exploration du majordome de la basse et par les combinaisons de différents appareils de guitare et de basse biamplifiés pour obtenir un son monolithique. Egalement intrigué par le tremlord dans le studio.

Comment décrirais-tu Black Futures et votre musique à la grand-mère de ton ami ?
L’espace: MAXIMUM ! MAXIMUM ! MAXIMUM !

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Interview : Todd Winger de Collateral

Hé Todd ! Merci de prendre le temps de nous parler en ces temps de fermeture, auriez-vous l’amabilité de vous présenter au lecteur ?
Todd : Je suis Todd Winger, le guitariste du groupe de rock britannique, Collateral. Lorsque nous ne sommes pas en tournée, je travaille dans un petit magasin de vélos à Maidstone pendant la journée pour nourrir et abreuver ma femme et ma fille. J’ai commencé à jouer de la guitare vers l’âge de 10 ans parce que mon grand frère était mon idole d’enfance, et voir ce qu’il pouvait faire avec une 6 cordes était incroyable ! Il m’a enseigné pendant un certain temps jusqu’à ce que je commence à apprendre les chansons à l’oreille, ce qui m’a bien servi jusqu’à présent. Je n’ai jamais été du genre à lire la musique !

Comment Collateral a-t-il vu le jour ?
Todd : Angelo et Jack font partie de groupes depuis très, très longtemps, je les ai rejoints il y a un peu plus de deux ans lorsqu’un de mes bons amis m’a dit qu’Angelo cherchait un guitariste. Je ne l’avais jamais rencontré, mais j’avais entendu de bonnes choses sur ses talents ! J’ai envoyé quelques vidéos et tout s’est enchaîné. Environ 5 mois plus tard, nous avions besoin d’un batteur et mon ami de longue date Ben Atkinson, le meilleur batteur que je connaisse, a rejoint l’équipe.

Vous avez sorti votre premier album éponyme en février et les félicitations sont de rigueur, alors félicitations ! Que pouvez-vous nous dire à ce sujet ?
Todd : Tout d’abord, merci à tous ceux qui l’ont acheté, l’ont écouté en streaming, ont voté pour lui et l’ont branché dans le monde entier. Atteindre le top 5 du hit-parade rock britannique, c’est incroyable pour nous ! Nous vivons à une heure de distance l’un de l’autre, donc nous avons tendance à nous envoyer des idées, des riffs et des démos… nous changeons ensuite deux ou trois choses, mettons notre propre touche et renvoyons le tout… En général, nous enregistrons les guitares sur un ordinateur et les amplis dans le studio. Je fais les solos à la dernière minute, quand j’ai une bonne impression de la chanson. Nous avons enregistré l’album avec Sean Kenney aux Studios Ten21 à Maidstone. C’est très agréable de travailler avec lui et il fait un super mixage ! Pour l’album, le Rockerverb MKiii 50w d’Orange a été utilisé sur chaque chanson et sur tous les solos !

Oh oui ! Pouvez-vous nous parler un peu de votre relation et de vos expériences avec Orange?
Todd : La première fois qu’Orange m’a vraiment sauté aux yeux, c’était en voyant Blackberry smoke au Download 2015… C’est l’un de mes groupes préférés de tous les temps et pour un festival aussi sombre… voir un backline entier d’Orange était génial !!! Un an plus tard, lors d’un concert de Cadillac Three, j’ai rencontré une charmante dame du nom de Karla-Ann qui s’avère être la reine de la couverture des amplis et des cabines Orange à l’usine ! Elle m’a dit à quel point c’était génial de travailler pour cette entreprise. Personnellement, le fait d’avoir connu les deux côtés de la médaille au niveau du travail est très important pour moi ! Jusqu’à présent, ma relation avec Orange n’a été rien moins qu’extraordinaire ! Des réponses rapides à mes questions ridicules et beaucoup, beaucoup de gentillesse ! Vous allez devoir m’éloigner d’Orange Amplifiers avec un très gros bâton !

Que recherchez-vous dans un ampli ?
Todd : J’aime un ampli devant lequel on n’a pas besoin de mettre une tonne de pédales pour qu’il sonne bien. Dans ma recherche d’une tête d’ampli, je me suis rendu dans un magasin de guitare bien connu avec un large choix… J’ai joué avec une pléthore de marques et de modèles différents et, malgré mon faible pour Orange, le Rockerverb MKIII a tout simplement soufflé toutes les autres marques hors de l’eau ! Je voulais avoir la possibilité d’en tirer une distorsion complètement dégoûtante et de la ramener à un crunch sudiste agréable. J’utilise rarement un son clair, mais le Rockerverb a des tonnes de sons clairs et de sons doux et funky dans son sac, sans aucun problème !

Quelle est votre configuration actuelle ?
Todd : J’utilise une tête Rockerverb 50 MKIII, un caisson PPC412 chargé de Celestion Vintage 30s. Le seul et unique effet que j’utilise est une pédale Zoom …. Chorus Pedal pour élargir un peu le son, principalement pour le rythme. Ce petit bijou se trouve à l’arrière et reste toujours allumé. A mes pieds se trouve un accordeur korg pitch black et sous mes doigts… Des guitares Jackson avec des micros Tonerider (des micros géniaux du Kent) ou Seymour Duncan.

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“Comment j’ai commencé à jouer” PT. III

Dans le cadre de notre campagne “Apprendre à la manière d’Orange “, nous offrons des cours de guitare gratuits à tous les utilisateurs d’Orange (plus d’informations à ce sujet ici) et nous partageons une série de citations de certains de nos artistes sur la manière dont ils ont commencé à jouer.

Marcus King, The Marcus King Band

J’ai commencé à jouer à l’âge de 3 ou 4 ans, et je joue professionnellement depuis l’âge de 11 ans. J’ai été très tôt inspiré par des guitaristes tels que Clapton, Hendrix et Stevie Ray Vaughn. J’ai également découvert très tôt The Allman Brothers Band, ainsi que The Marshall Tucker Band et un tas d’autres grands groupes du Sud. Plus tard, j’ai été vraiment intrigué par le “frontman”, et par des artistes tels que James Brown, Otis Redding et Aretha Franklin – tous ceux qui avaient cette certaine attitude me parlaient vraiment. Ce qui a vraiment changé la donne pour moi, c’est lorsque j’ai commencé à étudier la théorie du jazz, et que j’ai découvert Miles Davis et John Coltrane, ce qui a vraiment changé ma vie.

Steve Bello

J’ai entendu Led Zeppelin quand j’avais quatre ans, grâce à ma tante, même si elle n’était pas au courant à l’époque. Mon grand-père était un guitariste de jazz à l’époque, alors même si j’appréciais qu’il y ait un guitariste dans la maison, je voulais jouer du heavy rock dès le départ. J’ai grandi en écoutant Zep, Queen, Aerosmith, Kiss. J’ai commencé à apprendre la guitare à l’âge de 9 ans, mais je ne l’ai pas prise au sérieux avant de voir Ritchie Blackmore sur MTV fracasser sa guitare, et de voir des vidéos de Jimi Hendrix mettant le feu à sa Strat. Ces deux moments m’ont fait penser “je dois jouer de la guitare pour la vie !”.

Becky Blomfield, Dents de lait

J’ai grandi entouré de musique et des gens qui en jouent, ma grand-mère jouait et mon père jouait du saxophone. C’est quelque chose qui m’a naturellement attiré dès mon plus jeune âge et qui ne m’a jamais quitté. Je pense que soit on a ça en soi, soit on ne l’a pas, et pour moi, c’est juste quelque chose que j’ai gardé.

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“Comment j’ai commencé à jouer” PT. II

Dans le cadre de notre campagne “Apprendre à la manière d’Orange “, nous offrons des cours de guitare gratuits à tous les utilisateurs d’Orange (plus d’informations à ce sujet ici) et nous partageons une série de citations de certains de nos artistes sur la manière dont ils ont commencé à jouer.

Laura Cox

Photo de Carlos Fabian.

J’ai commencé à jouer de la guitare à 14 ans, et je pense que c’est grâce à mon père. Il n’était pas musicien lui-même, mais il s’intéressait beaucoup à la musique, qui a fait partie de ma vie dès mon plus jeune âge ; il jouait divers disques de country et de rock classique dans la maison. J’ai d’abord commencé à jouer en acoustique, mais cela n’a duré qu’un an environ, car j’ai réalisé que l’électrique était plus mon truc. Je m’amusais à la maison et je me suis inscrit sur Youtube où j’ai commencé à partager des vidéos de reprises que je jouais. Je n’ai pas vraiment réfléchi à la question, si ce n’est que je voulais partager ma passion avec le monde entier, et la réponse a été assez impressionnante puisque j’ai fini par obtenir des millions de vues ! À l’époque, il n’y avait pas beaucoup de femmes de mon âge qui faisaient ce genre de choses, en publiant des reprises de rock classique, donc il semblait y avoir un marché pour cela et cela m’a certainement aidé à arriver là où je suis aujourd’hui !

Kristian Bell, The Wytches

J’ai commencé à jouer de la batterie quand j’étais enfant, et je ne me suis vraiment mis à la guitare qu’à l’âge de 17 ans. Je regardais les gens jouer des reprises de Nirvana sur YouTube et je copiais ce que leurs mains faisaient, c’est comme ça que j’ai appris les bases. Je pense que le fait de savoir déjà jouer d’un instrument m’a donné une longueur d’avance, mais je ne dirais pas vraiment que je suis un vrai guitariste, je voulais juste être capable de jouer les chansons de Nirvana.

Murray Macleod, The Xcerts

Photo par : TLBrooker Imagery

Le foyer dans lequel j’ai grandi a été le point de départ et l’élément déclencheur, car mes parents et ma sœur aînée étaient tous deux passionnés de musique. Mon père en particulier est un historique du rock’n’roll – pas en tant que profession ou travail, mais aussi loin que je me souvienne, il a toujours eu cette connaissance encyclopédique des dates, des maisons de disques, des sorties, des membres des groupes et des tournées, et il a cette incroyable collection de vinyles que je parcourais quand j’étais enfant, choisissant les albums à écouter en fonction de leurs pochettes et me retrouvant avec des groupes comme KISS et les Monkees, mais ce n’est que lorsqu’il m’a fait écouter les Beatles que tout a changé ; Je me souviens même du jour et de l’endroit exact où nous étions, assis dans notre voiture garée en attendant ma sœur, et il m’a fait écouter les Beatles en direct à la BBC, et je pense que je devais avoir six ou sept ans, j’étais vraiment jeune, mais c’était comme une véritable magie de la vie.

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Interview : Izzy, guitariste des Kings Daughters

Photo Nick Slade de Togada Studio

C’est un plaisir de vous voir rejoindre la famille Orange! Pouvons-nous avoir un peu d’informations sur vous, s’il vous plaît ?
Izzy : Je suis Izzy, guitariste né en Suède et basé à Londres. Je viens d’une famille de musiciens et jouer d’un instrument a toujours été une évidence. J’ai commencé à jouer de la guitare par hasard, c’était la préférence de mon meilleur ami et nous faisions tout ensemble, inutile de dire que je suis devenu accro. Mon premier choix à l’époque aurait probablement été le piano ou la flûte, c’est ce que le moi de 10 ans trouvait cool ! Plus tard, je me suis mis au grunge et au métal et j’ai eu envie de jouer de la guitare électrique. La musique, la pratique et l’écriture sont ma vie depuis lors.

Vous êtes le guitariste de Kings Daughters, comment vous êtes-vous rencontrés ?
Izzy : Nous nous connaissons depuis des années et avons joué de la musique ensemble dans différentes constellations, mais nous n’avons formé Kings Daughters qu’au début du printemps dernier, donc c’est encore tout frais ! Je nous décrirais comme un mélange bizarre de geeks et de rebelles qui mêlent pop flamboyante et rock grinçant. Bien que notre premier single soit un pur morceau de bien-être.

Vous venez de sortir la vidéo de votre single “Get up” aujourd’hui, qui a été produite par nul autre que Brian May ! Comment cela s’est-il produit ?
Izzy : C’est comme un rêve, nous avons certainement dû nous pincer la première fois que nous l’avons rejoint en studio. Le jour où il a posé ses guitares sur le single a probablement été le plus spécial, le simple fait d’être dans la même pièce quand il a commencé à s’échauffer m’a donné des frissons, c’était de la pure magie. Je me suis dit : waouh, je suis en présence d’une légende. Je me sens vraiment très chanceux !

Vous jouez notre TremLord 30 depuis un petit moment maintenant, comment vous en sortez-vous ?
Izzy : C’était fantastique d’explorer le Tremlord. Le trémolo et la réverbération ont tous deux un très beau son vintage et j’adore la façon dont ils se brisent lorsque vous les actionnez. Sans compter que le cadre de la chambre est tout simplement luxueux pour moi qui vis dans un immeuble d’appartements. Mes voisins vous remercient !

Photo par Ambre Arneodau

Sur quoi travaillez-vous tous les trois actuellement / vers quoi / quel est le plan pour quand cette folie prendra fin ?
Izzy : Nous mourons d’envie de sortir et de jouer, de partir en tournée, même si le simple fait de se retrouver pour une répétition serait un bonheur à ce stade ! Nous travaillons également sur notre prochain single, en effectuant les derniers travaux de production et en réglant tous les détails. Nous sommes donc impatients de le voir sortir.

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Interview : Susan Santos

Susan Santos au 100 Club 10 mars 2020

Pouvez-vous nous parler un peu de vous ?
Susan : Je suis née dans une petite ville du sud-ouest de l’Espagne, Badajoz. Je suis un guitariste autodidacte, et j’ai toujours aimé écrire des chansons. J’ai monté un groupe dans ma ville natale, mais j’ai fini par déménager à Madrid dans l’espoir de vivre de ma musique. Là-bas, j’ai travaillé comme guitariste dans une émission de télévision nationale et dans le théâtre musical. Finalement, j’ai commencé à travailler sur mes propres projets, ce que je fais depuis. J’ai fait des tournées en Europe, aux États-Unis et au Mexique, et j’ai sorti cinq albums. Mon dernier album, “No U Turn”, a remporté le prix du meilleur musicien aux European Blues Awards et celui du meilleur album féminin aux L.A Music Critics Awards.

Comment avez-vous commencé à jouer ?
Susan : J’ai commencé à jouer de la guitare espagnole à 18 ans, et environ deux ans plus tard, j’ai découvert le blues à la radio – je n’avais jamais entendu ce genre de musique auparavant, et je ne savais pas ce que c’était, mais je suis instantanément tombé amoureux de ce son ! À partir de là, j’ai découvert tous les classiques, les Beatles, Hendrix, Cream, Pink Floyd, Led Zeppelin et, bien sûr, Stevie Ray Vaughn – j’avais l’impression que ma tête allait exploser quand je l’ai entendu, et j’ai su que je voulais jouer de la guitare électrique.

En tant que guitariste, y a-t-il quelqu’un d’autre que Stevie Ray Vaughn qui vous a marqué ?
Susan : Je suis influencée par beaucoup d’artistes, mais Led Zeppelin, ZZ Top, Tom Petty et les Beatles me font tous sourire et me remplissent d’énergie.

A ce propos, il y a des images de vous en train de jouer avec Billy Gibbons, comment cela s’est-il produit ? En tant que fan de ZZ Top, comment était cette expérience ?
Susan : L’été dernier, mon groupe et moi avons joué au même festival que le Supersonic Blues Machine de Billy Gibbons, et ils m’ont invité sur scène pour jouer avec eux, et c’était une expérience incroyable. Imaginez, Billy est l’un de mes guitaristes préférés de tous les temps ! C’était un gars adorable, et c’était vraiment drôle quand il n’arrêtait pas de me parler en espagnol : “Hola Soy Guillermo…”. Pour cela, j’ai utilisé un de mes autres amplis préférés, la tête Rockerverb 50 MKIII – un ampli génial, parfait pour une grande scène.

Vous avez récemment pris notre TremLord 30 en tournée, comment l’avez-vous trouvée ?
Susan : La TremLord a le son que j’ai toujours voulu, elle a un son chaud et rond, et elle a beaucoup de corps. Le trémolo à tube avec deux réglages de vitesse et la réverbération à ressort est génial, et je pourrais l’utiliser pour jouer à la maison et obtenir un super son, en changeant le mode d’alimentation de 30w à seulement 1w. Je recommande à tout le monde de l’essayer !

Que recherchez-vous dans un ampli ?
Susan : Je recherche un son propre, avec une tonalité rock. Pétillant, avec du corps. Avant d’être un musicien à plein temps, je travaillais dans un magasin de guitare, et j’ai essayé tout un tas d’amplis. Il n’est pas facile de trouver un son propre sans perdre le corps, ou de perdre du son avec des pédales. Je suis incroyablement heureux avec mon installation actuelle !

Quel genre de musique écoutez-vous actuellement ?
Susan : J’ai tendance à écouter toutes sortes de musiques, car je trouve qu’on peut apprendre de toutes. Bien sûr, j’écoute beaucoup de rock, d’americana, de country et de soul. J’ai également lu beaucoup de biographies musicales ces derniers temps, sur des musiciens comme Erik Satie, Tom Waits, Ravi Shankar et Woody Guthrie.

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Interview : Orianthi

Vous avez commencé à jouer à un très jeune âge, quels sont vos premiers souvenirs liés à la musique
?
小さい頃から弾き始めましたね、記憶にある最初の音楽は？
Orianthi : Mon premier souvenir est d’être entrée dans le salon de la famille et de voir ma mère et son fils.
un père qui jouait un disque des Beatles, et j’ai pensé que c’était la chose la plus cool. Je voulais vraiment
jouer avec, alors il a commencé à m’apprendre les accords. J’avais 6 ans.
覚えているのはお父さんが家でかけていたビートルズのレコードを初めて聞いた時ね。最高にか
っこいいと思ったわ。弾けるようになりたいとお父さんにギターコードを教わったの。６歳だったわ。


Quel serait le meilleur conseil que vous pourriez vous donner en tant que jeune joueur ?
もし若い頃の自分にアドバイスするとしたら？
Orianthi : Ne signez rien, sauf des photos et des guitares, haha !
写真とギター以外は絶対にサインしてはいけないってことかしら！

En tant que guitariste, quelles sont, selon vous, vos principales influences ?
ギタリストとしては誰に影響を受けた？
Orianthi : Il faut que ce soit B.B. King, Carlos Santana et Stevie Ray Vaughan.
間違いなくB.B.キング、カルロス・サンタナ、スティービー・レイヴォーンね。

Pourriez-vous nous faire part de quelques-uns des moments qui vous ont marqué jusqu’à présent dans votre carrière, sur
?
今までのキャリアの中で自分の夢が叶ったと思った瞬間はある？
 Orianthi : Sans aucun doute, le fait d’être invitée sur scène par Carlos Santana quand j’avais 18 ans.
20 000 personnes. Jouer les honneurs de Kennedy / avoir l’occasion de travailler avec Michael Jackson, avoir
un disque de platine et une tournée mondiale !
何と言っても18歳の時に２万人の前でカルロス・サンタナに呼ばれてステージに立った時ね。

Quelle est votre histoire et votre expérience avec Orange?
今までのオレンジアンプとの関わり合いは？
Orianthi : Je me souviens avoir vu Jimmy Page en jouer un, les Orange sont des amplis tellement classiques, ils…
ont une telle gravité, une telle présence et une telle polyvalence.
ジミーペイジが使っているのを見て知っていたけど、オレンジは伝統のあるアンプでその音の重さ
、高音域、そして多様性に優れているわね。

Que recherchez-vous dans un ampli ?
ギターアンプに求めるものは何ですか？
 Orianthi : La clarté et la présence, et qu’il soit capable de sonner super doux, puis aussi visqueux.
comme un lion sauvage.
透明感と高音域、つまりとても甘いサウンドから危険な野生のライオンを表現出来るようなもの。

Quelle est votre configuration actuelle ?
今使っている機材は？
 Orianthi : Orange rockerverb MKIII, pédales Neck et Cry Baby Wah avec ma signature PRS
Guitare personnalisée 24.
オレンジ・ロッカーバーブMKIII,ネックペダル、クライベイビー、ギターは勿論私のシグネチャー
ポール・リード・スミス・カスタム24

Si tu pouvais avoir n’importe quel équipement Orange , quel serait-il ?
オレンジ製品で他に欲しいものは？
Orianthi : Ce que j’ai, haha ! Le Rockerverb MKIII est génial !
ロッカーバーブMKIIIだけで充分に素晴らしいわ。

Sur quoi travaillez-vous actuellement, ou travailleriez-vous si ce n’était de la pandémie ?
現在、何か取り組んでいるものはありますか？もしもこのパンデミックが無かったらどんな事をしてましたか？
Orianthi : Je viens de terminer mon nouvel album à Nashville avec Marti Frederiksen, et il sortira bientôt. Il s’appelle “O”, et je vais bientôt donner des concerts et voyager pour faire de la publicité.
l’album.
ナッシュビルで新しいアルバムをマーティ・フリードリクセンと完成させたばかり、 “O “というタイトル
発売になるの。そのプロモーションでライブショーとツアーを計画してます。

A quoi ressemble une journée dans la vie de lockdown ?
外出禁止令での生活はどんな感じですか？
 Orianthi : Beaucoup de café, une course de 10 km, du travail au téléphone, du travail dans le studio et du travail en équipe.
puis peut-être un flux en direct, ou un tas d’interviews et de podcasts.
たくさんのコーヒー、６マイルのジョギング、電話での仕事、スタジオでの仕事、そしてライブストリ
ーム、インタビュー、ポッドキャスト。

Si vous pouviez faire un bœuf avec quelqu’un, mort ou vivant, qui serait-ce et pourquoi ?
もしも生きているかにかかわらず一緒に演奏できる人を選べるとしたら誰、そしてなぜ？
Orianthi : Jimi Hendrix et Stevie Ray Vaughan, sans aucun doute.
それは絶対にジミ・ヘンドリックスとスティービー・レイヴォーン。

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Interview : Wata de Boris

Vous êtes un joueur d’Orange depuis longtemps maintenant, pouvez-vous nous parler de votre histoire et de votre expérience avec l’entreprise ?

オレンジのプレーヤーになって長いのですが、わが社との出会いと経歴を簡単に教えて貰えますか？
Wata : Boris est actif depuis 1992, nous avons fait des tournées aux États-Unis, en Europe, en Asie, en Océanie et dans divers endroits. Lorsque nous avons commencé, nous étions influencés par la musique psychédélique et le hard rock des années 1960-70. Souvent, nous observions les artistes que nous adorions ; beaucoup utilisaient du matériel Orange. J’ai été frappé par l’aspect mignon et le son gras et chaud. Quand j’ai commencé à m’intéresser aux amplis Orange, les millésimes originaux étaient déjà chers (comme ils le sont maintenant). Lorsque OR120 a été réédité au début des années 1990 au Japon, j’ai pu acheter une demi-pile. Depuis, je suis obsédé par le son d’Orange. Je continue à collectionner diverses têtes vintage, des cabinets, et des gammes actuelles.

Borisは1992年から活動しています。日本だけでなく、アメリカ、ヨーロッパ、アジア、オセアニアなど、様々な国をまわっています。結成当初は1960～1970年代サイケやヘヴィロックを良く聴いていました。そのあこがれのミュージシャンの映像を観るとOrangeを使っている人がいっぱいいて、見た目のかわいさと、太く暖かいサウンドに惹かれました。私がOrange Ampに興味を持った当時、既にオリジナルのヴィンテージはとても高価（今はもっとですね）でしたが、1990年代半ばにちょうど日本国内でもOR120のリイシューが発売になり、ハーフスタックを購入しました。そこからOrangeサウンドの虜になって、以後ヴィンテージのヘッドやキャビネット、現行品までを色々手に入れています。

Tu as joué à la fois avec l’OR120 et le Rockerverb 100 associé au PPC412. PPC412 – Qu’est-ce que tu cherches dans un ampli, et qu’est-ce que tu aimes dans ces deux-là ?

OR120とRockerverbPPC412
 Wata : Des médiums et des graves très riches, de la puissance, un fonctionnement simple, le look cool d’un full stack. Il est facile pour moi de créer un son sans distorsion avec l’OR120 ou le Rockerverb 100. De plus, ces amplis fonctionnent bien avec ma Les Paul et la pédale d’effet qu’elle utilise. Nous venons de sortir un nouvel album “NO” le 3 juillet. Le monde a changé de façon inattendue, à l’extrême. Nous avons enregistré cet album en souhaitant qu’il réconforte tous les auditeurs. Il y a beaucoup de morceaux au tempo rapide. Les enceintesOrange ont joué un rôle très important dans le studio d’enregistrement. Les cabines Orange ont été capables de maintenir la tonalité de base avec différentes têtes d’ampli.

中低域の豊かさ、パワー感、シンプルな操作性。フルスタックでの見た目の格好良さ。OR120やRockerverb100は歪まない音作りがしやすいのと、私が使っているレスポールやFUZZペダルとも相性が良いです。ちょうど7/3にOrange

Comment décririez-vous le processus d’écriture et de création de Boris ?

Borisの作曲・創作のプロセスをどう説明しますか？
Wata : En gros, une chanson commence lorsque nous sommes inspirés par des jams et des improvisations. Nous enregistrons simultanément lorsque nous avons des sessions de jam. Les morceaux sont ensuite assemblés et montés pour devenir une chanson. Les instruments, les pédales, les amplis Orange et les cabinets jouent tous un rôle important. L’expression de la chanson rend les membres plus enthousiastes et nous conduit dans la direction souhaitée. Nous nous efforçons également de faire part de notre expérience de la tournée, des visages du public que nous avons vus depuis la scène, et du sentiment que nous avons eu à ce moment-là.

基本的にはJamやインプロビゼーションを出発点にして作曲は始まります。いつもスタジオではジャムセッションと同時進行でレコーディングが行なわれ、それらが編集され曲になっていきます。楽器、ペダル、もちろんOrangeのアンプやキャビネットも楽曲を生み出すのに重要です。音の表情に導かれてメンバーの気持ちも高揚しますし、楽曲の向かうべき先を定められます。また、ツアーに出て吸収したこと、ステージから見えるオーディエンスの顔、フィーリングが作曲のインプットになって曲作りに繋がっています。

Comment avez-vous fait face, en tant que groupe, au manque de musique live ces derniers temps, et que pensez-vous de la numérisation des groupes en termes de streaming live, etc.

ライブが出来ない現状をどのように対応していますか？又、ライブストリームのようなデジタル志向をバンドとして考えていますか？
Wata : Pouvoir toucher le corps du public avec un son énorme est extrêmement important pour nos concerts. Vous ne pouvez pas ressentir la musique avec votre corps à travers les flux en direct. Nous pourrions envisager de publier un produit vidéo après avoir monté les séquences en direct du passé. Mais je suis sceptique quant au streaming en direct. Depuis la scène, nous ne pouvons pas établir de contact visuel avec le public. Je peux comprendre que la situation actuelle (pandémie) oblige de nombreux artistes à se mettre en ligne et à multiplier les actions. Mais nous craignons que cela ne finisse par détruire la culture précieuse de la musique en direct. Nous l’examinons donc très attentivement.

私たちのショウでは大音量でオーディエンスの身体に触れることがとても大事な要素です。 体全体で感じてもらうこと。ライブストリームではそれが不可能です。過去のライブ映像を編集して「映像作品」として公開することは前向きになれますが、ライブストリーミングに関しては懐疑的です。ステージからオーディエンスと目が合わない事にも問題があります。こういった状況だからアクションを起こさなければならないのも理解していますが、その行動が大切な文化を破壊することにもなりかねません。とても慎重に考えています。

L’équipement de Wata :
Rockerverb 100 MK III
PPC412

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Interview : Michele Stodart de The Magic Numbers

Michele ! C’est un plaisir de discuter avec vous, et encore plus de vous accueillir dans la famille Orange. Pouvons-nous avoir un peu d’introduction pour nos lecteurs ?
Michele : Je suis né à Trinidad – Port of Spain. Nous étions très proches en tant que famille, vivant ensemble avec nos oncles, tantes, cousins et grands-parents. Plus tard, nous avons déménagé à New York et avons vécu dans un appartement dans le Queens, à Astoria, pendant six ans. Après avoir changé d’école de nombreuses fois pendant mon enfance et après que nos parents aient eu plusieurs emplois pour survivre, mon père est parti faire sa vie à Londres où nous sommes installés depuis. C’est aussi le lieu de naissance de notre groupe “The Magic Numbers”. La musique a toujours occupé une place importante dans notre éducation, la musique country était très populaire à Trinidad et notre famille écoutait de vieux disques de Patsy Cline, Hank Williams, J.Cash, Guy Clark, et mon frère Romeo (le chanteur de The Magic Numbers) et moi-même avons été frappés par le pouvoir que ces chansons avaient sur notre famille. Nous avons passé de nombreuses nuits à écouter, chanter et pleurer sur ces chansons.

Y a-t-il des groupes ou des artistes qui vous ont influencé très tôt ?
Michele : En tant qu’auteur-compositeur, je suis influencé par beaucoup de chanteurs-compositeurs : Joni Mitchell, Emmylou Harris, Neil Young, John Prine, Ferron, Conor Oberst, etc… J’aime aussi des groupes comme Fleetwood Mac, Radiohead et Beach Boys. En tant que bassiste et musicien, je suis obsédé par le groove et la mélodie, il faut que ça bouge et que ça chante ! Je suis inspiré par les lignes de Carol Kaye, Colin Greenwood, et tous ces disques de jazz de James Jamerson Motown et Ron Carter, ainsi que par beaucoup d’AfroBeat en jammant sur Tony Allen, les grooves de Fela Kuti et le Reggae aussi… J’écoute et je suis inspiré par beaucoup de musique, apprendre est ce que je préfère dans le métier de musicien.

Pouvez-vous nous parler un peu de The Magic Numbers ?
Michele : Le groupe s’est formé après avoir déménagé à Londres et rencontré les Gannon, Sean (batteur) et Angela (chanteuse/clavier). Romeo et Sean ont créé un groupe appelé “Guess” et, avec d’autres musiciens et chanteurs, ils ont parcouru le circuit londonien en donnant des concerts, en envoyant des démos et en répétant dans le salon de nos parents, transformé en studio avec des boîtes à œufs et des matelas sur les murs, le tout recouvert de contreplaqué. Finalement, ils ont demandé à Angela et à moi-même de rejoindre le groupe, et nous avons commencé à écrire différentes chansons et c’est à ce moment-là que nous sommes devenus The Magic Numbers. Nous nous sommes constitués un noyau dur de fans avant l’avènement d’Internet en jouant tellement souvent que les gens ont commencé à parler de nous. Avant même de s’en rendre compte, le bouche-à-oreille nous a amenés à faire salle comble au Forum, alors que seul un single de 7 pouces était sorti.

Nous avons eu la chance de tourner et de partager la scène avec tant de groupes que nous admirons. Nous avons fait la première partie de Brain Wilson et avons pu chanter “Love & Mercy” avec lui sur scène. Tournée aux États-Unis avec les Flaming Lips et Sonic Youth, Bright Eyes, Rufus Wainwright, U2, The Who et bien d’autres. L’un de nos “rêves devenus réalité” a été de faire la première partie de Neil Young & Crazy Horse en Allemagne, de les voir sur le bord de la scène tous les soirs, en train de discuter et de serrer la main d’Oncle Neil. Ha ! Je dirais que nous nous sommes pincés plusieurs fois. Nous avons sorti ‘Outsiders’ notre cinquième album studio en 2018 et nous continuons à tourner ce disque… Cette année, nous fêtons les 15 ans de notre premier disque, et nous avons toujours des projets pour faire de la nouvelle musique ensemble. Romeo fait beaucoup de travail de production et de collaboration en écrivant pour et avec des artistes également.

Vous avez également sorti quelques albums solo, dont le dernier en 2016 – travaillez-vous sur quelque chose de nouveau pour vous-même ?
Michele : Je le suis en effet ! Je suis actuellement en train de terminer l’enregistrement de mon troisième album solo dont la sortie est prévue pour la fin de cette année 2020 ou le début de l’année prochaine… C’est un disque dont je suis très fier et que j’ai hâte de partager avec tout le monde. J’écris tout le temps et j’ai quelques autres disques solo à mon actif. Il s’agit juste de saisir le moment pour entrer dans le studio et les enregistrer tous. Je fais aussi beaucoup de collaborations avec des artistes et je coécris aussi. Vous pouvez trouver mon jeu de basse sur quelques disques Rowan Rheingans ‘The Lines we Draw Together’ / David Kitt ‘Yous’ / guitares, basse et voix pour O’Hooley & Tidow ‘Shadows’ et une récente co-écriture et collaboration musicale avec Charlie Dore sur le nouvel album ‘Like Animals’ dont la sortie est prévue cette année. En 2019, j’ai eu l’occasion de jouer dans le film “Yesterday” de Danny Boyle et Richard Curtis, de jouer de la basse et de chanter sur la bande sonore enregistrée au studio Abbey Road – en réinterprétant ces chansons classiques des Beatles.

Wow, c’est tellement génial ! J’aimerais en savoir plus sur la façon dont l’opportunité “Hier” s’est présentée ?
Michele : Un ami producteur/musicien extraordinaire, Adem, m’a demandé de le faire. Il a participé à la conception du projet et a constitué le groupe de Jack (Himesh Patel). Le compositeur Daniel Pemberton, le réalisateur Danny Boyle et le scénariste Richard Curtis (tous ces gens incroyablement talentueux que j’admire et dont je m’inspire) cherchaient quelque chose de spécial/de cool sur scène pour le film. C’était un peu un rêve… Non seulement je ne pouvais pas m’imaginer faire quelque chose comme ça en un million d’années, mais ça s’est passé si vite et si intensément que je n’arrivais pas à y croire. J’étais en tournée avec mon groupe The Magic Numbers, puis je suis parti tourner ces scènes de film emblématiques. L’une d’elles à minuit, jouant de la basse sur la scène du stade de Wembley, putain ! Avant le début du tournage, nous avons passé quelques jours extraordinaires à enregistrer la bande sonore dans les studios d’Abbey Road, où j’ai pu jouer différentes versions de tous les classiques des “Beatles” de McCartney et Lennon. Alors oui… un moment unique dans une vie, je me couche parfois dans mon lit en pensant que c’est vraiment arrivé. J’ai également demandé un backline Orange pour le film lorsque j’ai joué.

Cela a dû être assez surréaliste, quelle opportunité ! C’est cool que tu aies utilisé Orange aussi, ce qui m’amène à ma prochaine question ! Quelle est votre histoire et votre expérience avec Orange?
Michele : Cela fait longtemps que mon histoire d’amour avec Orange a commencé, je me souviens d’avoir fait du rock sur scène – je pense que c’était en Amérique, peut-être même au SXSW à Austin. Il y avait un backline Orange pour le concert, je m’y suis branché et je n’ai jamais regardé en arrière… C’est super cool aussi. Mon ampli est une tête AD200 MKIII version rouge cerise avec un OBC410 & OBC115 cabs. En ce qui concerne les expériences, je n’ai eu que de bonnes expériences avec Orange et son équipe. Ils aiment tous ce qu’ils font, le font avec soin et le comprennent vraiment, du côté des musiciens. J’utilise Orange presque depuis le début du groupe maintenant. Chaque fois que nous sommes en tournée et que je ne peux pas apporter mon propre matériel, je demande toujours à Orange.

Que recherchez-vous dans un ampli ?
Michele : En particulier dans un ampli de basse, je recherche la clarté, le punch, la profondeur et la chaleur. Je dois ressentir les vibrations à travers mon corps tout en étant capable de distinguer les lignes mélodiques que je joue, cela fait partie intégrante du son de notre groupe et des accroches de nos chansons. Certains amplis manquent de profondeur et de chaleur, ils sont soit trop durs et ont une attaque courte… Je déteste ça. Je bouge beaucoup sur scène avec le groupe et je veux pouvoir sentir que le son bouge, qu’il groove avec moi. Les amplisOrange sont les seuls pour moi.

Quel serait votre conseil aux personnes qui aspirent à jouer ?
Michele : Prenez votre temps, ne forcez pas… Déterminez ce que vous aimez et quand vous le faites. Tomber amoureux de son instrument, former une relation malsaine et en devenir obsédé. Réveillez-vous à côté d’elle, endormez-vous en y jouant, dites à vos amis que vous ne pouvez pas sortir et profitez plutôt des callosités qui se forment au bout de vos doigts. Je me souviens d’avoir joué de la basse à toute heure de la nuit pour apprendre à chanter et à jouer en même temps… Je voulais être capable de faire les deux choses parce que j’aime aussi chanter. Je voulais les faire tous les deux au même niveau de méchanceté ! !! J’étais accro… Il faut aimer ça, en profiter, être frustré, se dépasser et prendre le temps de se perdre avec ça. La musique et votre instrument seront toujours là pour vous… Une fois que tout le monde dort, il attend d’être joué et écrit. C’est le parfait petit secret.

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Interview : Adam Kenny des Rumjacks

Adam: Je suis Adam Kenny, joueur de mandoline, bouzouki et banjo pour les Rumjacks. Nous jouons du punk rock celtique rapide. J’ai grandi dans l’ouest de Sydney avec des parents irlandais, où j’ai été exposé à beaucoup de musique irlandaise comme les Pogues, les Cheiftans, les Furyeys, Christy Moore et d’autres encore lors de nos barbecues familiaux. À l’époque, je me suis moqué d’eux en pensant que j’étais trop cool, et ce n’est que des années plus tard, lorsque j’ai écouté Joe Strummer jouer avec les Pogues, que j’ai découvert un beau mélange de punk et de folk, quelque chose qui nous inspire encore aujourd’hui en tant que groupe.

La musique faisait manifestement partie de votre enfance puisqu’on en jouait à la maison. Quand avez-vous commencé à en jouer vous-même ?
Adam : Mon père m’a donné une copie de Stratocaster quand j’avais 13 ou 14 ans, il m’a appris ‘House of the rising sun’, et j’étais accroché. J’ai fait un an de guitare classique avant de découvrir Nirvana qui est devenu tout ce que je voulais jouer pendant des années. J’ai joué dans différents groupes de punk et de hardcore et j’ai rejoint The Rumjacks en tant que guitariste en 2008. Après quelques changements de ligne, j’ai fini par apprendre la mandoline, ce qui m’a conduit au banjo ténor et au bouzouki irlandais. Depuis, j’ai eu le plaisir de tourner et d’enregistrer avec d’autres groupes folk/rock comme Handsome Young Strangers, The Go Set, The Clan et le chanteur/compositeur irlandais Damien Dempsey.

Pouvez-vous nous parler un peu des Rumjacks ?
Adam : Nous sommes un groupe de punk celtique formé en 2008, dans les Blue Mountains, à Sydney, en Australie. Nous étions tous impliqués dans différents projets à l’époque, mais comme nous avons trouvé un si bon son ensemble, nous avons commencé à jouer des concerts à Sydney, puis dans le reste de l’Australie. En 2015, nous avons effectué la première de nos nombreuses tournées européennes, et en 2017, notre première tournée aux États-Unis, avant de nous rendre en Asie du Sud-Est et au Japon en 2019. Lorsque nous sommes en tournée, il est normal que nous démarrions tôt et que nous passions de longues heures dans le van. Nous restons simples avec une équipe très réduite, ce qui nous permet de participer au chargement et au déchargement.

Que faites-vous pendant ces étranges jours de fermeture ?
Adam : J’ai écrit un peu, je me suis occupé du jardin et j’ai passé du temps avec le chat de la famille. J’ai la chance d’être coincé dans ma ville natale dans les blue mountains en ce moment, j’espère juste pouvoir repartir pour les prochains festivals d’été en Europe !

Quelle est votre histoire et votre expérience avec Orange?
Adam : J’ai commencé à remarquer Orange lors de concerts dans les années 2000, alors que je regardais beaucoup de groupes de punk et de hardcore à Sydney, le son qu’ils donnaient m’a vraiment époustouflé, surtout lorsqu’il s’agissait de styles plus durs. Naturellement, les couleurs vives et les symboles cool des commandes m’ont interpellé. J’étais tellement habitué à ne voir que des grosses piles noires Marshall et Peavey, que l’Orange m’a toujours intrigué. Au fil des années, j’ai vu de plus en plus de ces amplis apparaître sur scène (et dans les studios), et j’ai pensé que ces amplis devaient être les vrais. Après être passé aux instruments acoustiques en live et en studio, j’ai toujours été à la recherche de bons amplis acoustiques et de préamplis DI, c’est toujours une bataille de jouer des instruments acoustiques en live avec une bande de volume complète, donc les contrôles notch / feedback étaient un must pour gérer les différentes scènes live. Je détestais aussi avoir une pile de boîtes de direct devant moi, alors les doubles canaux de l’Orange Acoustic Pre m’ont vraiment séduit.

J’utilise des micros passifs de type piézo dans certains de mes instruments, et je peux toujours obtenir un signal stable et dynamique à la table d’harmonie. Il se surpasse tous les soirs, c’est un super kit ! J’utilise actuellement un Orange Acoustic Pre pour la mandoline, le bouzouki irlandais, le banjo ténor et la guitare acoustique, et le Crush Acoustic 30 pour le repli sur scène et en studio. K&K banjo twin pick ups dans le banjo et bouzouki irlandais, Crafter mandoline avec pickup CnR-4. Guitare acoustique Godin avec micro Lr-baggs M80.

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