Wishbone Ash, embajadores de Orange desde hace mucho tiempo, están celebrando el 50º aniversario de su icónico álbum Argus de 1972, y se embarcan en una gira de cinco semanas por el Reino Unido para apoyarlo, seguida de una gira por la UE y fechas en Estados Unidos a principios del próximo año. La lista completa de espectáculos puede consultarse aquí. Para celebrar el aniversario, hablamos con el líder y guitarrista Andy Powell sobre el álbum que cambió la carrera de la banda para siempre.

¿Qué puede decirnos sobre la grabación de Argus y el impacto que tuvo el álbum en la carrera de la banda?

La grabación de Argus fue emocionante porque pasamos de 8 a 16 pistas. Esto nos permitió hacer un doble seguimiento de las líneas de guitarra y de las voces arregladas, por lo que se destacan tan bien. En aquella época no había pedales de efectos; los efectos de reverberación se conseguían con un eco de placa y afinábamos las guitarras de oído con un diapasón. Recuerdo bien el lanzamiento, ya que los fans y la crítica lo abrazaron. Rolling Stone describió Argus como un álbum “esencialmente excelente” y Sounds lo coronó como “Álbum del Año”. Hay que tener en cuenta que nuestra competencia eran álbumes como Machine Head de Deep Purple y Thick as a Brick de Jethro Tull. Todos estábamos muy orgullosos del reconocimiento en aquel momento… y todavía hoy. Cambió por completo la carrera de la banda. Nos llevó a la gran liga, ya que empezamos a encabezar nuestras propias giras en el Reino Unido. Antes de eso, habíamos sido teloneros de grupos como Rory Gallagher’s Taste o Mott the Hoople. Luego fuimos a Estados Unidos y conseguimos el puesto de telonero de los Who en la gira. El primer espectáculo fue ante 35.000 personas en el Mississippi River Festival. Me sorprendió el sistema de sonido, la cantidad de gente, el escenario al aire libre que incluso tenía su propio aire acondicionado para los artistas. Aprendimos mucho de las giras de cerca con esa banda. También fue entonces cuando empezamos a enviar nuestra línea de fondo Orange a Estados Unidos. El equipo de Orange siempre impresionaba a los técnicos de sonido por su potencia y claridad en los grandes escenarios, y gran parte del sonido de las guitarras procedía de nuestro backline Orange. En un momento dado, utilicé dos cabezales Orange de 200 vatios en las exposiciones.

¿Qué opina del álbum cinco décadas después?

Es el regalo que sigue dando, la joya de la corona de nuestro catálogo. Hemos hecho grandes discos, pero este fue el álbum perfecto en el momento perfecto de la historia del rock, y esa es la diferencia. Los álbumes son algo así. Pueden capturar los tiempos que una banda está viviendo, y para nosotros, Argus era exactamente este tipo de álbum. Los riffs, intros y outros del álbum se han convertido en algo intemporal. Canciones como The King Will Come, Warrior y Blowin’ Free siguen siendo recibidas con tanto cariño, 50 años después. Todavía hoy disfruto tocando mi canción Leaf and Stream, así como la canción antibélica Throw Down the Sword, uno de mis mejores momentos como solista en el álbum. Sometime World es otra canción con un solo mío del que estoy muy orgulloso. No teníamos ni idea de que el sonido arreglado de las guitarras solistas gemelas que desarrollamos se convertiría en la inspiración de tantas otras bandas de rock y metal, como Thin Lizzy, Iron Maiden y Opeth. Scott Gorham, de Thin Lizzy, me contó que cuando Thin Lizzy se trasladó a Londres y vio a Wishbone Ash en el Lyceum, el bajista Phil Lynott dijo después que Wishbone tenía el sonido que ellos necesitaban. El bajista de Iron Maiden, Steve Harris, llegó a comentar a Guitar World en 2011: “Creo que si alguien quiere entender lo primero de Maiden, en particular las guitarras armónicas, lo único que tiene que hacer es escuchar el álbum Argus de Wishbone Ash.”

Estoy de acuerdo, es realmente el regalo que sigue dando y realmente ha resistido la prueba del tiempo. ¿Qué se siente al poder compartirlo con las nuevas generaciones y ver una variedad tan grande de edades en sus espectáculos?

Me encanta cuando miro al público y veo a madres y padres con sus hijos en los espectáculos. Esto no habría sido así en su día, por supuesto, cuando un 80% de nuestro público eran jóvenes, pero ahora demuestra que nuestra música puede resistir el paso del tiempo y ser universalmente atractiva, y, por supuesto, a muchas chicas les gusta tocar rock hoy en día. Me encanta eso. Ver y escuchar a estas multitudes unirse al entusiasta coro de Warrior me confirma que nuestra música puede encender la imaginación de las nuevas generaciones de fans. Recientemente, jóvenes veteranos heridos se han acercado a mí después de los espectáculos y me han contado cómo Warrior les mantuvo concentrados durante su lucha. Eso es muy humilde, y reafirma el poder de la música y las letras. “A slave I couldn’t be”, sobre todo, resuena con la lucha en Ucrania y puedo apostar, sin ninguna duda, habiendo tocado allí unas cuantas veces, que todavía hay jóvenes guerreros actuales que acuden a esta pieza musical para fortalecerse.

Juan Francisco Ayala, también conocido como Paco Ayala, es un músico mexicano conocido por ser el bajista y vocalista del grupo de rock mexicano Molotov.

En esta entrevista con Danny Gómez y Ed Navarro de Legato Sales, nuestro distribuidor en Latinoamérica, Paco nos habla de su carrera, de los años de la pandemia y de sus planes para la banda. También nos cuenta cómo encontró su sonido con los amplificadores Orange y detalla su equipo.

Estén atentos a un vídeo de la plataforma muy pronto con Paco.

Trío de la Santa Muerte por Rene Dominguez / @renphotogs

¡Hola John! ¿Qué puede decirnos sobre su banda Holy Death Trio?
Holy Death Trio es una fuerza creativa de heavy rock de alta energía formada en Austin Texas en 2019. Somos una fusión de todo lo que mola y sienta bien al alma. Nos enorgullecemos de investigar y desarrollar la industria musical actual y de conocer la historia de nuestra música, desde Liszt y Mozart hasta la Motown y los Beatles, pasando por los años 60, 70 y 80, y por qué el hair metal estaba destinado a fracasar y Seattle iba a provocar una revolución sin paliativos. Nos encanta hablar de historia de la música, así que, si estás leyendo esto, ¡debate con nosotros!

Lanzó su álbum de debut Introducing durante la pandemia, ¿puede hablarnos un poco de él?
Dicen que tienes toda la vida para grabar tu primer disco y solo un año para grabar el segundo, y este disco parecía tener toda una vida de música, con canciones que escribí en 2013. Eso, mezclado con cosas de la vida por las que estábamos pasando, como luchar contra el ego y lidiar con los detractores. Este álbum fue un trabajo de amor y locura. Estábamos decididos a ser diferentes pero fieles a nosotros mismos, no queríamos ser otro grupo de versiones de Sleep.

Dicho esto, conocimos a un tipo realmente impresionante y auténtico llamado Charles Godfrey (Scary American), que trabajó en los legendarios estudios Sonic Ranch durante 10 años y grabó algunos álbumes increíbles, además de tener un álbum número uno en el Billboard que él mismo diseñó y produjo. ¿Cuántas bandas pueden decir que han grabado con alguien que ha hecho un álbum número uno?

Teníamos la receta del éxito: una banda con talento, un productor con talento y la voluntad de hacer un gran álbum. Estábamos decididos a lanzarlo nosotros mismos financiando nuestras propias campañas de prensa, y al hacerlo, atrajimos a Blasko (Ozzy Osbourne, Rob Zombie, Danzig, etc.) a la fiesta. Nos ayudó a conseguir un contrato discográfico con Ripple Music. y así es como surgió Introducing.

Trío de la Santa Muerte por Levi Guzman / @dreamthorp.

¿Cómo acabaste firmando con Ripple music y cómo ha sido trabajar con ellos?
Nos descubrió un buen amigo nuestro llamado Bucky Brown. Vio un vídeo en el que tocábamos una versión en directo de nuestro éxito de blues pesado The Killer y se lo envió a Todd Severin de Ripple Music, pero éramos reacios a firmar con un sello. Nadie será dueño de nuestra música. Eso es lo que siempre he dicho, pero por suerte Ripple no se dedica a joder a los músicos.

Jugamos al teléfono durante un mes o más, y sabíamos que Ripple encajaría muy bien, así que finalmente el universo permitió la llamada telefónica perfecta con Todd y la banda en la víspera de año nuevo de 2020, justo después de que termináramos de grabar todo el álbum. Insistió en que al menos habláramos con Blasko, y si seguíamos sin sentirnos cómodos firmando, dijo que no nos preocupáramos y que siempre estaría ahí para apoyarnos.

Pero Blasko nos dio un trato increíble y nos aseguró que seríamos dueños del 100% de nuestra música y que iría más allá para asegurarse de que la presentación del álbum (arte, diseño de la portada, formatos) estaba todo cuidado.

Ahora que el mundo se abre de nuevo, ¿qué se siente al volver a salir a la carretera?
Es una maldición y una bendición. Ser una banda en el mundo del stoner rock underground no siempre tiene sus grandes recompensas. Intentamos tocar en cualquier lugar que podamos, pero con los precios de la gasolina por las nubes, no es una decisión comercial viable estar en la carretera. Incluso los conciertos de 1000 dólares pueden consumir más de 500 dólares en gasolina.

Elegimos nuestras batallas, por supuesto, y hemos decidido apostar por Austin, Texas, no hay necesidad de ir a ningún otro lugar a menos que sea para las fechas del festival. Admitámoslo, la gente ya no va a los espectáculos locales, así que es mejor encontrarlos en el medio, en un lugar donde ya están, como… el Desertfest NYC.

Todavía tenemos que anunciar algunos grandes, y si quieres que toquemos el tuyo, envíanos un mensaje a [email protected]

Vas a tocar en el Desertfest NYC en mayo. ¿Qué piensa y qué espera de ello? ¿Conocía la edición británica del festival?
Hace tiempo que soy un gran fan del Desertfest. Mi objetivo siempre ha sido hacer una gira por Europa y participar en el Desertfest, pero tocar en el Desertfest aquí en Estados Unidos es un honor. Tendrá el mismo bombo y platillo que la primera edición de Psycho Las Vegas, con la diferencia de que se celebrará en la antigua capital mundial del rock’n’roll, Nueva York-Effin’-City. ¡Va a ser uno para los libros de récords!

¿Qué pueden esperar los asistentes al festival de un espectáculo de HDT?
Obtendrás la experiencia del rock pesado. Adoración del amplificador a toda máquina y con mucha energía. Rock’n’roll puro y duro. Puedes esperar ver a tres tipos malos en el escenario dándolo todo, tocando como si el mundo se fuera a acabar al día siguiente. ¡Sangre, sudor, lágrimas y fuego!

Si alguna vez te has preguntado cómo es un espectáculo de Holy Death Trio, sólo tienes que ver nuestro vídeo de White Betty:

¿Cuál es tu configuración actual de Orange?
Actualmente uso el Rockerverb 100 MKIII y un Dual Dark 50 con dos PPC 4×12 todo en Negro. O vas a lo grande o te vas a casa.

¿Cómo sería la plataforma Orange de sus sueños?
Tengo el equipo naranja de mis sueños con el Rockerverb 100. Es todo lo que necesito en un amplificador, pero si pudiera tener una pila completa envuelta en Purple a ambos lados del escenario, podría llorar un poco.

La colorida historia de Orange Amplification se celebra en tres nuevos vídeos en los que aparecen el legendario ingeniero de sonido del front of house Colin Norfield, el renombrado ingeniero de sonido John ‘JJ’ James y el respetado diseñador de armarios Mick Dines.

En los años 70, Orange Amplification creó Orange Hire para proporcionar la megafonía y el backline de los grandes festivales al aire libre, como Reading y la Isla de White. Bajista Colin Norfield era el hombre perfecto para dirigir esta empresa. De ahí pasó a convertirse en uno de los especialistas en audio profesional más emblemáticos de nuestro tiempo. La lista de prestigiosas giras en las que ha trabajado incluye a Diana Ross, Toto, Iron Maiden, Pink Floyd, Zucchero y su relación con David Gilmour ha durado más de cinco décadas.

Un manitas autodidacta y rompedor de reglas, John “JJ” James fue responsable del diseño de la mayoría de los productos de la empresa hasta 1979, incluido el innovador amplificador “Pics Only”, sinónimo de la marca. Cuando la fábrica de Bexley Heath cerró en 1979, James empezó a trabajar con Brain Hatt, ingeniero jefe de los estudios Orange, antes de pasar más de cuarenta años “a la izquierda del escenario” para conciertos de talla mundial como Eric Clapton, Queen + Adam Lambert, Joe Satriani, Robbie Williams y muchos más.

Mick Dines trabajó con Orange Amplification desde 1968 hasta la actualidad y fue el Director General de Orange Amplification durante los años 70. Aprovechó su experiencia como bajista de gira para hacer que los gabinetes de la empresa fueran sólidos y robustos. También introdujo el característico frente ‘Basketweave’, el material que ayudó a definir el distintivo tono ‘Orange ‘. El conocimiento de Dines sobre el bajo fue decisivo para que la empresa se introdujera en el mercado de los amplificadores de bajo con la introducción del legendario gabinete reflector de 2×15″, que utiliza el diseño de parábola más moderno con dos enormes altavoces de 15″ espalda con espalda para maximizar el volumen.

Los vídeos, entretenidos e informativos, exploran una época en la que estos expertos en su campo eran ‘sólo haciendo cosas’ que ‘nadie había pensado’ y ‘Para ver el vídeo de Colin Norfield, vaya a https://youtu.be/Srvoi9hfp8g, el vídeo de John ‘JJ’ James https://youtu.be/Fmp6ctbBy9o y el vídeo de Mick Dines https://youtu.be/ahlJ9Teedbw. Para saber más sobre la historia de Orange Amplification, visite https://orangeamps.com/history/

Kryptograf de Olav Vikingstad.

En honor a su último álbum “The Eldorardo Spell”, hablamos con el guitarrista de Kryptograf, Vegard Bachmann Strand, sobre la grabación y el trabajo con Iver Sandøy (Enslaved) y Gaahl (Gaahls Wyrd, antes de Gorgoroth), sus primeras influencias como guitarrista y, por supuesto, su elección de Orange.

Kryptograf, ¿podemos conocer los antecedentes de la banda?
Hemos estado tocando juntos en diferentes bandas desde 2016. Nos conocimos cuando íbamos a la misma escuela en Trondheim. Supongo que todo empezó cuando Odd y yo nos hicimos compañeros de piso en 2015 y empezamos a hacer música juntos. Decidimos comenzar Kryptograf en 2019 porque queríamos un nuevo comienzo después de tocar durante años en una banda diferente con la misma formación más un cantante. Queríamos una banda con una dirección clara en la que pudiéramos profundizar realmente en el material proto-doom.

Kryptograf acaba de lanzar su segundo álbum, “The Eldorado Spell”, ¿qué puede decirnos sobre él?
Cuando empezamos a escribir nuestro nuevo álbum no queríamos hacer el mismo disco dos veces. Mientras que nuestro primer álbum estaba bastante centrado en la era más primitiva del rock duro y psicodélico de finales de los 60, “The Eldorado Spell” da un giro a las cosas. Este álbum tiene más bien un aire de heavy metal de mediados de los 70, ya que contiene más elementos progresivos y giros melódicos. También hay algo de inspiración en grupos de folk rock de los 60 como Pentangle y Fairport Convention. El álbum fue grabado en directo, mezclado y masterizado en el estudio Solslottet por nuestro productor Iver Sandøy en 2021. También hizo nuestro primer álbum y nos gusta mucho trabajar con él. También hay algunas apariciones de invitados en este álbum. Algunas voces hechas por Kristian Eivind Espedal (Gaahl) y algunas trompetas por Ørjan Hammer Volvik.

¿Cómo conseguisteis que Gaahl participara en el disco y cómo fue trabajar con él? Obviamente, es un músico muy destacado no sólo en la escena musical noruega, sino en la comunidad del black metal a escala mundial.
La participación de Gaahl en el disco fue en realidad una idea espontánea que tuvimos cuando estábamos en el estudio grabando las voces. Necesitábamos una voz oscura y aterradora para algunas palabras habladas en el tema principal. Nuestro productor Iver Sandøy ha trabajado mucho con Gaahl y lo conoce bien. De repente, Iver nos envió el máster terminado de El hechizo de Eldorado y ¡ahí estaba! Recuerdo que sentí escalofríos cuando la escuché por primera vez. Desgraciadamente, no tuve la oportunidad de estar allí cuando ocurrió, pero estoy muy agradecido de que haya querido unirse.

Habéis publicado los dos álbumes en Apollon Records, con sede en Bergen, ¿cómo acabasteis con ellos?
Empezamos a trabajar con Apollon cuando publicamos nuestro primer álbum. Parecían personas muy honestas y geniales. Hicieron un gran trabajo con nuestro primer álbum y queríamos seguir trabajando juntos en este.

El tema inicial, “Asphodel”, es una sorpresa bastante progresiva en comparación con su trabajo anterior, ¿fue un cambio de dirección intencionado o simplemente el resultado de sus improvisaciones y su escritura?
Creo que esto es sólo el resultado de que nos juntamos en nuestra sala de ensayo. No nos gusta pensar mucho cuando escribimos nuestras canciones, las cosas simplemente suceden. Nos gustaba mucho el ambiente folclórico de la última parte y decidimos trabajar un poco en ello añadiendo algunas guitarras acústicas y demás.

Vuestro álbum de debut, que lleva el mismo nombre, se publicó justo al comienzo de la pandemia, y no habéis tenido muchas oportunidades de tocar esas canciones en directo. Para este, has sido tocando espectáculos de aforo completo y sin restricciones. ¿Cómo ha sido poder volver a ¿eso?
Ha sido increíble. Acabamos de terminar una gira por Noruega, con dos conciertos en Oslo y Kristiansand en los que se agotaron las entradas, y también tocaremos en el festival Sonic Whip de Holanda en mayo, lo que será muy interesante.

¿Qué artistas dirías que han jugado un papel importante como inspiración cuando eras joven? ¿Hubo algún músico o guitarrista en particular que ¿le inspiró a coger la guitarra, o tal vez una determinada canción?
Creo que debo decir que Black Sabbath fue la mayor inspiración para mí. Recuerdo que mi madre me llevó a verlos en vivo en Bergen cuando era niño en 2005. Estaba completamente alucinada. Me encantaba todo tipo de música rock de los 70 mientras crecía, pero mis guitarristas favoritos debían ser Tony Iommi, Angus Young y Ritchie Blackmore.

Eres un tipo de Orange, ¿recuerdas tu primer encuentro con nuestros amplificadores, ya sea viéndolos tocar en directo o en un vídeo, o tocándolos tú mismo?
Creo que la primera vez que descubrí los amplificadores Orange fue cuando vi a Black Sabbath usándolos en un programa de televisión de 1970. Supongo que es un poco irónico ya que Tony era normalmente un jugador de Laney, ¡pero esos amplificadores naranjas se veían y sonaban tan bien! También recuerdo haber visto a Matt Pike usando sus gigantescos muros de amplificadores naranjas y me gustó mucho su sonido.

¿Cuál es tu equipo actual y cómo acabaste con él?
Mi equipo actual es un Orange OR50 y un gabinete PPC212. ¡Me encanta ese equipo!

Si pudieras añadir cualquier amplificador Orange a tu equipo, ¿cuáles serían y por qué?
Me encantaría tener algunos amplificadores Orange vintage. Por ejemplo, uno de esos viejos amplificadores de sólo imágenes o un OR80. También me encanta el sonido de un Rockerverb. Realmente versátil y grandes amplificadores.

Consulta la sesión de Kryptograf 2021 Orange Jams a continuación:

Recientemente ha publicado su último álbum, “Defy”, ¿qué puede decirnos de él?
Este álbum es todo energía en vivo. Después de lanzar dos singles, nos embarcamos en una gira multinacional en la que realmente volvimos a conectar con los fans y con la energía que nuestro material anterior aportaba al directo. Grabamos con Howard Benson en su estudio de Woodland Hills, California. En el estudio, utilicé mis bajos PRS y una variedad de pedales y amplificadores diferentes.

¿Hubo alguien en particular que le hizo entrar en la música a una edad temprana?
Al crecer en Vacaville, ver tocar a Papa Roach y ascender al estrellato internacional me inspiró definitivamente a seguir la música como vehículo para ver el mundo más allá de mi ciudad. A partir de ahí, escuchaba cualquier cosa rápida, fuerte, pesada o emotiva. Cualquier combinación de ellas era perfecta para mi gusto.

¿Cuál es su historia y experiencia con Orange? ¿Recuerda la primera vez que vio uno de nuestros amplificadores?
Recuerdo haber visto tantos grupos que utilizaban amplificadores de guitarra Orange a principios de los años 2000. Un aspecto y un sonido únicos en comparación con los JCM, los Mesa y los 5150 de la época. Luego, el guitarrista de mi banda local de entonces utilizó un Orange cuando estábamos en el estudio grabando una maqueta y ¡simplemente sonaba increíble! Ojalá pudiera recordar el modelo, no puedo asegurarlo pero quiero decir que era un Rockerverb…

¿Cuál es su configuración actual? Mencionas tener un amplificador de práctica Bass Crush 50, ¿cómo es tu experiencia con eso, y¿hay algún otro amplificador que te gustaría probar?
Actualmente
estoyusando un pequeño TC Electronic RH750, pero me encantaría usar el Bass Terror, o el Four Stroke en vivo. Tengo el Crush Bass 50 para practicar y suena increíble, lo que despertó mi interés por seguir probando el Orange. También me gustaría probar la serie OB1, pero el Bass Terror y el Four Stroke han sido muy recomendados.

Todas las Navidades organizamos un concurso llamado “Deseo concedido”, en el que regalamos miles de libras en equipos a los fans Orange de todo el mundo.
¡Oh, hombre! Definitivamente, ¡un bajo terrorífico y una cabina pequeña, y un cabezal de cuatro tiempos! ¡Sería de oro!

Hola, me llamo Will, soy el bajista de Puppy, estoy aquí en el Desertfest 2018.

Cuando empecé a tocar el bajo, era guitarrista, probablemente como la mayoría de los bajistas. Yo era guitarrista y nadie quería coger el bajo, así que me dije que lo haría yo. Ha sido un viaje tratando de encontrar la combinación correcta de un buen rukus, una especie de extremo inferior retumbante pero algo que pueda distinguir la melodía. No quiero sólo sub, algo que realmente pique, eso es lo que busco.

Siempre admiré a los bajistas que realmente destacaban, me encanta Cliff Burton, me encantaba la forma en que tocaba el bajo como una guitarra. Ese enfoque no es sólo la sección rítmica y un montón de tres piezas fueron siempre mis bajistas favoritos porque tenían un tercio del trabajo para llevar. No puedes ser un bajista alhelí en un trío. Al de Sleep, para mí una gran influencia, yo también toco una Rickenbacker, Cliff y Al son mis dos bajistas favoritos de todos los tiempos.

Mi interés por Orange surgió de muy joven, antes de que formara parte de ninguna banda, me encantaba Oasis cuando era un niño. Recuerdo haberlos visto jugar y tenían una línea de fondo totalmente Orange, obviamente eran enormes. Black Sabbath también en alguna actuación alemana recuerdo haber visto que tenían un backline todo Orange y pensé que era lo más chulo que había visto. Luego me enteré un poco más de la historia de la empresa y conseguí el libro de Orange, estuve leyendo sobre la tienda que tenían en Carnaby Street. Me pareció que todo el asunto era genial. El viejo logotipo, el árbol que crece fuera del mundo, la voz del mundo Pensé que sería un gran tatuaje, así que me lo hice allí. Eso es todo hombre, soy un poco fiel a la marca y estaba súper emocionado de que me pidieran usar su equipo. Lo usaría de todos modos, ¡tienen un fan de por vida en mí!

El primer stack fue un Orange, AD200, dos 4×10 y estaba super orgulloso de tenerlo en el escenario. Tocábamos en los locales más pequeños y nunca iba a ningún sitio sin una pila completa. Incluso si eso significaba apilarlo en un taxi y cabrear a un taxista. Es una sensación increíble que me pidan que utilice su equipo, ya que me pasé mucho tiempo babeando por su equipo y mirando fotos de músicos que adoraba. Prince y Al de Sleep, toda esta gente que pensé que era súper genial, usando su equipo. Obviamente, quería ser como ellos, por eso usaba el equipo en primer lugar. Así que se siente muy bien ser realmente un embajador de la marca, se siente increíble.

 

Hola, soy Theo de Wolf Alice y estoy sentado en la sede de Orange, tocando con mi cabezal de bajo favorito, el AD200, y probando algunos pedales interesantes.

La primera vez que llegué a conocer bien una cabeza de Orange o que entendí realmente lo que era, fue cuando nuestro director de gira, el infame Dave Danger, nos llevó. Fue como nuestra primera gira por el Reino Unido y necesitaba que me prestaran un amplificador y su amigo Skipper me prestó este cabezal y los dos cubos, con el sub y los tweeters y demás. Estaba acostumbrado a presentarme en los locales y a tocar cualquier cosa, con las perillas caídas. Me enamoré de él y me gustó mucho jugarlo. Recuerdo que lo tenía en mi piso en aquella época y que cabreaba a todo el mundo porque tenía una pila enorme y me dedicaba a tocar el bajo a trompicones, lo cual no es una forma muy social de tocar el bajo.

Así que mi equipo, tal y como está en este momento, es bastante básico, es muy pesado en los bajos, todo lo que te golpea en el pecho, es lo que estamos tratando de lograr. Así que es esto, con el bajo enrollado a cerca de tres cuartas partes hacia arriba, los medios se redujo a un poco por debajo de la mitad y los agudos se ajustó un poco.

Es bastante difícil explicar por qué siempre he utilizado esta cabeza y Orange como marca. Creo que muchos de los sonidos que estoy tratando de conseguir son bastante como difusos y conducidos y cosas así. Lo que esto te da es una gran base para construir tus efectos sobre ella. Siempre se corta, tiene una base muy suave sobre la que se colocan los efectos.

Es un gran honor para los músicos ver a Jimmy Page ahí arriba, desde Jimmy Page hasta Laurie de Slaves, así que tengo a mis dos mayores inspiraciones en el mundo. Es una cosa muy británica, y creo que estoy orgulloso de ello, es como una marca básica, la gente reconoce ese símbolo en todas partes. Crecer y ver el equipo de otras personas y otras cosas, compartir una lista y ser reconocido por la empresa es un verdadero honor para mí.

“Las cabinasOrange son pesadas… madera densa, buen sonido profundo, buena proyección, quita la cara a la gente de la primera fila, ¡eso es lo que necesitamos!”

 

Orange se puso al día con el cantante y guitarrista de HARK, Jimbob, recién bajado del escenario en el Underworld de Camden, donde la banda actuaba en el Desertfest 2017. Hablamos de la primera vez que tocó Orange a mediados de los 90, después de haber crecido viendo viejos carteles de conciertos de los 70 con el famoso logo Orange, y de cómo esto le ha llevado a convertirse en Embajador Orange. El equipo de doble amplificador de Jimbob está centrado en sus cajas Orange PPC412, que, según explica, le proporcionan un “buen sonido profundo” y “¡se llevan la cara de las primeras filas!”.

HARK, un grupo de cuatro miembros de Swansea, ha publicado su último álbum, “Machinations”, y actuará en festivales durante el verano, incluido Arctangent.

 

El grupo húngaro Tankcsapda no sólo es una de las bandas de heavy metal más populares que han salido de ese país en varios años, sino que es una de las bandas húngaras más populares, y punto. El año pasado, cuando publicaron todo su catálogo de discos (14 álbumes en total), mantuvieron los 14 primeros puestos en las listas de ventas de discos de Hungría durante dos semanas seguidas.

Has leído bien. Tuvieron los 14 mejores álbumes durante dos semanas seguidas. ¡ALBUMES enteros!

Este entusiasmo por Tankcsapda se traslada a sus directos. Tocan para grandes audiencias.

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Este no es un público de festival. Esta es su audiencia nocturna habitual

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Gabor Sidlovics, guitarrista de la banda y embajadorOrange, potencia estos lugares con sus múltiples amplificadores y cabinas Orange. Aquí hay una foto de su equipo durante la gira “ROCKMAFIA” de 2013 de la banda. Utiliza (2) cabezales Thunderverb 200.

 

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Entre bastidores, y como equipo B para los espectáculos en directo en caso de fallos extremos de los amplificadores, utiliza una configuración reducida que consiste en un Jim Root #4 Terror.

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Además de ser súper populares, y de escribir francamente canciones increíbles, la banda también tiene su propia cerveza en una colaboración con Soproni Brewing. Soproni es básicamente Heineken de Hungría. Para que quede claro, tienen una colaboración cervecera con una de las mayores empresas cerveceras del mundo, no sólo de Hungría. Aquí está la etiqueta.

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Puede que hayas notado algo en la camisa que lleva el cantante. Así es, amigos. Llevaba la camiseta de Orange Crest. ¡Estamos en una maldita etiqueta de cerveza!

Quizá te preguntes por qué estamos tan entusiasmados con los logros de esta banda. Bueno, en primer lugar, son embajadores de Orange, así que está claro que tenemos un interés personal. Pero lo más importante es que Tankcsapda es una gran banda. Mezclan esta especie de estilo de himno del viejo mundo con el rock y el metal modernos. Echa un vistazo a todos los vídeos que ha hecho la banda aquí y te harás una idea de cómo han evolucionado en los últimos 25 años.

Que lo disfrutes.