Nos reunimos con Truls Mörck, bajista de Graveyard, a la salida de una iglesia en Noruega (¿por qué no?) en el festival Høstsabbat del año pasado, y aquí está el resultado. En estos momentos nos estamos preparando para el Desertfest London de este año, en el que serán cabezas de cartel el viernes en Electric Ballroom. ¿Nos veremos allí? Entradas aquí.

Hemos hablado con el embajador de Orange , Ross Dolan, de Electric Citizen , para saber más sobre la banda, sus primeras influencias como guitarrista y su amor por Orange.

“One of the biggest things that you learn from 50-odd years of experience,” begins Cliff Cooper, founder and CEO of Orange Amps, “is the ability to listen to something and just say no to a sound—and to keep saying no until you can truthfully say yes.” Although that seems, on the face of it, like a fairly simple requirement, Cooper, who started Orange Amps in 1968 with modest means and an exacting personality, is only too aware of the pratfalls of such pickiness: “But the problem with saying no to a sound or a product is that it costs time and money”, he explains. “Each time, you’ve got to work out why you’re saying no, and go back to the drawing board to fix it—and that’s the difficult part.”

That iterative loop—of listening and tweaking, pouring over schematics and components, then listening again, each time getting slightly closer to that resounding “yes”—has been a pattern played out throughout Orange’s history, and is perhaps the cornerstone of its success, with musicians returning again and again for the past five decades, knowing they’re going to get a piece of equipment that sounds perfect and is built to last.

Today, however, for the first time in the company’s history, Cooper is explaining that development process not in the context of a new guitar amp or effects pedal, but of a product built for both musicians and non-musicians alike: a premium Bluetooth wireless speaker called the Orange Box, which is also an Orange first—specifically, the first consumer-facing product designed entirely in house by Orange’s engineering wizards, from the ground up.

Since the initial blueprints were drawn up back in 2017, Cooper and the team have said “no” to a lot of Orange Box sounds. Now, however, they’ve given it a yes, and the Orange Box is available from tomorrow, starting a new chapter in the history of Orange Amps. Accordingly, this is a story of how over half a century of guitar-amp expertise can be adapted to something more universal; a story of trial, error, patience and success; and a story of what Cooper describes as one of the most important products Orange has ever made.

The new Orange Box: the premium Bluetooth speaker was designed 100% in-house, and is manufactured in the same factory as its guitar-amp cousins

“When we had the first prototype back for testing,” recalls Cooper of the early days of Orange Box development, “it just wasn’t better than anything else. It was fine—good, even—but it just didn’t stand out, and one of the things Orange has always been proud of is that anything we do has to be better than what’s already out there.

“So that’s why it took so long,” he continues, with a wry smile, knowing not only how six years stretches out in the world of research and development, but also knowing now that the Orange Box really does stand out. And it was clearly time well spent: listening to that initial prototype—then nicknamed the Juicebox—at Orange’s development laboratory is simultaneously a revelatory and lacklustre experience, with all three test songs of various genres selected for this article to put the unit through its paces sounding tepid and distant. Only Madonna’s ‘Hung Up’ has the faintest flicker of life (Bowie’s ‘Modern Love’ and Led Zep’s ‘Black Dog’ are pale imitations of their true selves), but the reality is that this particular Juicebox contained a far-too-diluted, watery recipe.

The second and third versions fared slightly better. For these, the R&D team experimented with weight-saving neodymium speakers and a more lozenge-shaped form-factor, and as a result, all three songs started to resemble their imperious selves. There was still something off, though—a sort of drab fizziness, like day-old soda water, with strangely scooped mids and muffled bass.

Thankfully, the fix was at hand: “After several prototypes,” explains Cooper, “we decided that the only way to improve the sound was to use active electronic crossovers, which other companies weren’t doing.”

The active crossover in a unit like the Orange Box splits the incoming audio signal in two based on frequency range, with the different signals being sent to different amplifiers specific to those ranges, and then on to appropriate speakers custom-tuned to those frequencies. An active crossover has the advantage of perfectly matching the respective specialist amplifiers and speakers, making sure all parts of the path work together holistically, and each part of the sound is dealt with by the most appropriate equipment. An active crossover also prevents loss of information in the splitting process, meaning that all the audio in your favourite records is retained, all the way to the speakers’ cones.

Getting that split-point right, however, is always the key, and this is where the expertise that Orange technical director Adrian Emsley, amp-design genius and brains behind virtually every Orange product for the past 25 years, shone through: “Frank and I changed the crossover so that just the amp dealing with the bottom end was Class D,” explains Emsley of his work on the Orange Box, alongside colleague and Cambridge academic Frank Cooke of JPF Amplification. “Then, the two amps dealing with the midrange and treble, on the left and right, were Class AB, which ends up much more musical in the area it needs to be.”

And musicality is exactly the watchword here. Listening again to those same songs on the first Orange Box prototype to implement such a crossover is a lightbulb moment, like a jump from black and white to colour: suddenly, Bowie’s vocals carry genuine anguish and Jimmy Page’s guitar a tangible bite. The arpeggiating synths on ‘Hung Up’, too, sound almost three-dimensional.

“Unlike a different guitar amp company’s wireless speaker, which is only stereo above around 3 or 4 kHz,” continues Emsley, referring to a frequency range in the very highest octave of a concert piano, “our version is stereo above 300 Hz [the middle of the piano], which works especially well with AC/DC-style guitar music, where Angus is on the left and Malcolm is on the right.

“Those other wireless speakers all sound pretty bad with AC/DC,” adds Emsley, ever the rock purist, “which I think is a very poor result.”

Rogue’s gallery: an assortment of Orange Box prototypes, each of which made progress towards the sound that got the “yes”

“The other thing, of course,” continues Cooper, “is that we use a wooden box. We could have used a plastic cabinet, to make it a bit more cost-effective, but it just sounded dreadful. Putting the speakers inside a wooden cabinet sounds much better, and we spent a lot of time making sure that the actual wood resonates correctly given the internal volume. If the cabinet resonates at the wrong frequencies, it just doesn’t sound right, you know.”

This level of perfectionism is evident upon examining the works-in-progress: each rejected test model had a different shape and heft, some including holes covered with rubber plugs, others with curved sides. Myriad porting options were clearly investigated, auditioned and tweaked. Every possibility was covered, it appears, before landing on the finished design. Then, finally, Emsley hit on the idea of making the crossover itself interact with its surroundings: “I put a hole in the active crossover at the frequency of the enclosure,” he reveals. “This ‘de-boxed’ the box, if you like, and gave the whole thing a more balanced frequency response.”

The result? Genuinely a sonically startling piece of kit, delivering the sort of audio quality you’d normally hear from speakers five times the size and price. All three test songs now leapt from the speakers, but not in the obnoxious, attention-grabbing way that has become the hallmark of a lot of more artless Bluetooth speakers, all booming bass and fool’s-gold glittery highs. Instead, the rasp of the sax lines on ‘Modern Love’ became almost tangible, and the undulations and throbs on ‘Hung Up’ were subtle and seductive, just as you’d imagine the producers of those records intended. ‘Black Dog’ growled with all the the verve and thrust as the first time you heard it.

In short, it made you want to play these songs again and again, and this repeat playability—that potential for long-term listening—has become an obsession of Cooper’s over the years: “One thing we kept an ear out for when testing was controlling for ‘listening fatigue’, which is when you listen through a product for a long time, and after a while it just doesn’t sound nice,” he explains. Any music lover will recognise the condition, and although exact causes of listener fatigue are still being explored, the latest research suggests that imperceptible sonic artefacts arising from non-musical aspects of a song’s reproduction, such as compression or artificial spatialisation, can cause listeners to lose interest.

“It’s difficult to design an amplifier or a speaker to control for listening fatigue specifically, because there are so many factors to take into account,” confesses Cooper, “but with the Orange Box you really can play it for ages—I have done!—and it doesn’t grate on your ears to the point where you think, I need to turn that thing off.”

A level of product testing this meticulous and drawn out, coupled with a love of making something that’s built to last, feels a long way from other bigger manufacturers’ approaches, which so often involves buying an off-the-shelf design from a Chinese third party, slapping their badge on it and releasing it without a second thought. But Cooper wouldn’t have it any other way: “It’s important that anything we bring out is fully researched by us and at the top of its range, and I think everybody in the company accepts that—Adrian in particular is fussy about everything!” he laughs of his colleague for nearly half of Orange’s entire existence. “It not only has to be really good, but it has to be bulletproof, and everything has to be built to last in terms of the components.”

The Orange Box’s control panel features and all-analogue EQ and an innovative warning light to show when the speakers are being driven too hard

Indeed, product longevity is another characteristic that Cooper and the team have carried from guitar-amp manufacturing over to the Orange Box: in a Bluetooth speaker marketplace saturated with disposable gadgets destined for landfill before the end of the summer festival season, Cooper was insistent that the Orange Box had to have premium staying power. That means the rechargeable battery had to be replaceable, and all components be made available for replacement well into the next decade, therefore also ensuring that the box was as green as it was Orange.

On top of that, the Orange Box comes with a unique audio-safety feature designed to lengthen the lifespan of the product: a tiny circuit between the crossover and the amps continuously monitors the volume of the signal going in, prompting a small LED to light up whenever the speakers are being driven too hard and potentially harming them. “It’s there to tell you when you should back off the volume so you don’t damage it, sure,” acknowledges Cooper, “but it’s also there to improve sound quality, to help you listen without any distortion, which in turn lessens listener fatigue.”

This audio-limiter light is a simple innovation that will keep the Orange Box in its prime for years, but it’s also a dead giveaway of a product designed not with the bottom line in mind, but with a genuine and enduring love for music, and for building innovative tools for spreading that love. After all, no one would ask for such an attentive add-on, but plenty will be grateful once it’s there.

It’s a feeling that sums up Cooper’s attitude, too: “Within the company,” he explains, “there’s an old-fashioned need to do things properly that’s run for 50 years, and if we can put it over to consumers that when they buy something with the Orange brand on it, it’s going to sound good, then that’s an achievement, and I think the Orange Box can do exactly that.

“After all, we don’t have any shareholders or venture capitalists to answer to,” he continues, proudly. “I’m the only shareholder! so any money that we earn goes straight back into developing new products—and I love doing that.”

It’s an approach that’s stood Cooper, and Orange Amps, in excellent stead since the 1960s, with countless iconic guitar amps—and world-famous fans—to show for it. As the company branches out into the middle of the 21st century, and to music connoisseurs, players and non-players alike, it’s also an approach, you sense, that will future-proof it too. 

Wishbone Ash, embajadores de Orange desde hace mucho tiempo, están celebrando el 50º aniversario de su icónico álbum Argus de 1972, y se embarcan en una gira de cinco semanas por el Reino Unido para apoyarlo, seguida de una gira por la UE y fechas en Estados Unidos a principios del próximo año. La lista completa de espectáculos puede consultarse aquí. Para celebrar el aniversario, hablamos con el líder y guitarrista Andy Powell sobre el álbum que cambió la carrera de la banda para siempre.

¿Qué puede decirnos sobre la grabación de Argus y el impacto que tuvo el álbum en la carrera de la banda?

La grabación de Argus fue emocionante porque pasamos de 8 a 16 pistas. Esto nos permitió hacer un doble seguimiento de las líneas de guitarra y de las voces arregladas, por lo que se destacan tan bien. En aquella época no había pedales de efectos; los efectos de reverberación se conseguían con un eco de placa y afinábamos las guitarras de oído con un diapasón. Recuerdo bien el lanzamiento, ya que los fans y la crítica lo abrazaron. Rolling Stone describió Argus como un álbum “esencialmente excelente” y Sounds lo coronó como “Álbum del Año”. Hay que tener en cuenta que nuestra competencia eran álbumes como Machine Head de Deep Purple y Thick as a Brick de Jethro Tull. Todos estábamos muy orgullosos del reconocimiento en aquel momento… y todavía hoy. Cambió por completo la carrera de la banda. Nos llevó a la gran liga, ya que empezamos a encabezar nuestras propias giras en el Reino Unido. Antes de eso, habíamos sido teloneros de grupos como Rory Gallagher’s Taste o Mott the Hoople. Luego fuimos a Estados Unidos y conseguimos el puesto de telonero de los Who en la gira. El primer espectáculo fue ante 35.000 personas en el Mississippi River Festival. Me sorprendió el sistema de sonido, la cantidad de gente, el escenario al aire libre que incluso tenía su propio aire acondicionado para los artistas. Aprendimos mucho de las giras de cerca con esa banda. También fue entonces cuando empezamos a enviar nuestra línea de fondo Orange a Estados Unidos. El equipo de Orange siempre impresionaba a los técnicos de sonido por su potencia y claridad en los grandes escenarios, y gran parte del sonido de las guitarras procedía de nuestro backline Orange. En un momento dado, utilicé dos cabezales Orange de 200 vatios en las exposiciones.

¿Qué opina del álbum cinco décadas después?

Es el regalo que sigue dando, la joya de la corona de nuestro catálogo. Hemos hecho grandes discos, pero este fue el álbum perfecto en el momento perfecto de la historia del rock, y esa es la diferencia. Los álbumes son algo así. Pueden capturar los tiempos que una banda está viviendo, y para nosotros, Argus era exactamente este tipo de álbum. Los riffs, intros y outros del álbum se han convertido en algo intemporal. Canciones como The King Will Come, Warrior y Blowin’ Free siguen siendo recibidas con tanto cariño, 50 años después. Todavía hoy disfruto tocando mi canción Leaf and Stream, así como la canción antibélica Throw Down the Sword, uno de mis mejores momentos como solista en el álbum. Sometime World es otra canción con un solo mío del que estoy muy orgulloso. No teníamos ni idea de que el sonido arreglado de las guitarras solistas gemelas que desarrollamos se convertiría en la inspiración de tantas otras bandas de rock y metal, como Thin Lizzy, Iron Maiden y Opeth. Scott Gorham, de Thin Lizzy, me contó que cuando Thin Lizzy se trasladó a Londres y vio a Wishbone Ash en el Lyceum, el bajista Phil Lynott dijo después que Wishbone tenía el sonido que ellos necesitaban. El bajista de Iron Maiden, Steve Harris, llegó a comentar a Guitar World en 2011: “Creo que si alguien quiere entender lo primero de Maiden, en particular las guitarras armónicas, lo único que tiene que hacer es escuchar el álbum Argus de Wishbone Ash.”

Estoy de acuerdo, es realmente el regalo que sigue dando y realmente ha resistido la prueba del tiempo. ¿Qué se siente al poder compartirlo con las nuevas generaciones y ver una variedad tan grande de edades en sus espectáculos?

Me encanta cuando miro al público y veo a madres y padres con sus hijos en los espectáculos. Esto no habría sido así en su día, por supuesto, cuando un 80% de nuestro público eran jóvenes, pero ahora demuestra que nuestra música puede resistir el paso del tiempo y ser universalmente atractiva, y, por supuesto, a muchas chicas les gusta tocar rock hoy en día. Me encanta eso. Ver y escuchar a estas multitudes unirse al entusiasta coro de Warrior me confirma que nuestra música puede encender la imaginación de las nuevas generaciones de fans. Recientemente, jóvenes veteranos heridos se han acercado a mí después de los espectáculos y me han contado cómo Warrior les mantuvo concentrados durante su lucha. Eso es muy humilde, y reafirma el poder de la música y las letras. “A slave I couldn’t be”, sobre todo, resuena con la lucha en Ucrania y puedo apostar, sin ninguna duda, habiendo tocado allí unas cuantas veces, que todavía hay jóvenes guerreros actuales que acuden a esta pieza musical para fortalecerse.

Juan Francisco Ayala, también conocido como Paco Ayala, es un músico mexicano conocido por ser el bajista y vocalista del grupo de rock mexicano Molotov.

En esta entrevista con Danny Gómez y Ed Navarro de Legato Sales, nuestro distribuidor en Latinoamérica, Paco nos habla de su carrera, de los años de la pandemia y de sus planes para la banda. También nos cuenta cómo encontró su sonido con los amplificadores Orange y detalla su equipo.

Estén atentos a un vídeo de la plataforma muy pronto con Paco.

Trío de la Santa Muerte por Rene Dominguez / @renphotogs

¡Hola John! ¿Qué puede decirnos sobre su banda Holy Death Trio?
Holy Death Trio es una fuerza creativa de heavy rock de alta energía formada en Austin Texas en 2019. Somos una fusión de todo lo que mola y sienta bien al alma. Nos enorgullecemos de investigar y desarrollar la industria musical actual y de conocer la historia de nuestra música, desde Liszt y Mozart hasta la Motown y los Beatles, pasando por los años 60, 70 y 80, y por qué el hair metal estaba destinado a fracasar y Seattle iba a provocar una revolución sin paliativos. Nos encanta hablar de historia de la música, así que, si estás leyendo esto, ¡debate con nosotros!

Lanzó su álbum de debut Introducing durante la pandemia, ¿puede hablarnos un poco de él?
Dicen que tienes toda la vida para grabar tu primer disco y solo un año para grabar el segundo, y este disco parecía tener toda una vida de música, con canciones que escribí en 2013. Eso, mezclado con cosas de la vida por las que estábamos pasando, como luchar contra el ego y lidiar con los detractores. Este álbum fue un trabajo de amor y locura. Estábamos decididos a ser diferentes pero fieles a nosotros mismos, no queríamos ser otro grupo de versiones de Sleep.

Dicho esto, conocimos a un tipo realmente impresionante y auténtico llamado Charles Godfrey (Scary American), que trabajó en los legendarios estudios Sonic Ranch durante 10 años y grabó algunos álbumes increíbles, además de tener un álbum número uno en el Billboard que él mismo diseñó y produjo. ¿Cuántas bandas pueden decir que han grabado con alguien que ha hecho un álbum número uno?

Teníamos la receta del éxito: una banda con talento, un productor con talento y la voluntad de hacer un gran álbum. Estábamos decididos a lanzarlo nosotros mismos financiando nuestras propias campañas de prensa, y al hacerlo, atrajimos a Blasko (Ozzy Osbourne, Rob Zombie, Danzig, etc.) a la fiesta. Nos ayudó a conseguir un contrato discográfico con Ripple Music. y así es como surgió Introducing.

Trío de la Santa Muerte por Levi Guzman / @dreamthorp.

¿Cómo acabaste firmando con Ripple music y cómo ha sido trabajar con ellos?
Nos descubrió un buen amigo nuestro llamado Bucky Brown. Vio un vídeo en el que tocábamos una versión en directo de nuestro éxito de blues pesado The Killer y se lo envió a Todd Severin de Ripple Music, pero éramos reacios a firmar con un sello. Nadie será dueño de nuestra música. Eso es lo que siempre he dicho, pero por suerte Ripple no se dedica a joder a los músicos.

Jugamos al teléfono durante un mes o más, y sabíamos que Ripple encajaría muy bien, así que finalmente el universo permitió la llamada telefónica perfecta con Todd y la banda en la víspera de año nuevo de 2020, justo después de que termináramos de grabar todo el álbum. Insistió en que al menos habláramos con Blasko, y si seguíamos sin sentirnos cómodos firmando, dijo que no nos preocupáramos y que siempre estaría ahí para apoyarnos.

Pero Blasko nos dio un trato increíble y nos aseguró que seríamos dueños del 100% de nuestra música y que iría más allá para asegurarse de que la presentación del álbum (arte, diseño de la portada, formatos) estaba todo cuidado.

Ahora que el mundo se abre de nuevo, ¿qué se siente al volver a salir a la carretera?
Es una maldición y una bendición. Ser una banda en el mundo del stoner rock underground no siempre tiene sus grandes recompensas. Intentamos tocar en cualquier lugar que podamos, pero con los precios de la gasolina por las nubes, no es una decisión comercial viable estar en la carretera. Incluso los conciertos de 1000 dólares pueden consumir más de 500 dólares en gasolina.

Elegimos nuestras batallas, por supuesto, y hemos decidido apostar por Austin, Texas, no hay necesidad de ir a ningún otro lugar a menos que sea para las fechas del festival. Admitámoslo, la gente ya no va a los espectáculos locales, así que es mejor encontrarlos en el medio, en un lugar donde ya están, como… el Desertfest NYC.

Todavía tenemos que anunciar algunos grandes, y si quieres que toquemos el tuyo, envíanos un mensaje a [email protected]

Vas a tocar en el Desertfest NYC en mayo. ¿Qué piensa y qué espera de ello? ¿Conocía la edición británica del festival?
Hace tiempo que soy un gran fan del Desertfest. Mi objetivo siempre ha sido hacer una gira por Europa y participar en el Desertfest, pero tocar en el Desertfest aquí en Estados Unidos es un honor. Tendrá el mismo bombo y platillo que la primera edición de Psycho Las Vegas, con la diferencia de que se celebrará en la antigua capital mundial del rock’n’roll, Nueva York-Effin’-City. ¡Va a ser uno para los libros de récords!

¿Qué pueden esperar los asistentes al festival de un espectáculo de HDT?
Obtendrás la experiencia del rock pesado. Adoración del amplificador a toda máquina y con mucha energía. Rock’n’roll puro y duro. Puedes esperar ver a tres tipos malos en el escenario dándolo todo, tocando como si el mundo se fuera a acabar al día siguiente. ¡Sangre, sudor, lágrimas y fuego!

Si alguna vez te has preguntado cómo es un espectáculo de Holy Death Trio, sólo tienes que ver nuestro vídeo de White Betty:

¿Cuál es tu configuración actual de Orange?
Actualmente uso el Rockerverb 100 MKIII y un Dual Dark 50 con dos PPC 4×12 todo en Negro. O vas a lo grande o te vas a casa.

¿Cómo sería la plataforma Orange de sus sueños?
Tengo el equipo naranja de mis sueños con el Rockerverb 100. Es todo lo que necesito en un amplificador, pero si pudiera tener una pila completa envuelta en Purple a ambos lados del escenario, podría llorar un poco.

La colorida historia de Orange Amplification se celebra en tres nuevos vídeos en los que aparecen el legendario ingeniero de sonido del front of house Colin Norfield, el renombrado ingeniero de sonido John ‘JJ’ James y el respetado diseñador de armarios Mick Dines.

En los años 70, Orange Amplification creó Orange Hire para proporcionar la megafonía y el backline de los grandes festivales al aire libre, como Reading y la Isla de White. Bajista Colin Norfield era el hombre perfecto para dirigir esta empresa. De ahí pasó a convertirse en uno de los especialistas en audio profesional más emblemáticos de nuestro tiempo. La lista de prestigiosas giras en las que ha trabajado incluye a Diana Ross, Toto, Iron Maiden, Pink Floyd, Zucchero y su relación con David Gilmour ha durado más de cinco décadas.

Un manitas autodidacta y rompedor de reglas, John “JJ” James fue responsable del diseño de la mayoría de los productos de la empresa hasta 1979, incluido el innovador amplificador “Pics Only”, sinónimo de la marca. Cuando la fábrica de Bexley Heath cerró en 1979, James empezó a trabajar con Brain Hatt, ingeniero jefe de los estudios Orange, antes de pasar más de cuarenta años “a la izquierda del escenario” para conciertos de talla mundial como Eric Clapton, Queen + Adam Lambert, Joe Satriani, Robbie Williams y muchos más.

Mick Dines trabajó con Orange Amplification desde 1968 hasta la actualidad y fue el Director General de Orange Amplification durante los años 70. Aprovechó su experiencia como bajista de gira para hacer que los gabinetes de la empresa fueran sólidos y robustos. También introdujo el característico frente ‘Basketweave’, el material que ayudó a definir el distintivo tono ‘Orange ‘. El conocimiento de Dines sobre el bajo fue decisivo para que la empresa se introdujera en el mercado de los amplificadores de bajo con la introducción del legendario gabinete reflector de 2×15″, que utiliza el diseño de parábola más moderno con dos enormes altavoces de 15″ espalda con espalda para maximizar el volumen.

Los vídeos, entretenidos e informativos, exploran una época en la que estos expertos en su campo eran ‘sólo haciendo cosas’ que ‘nadie había pensado’ y ‘Para ver el vídeo de Colin Norfield, vaya a, el vídeo de John ‘JJ’ James y el vídeo de Mick Dines Para saber más sobre la historia de Orange Amplification, visite

Kryptograf de Olav Vikingstad.

En honor a su último álbum “The Eldorardo Spell”, hablamos con el guitarrista de Kryptograf, Vegard Bachmann Strand, sobre la grabación y el trabajo con Iver Sandøy (Enslaved) y Gaahl (Gaahls Wyrd, antes de Gorgoroth), sus primeras influencias como guitarrista y, por supuesto, su elección de Orange.

Kryptograf, ¿podemos conocer los antecedentes de la banda?
Hemos estado tocando juntos en diferentes bandas desde 2016. Nos conocimos cuando íbamos a la misma escuela en Trondheim. Supongo que todo empezó cuando Odd y yo nos hicimos compañeros de piso en 2015 y empezamos a hacer música juntos. Decidimos comenzar Kryptograf en 2019 porque queríamos un nuevo comienzo después de tocar durante años en una banda diferente con la misma formación más un cantante. Queríamos una banda con una dirección clara en la que pudiéramos profundizar realmente en el material proto-doom.

Kryptograf acaba de lanzar su segundo álbum, “The Eldorado Spell”, ¿qué puede decirnos sobre él?
Cuando empezamos a escribir nuestro nuevo álbum no queríamos hacer el mismo disco dos veces. Mientras que nuestro primer álbum estaba bastante centrado en la era más primitiva del rock duro y psicodélico de finales de los 60, “The Eldorado Spell” da un giro a las cosas. Este álbum tiene más bien un aire de heavy metal de mediados de los 70, ya que contiene más elementos progresivos y giros melódicos. También hay algo de inspiración en grupos de folk rock de los 60 como Pentangle y Fairport Convention. El álbum fue grabado en directo, mezclado y masterizado en el estudio Solslottet por nuestro productor Iver Sandøy en 2021. También hizo nuestro primer álbum y nos gusta mucho trabajar con él. También hay algunas apariciones de invitados en este álbum. Algunas voces hechas por Kristian Eivind Espedal (Gaahl) y algunas trompetas por Ørjan Hammer Volvik.

¿Cómo conseguisteis que Gaahl participara en el disco y cómo fue trabajar con él? Obviamente, es un músico muy destacado no sólo en la escena musical noruega, sino en la comunidad del black metal a escala mundial.
La participación de Gaahl en el disco fue en realidad una idea espontánea que tuvimos cuando estábamos en el estudio grabando las voces. Necesitábamos una voz oscura y aterradora para algunas palabras habladas en el tema principal. Nuestro productor Iver Sandøy ha trabajado mucho con Gaahl y lo conoce bien. De repente, Iver nos envió el máster terminado de El hechizo de Eldorado y ¡ahí estaba! Recuerdo que sentí escalofríos cuando la escuché por primera vez. Desgraciadamente, no tuve la oportunidad de estar allí cuando ocurrió, pero estoy muy agradecido de que haya querido unirse.

Habéis publicado los dos álbumes en Apollon Records, con sede en Bergen, ¿cómo acabasteis con ellos?
Empezamos a trabajar con Apollon cuando publicamos nuestro primer álbum. Parecían personas muy honestas y geniales. Hicieron un gran trabajo con nuestro primer álbum y queríamos seguir trabajando juntos en este.

El tema inicial, “Asphodel”, es una sorpresa bastante progresiva en comparación con su trabajo anterior, ¿fue un cambio de dirección intencionado o simplemente el resultado de sus improvisaciones y su escritura?
Creo que esto es sólo el resultado de que nos juntamos en nuestra sala de ensayo. No nos gusta pensar mucho cuando escribimos nuestras canciones, las cosas simplemente suceden. Nos gustaba mucho el ambiente folclórico de la última parte y decidimos trabajar un poco en ello añadiendo algunas guitarras acústicas y demás.

Vuestro álbum de debut, que lleva el mismo nombre, se publicó justo al comienzo de la pandemia, y no habéis tenido muchas oportunidades de tocar esas canciones en directo. Para este, has sido tocando espectáculos de aforo completo y sin restricciones. ¿Cómo ha sido poder volver a ¿eso?
Ha sido increíble. Acabamos de terminar una gira por Noruega, con dos conciertos en Oslo y Kristiansand en los que se agotaron las entradas, y también tocaremos en el festival Sonic Whip de Holanda en mayo, lo que será muy interesante.

¿Qué artistas dirías que han jugado un papel importante como inspiración cuando eras joven? ¿Hubo algún músico o guitarrista en particular que ¿le inspiró a coger la guitarra, o tal vez una determinada canción?
Creo que debo decir que Black Sabbath fue la mayor inspiración para mí. Recuerdo que mi madre me llevó a verlos en vivo en Bergen cuando era niño en 2005. Estaba completamente alucinada. Me encantaba todo tipo de música rock de los 70 mientras crecía, pero mis guitarristas favoritos debían ser Tony Iommi, Angus Young y Ritchie Blackmore.

Eres un tipo de Orange, ¿recuerdas tu primer encuentro con nuestros amplificadores, ya sea viéndolos tocar en directo o en un vídeo, o tocándolos tú mismo?
Creo que la primera vez que descubrí los amplificadores Orange fue cuando vi a Black Sabbath usándolos en un programa de televisión de 1970. Supongo que es un poco irónico ya que Tony era normalmente un jugador de Laney, ¡pero esos amplificadores naranjas se veían y sonaban tan bien! También recuerdo haber visto a Matt Pike usando sus gigantescos muros de amplificadores naranjas y me gustó mucho su sonido.

¿Cuál es tu equipo actual y cómo acabaste con él?
Mi equipo actual es un Orange OR50 y un gabinete PPC212. ¡Me encanta ese equipo!

Si pudieras añadir cualquier amplificador Orange a tu equipo, ¿cuáles serían y por qué?
Me encantaría tener algunos amplificadores Orange vintage. Por ejemplo, uno de esos viejos amplificadores de sólo imágenes o un OR80. También me encanta el sonido de un Rockerverb. Realmente versátil y grandes amplificadores.

Consulta la sesión de Kryptograf 2021 Orange Jams a continuación:

Recientemente ha publicado su último álbum, “Defy”, ¿qué puede decirnos de él?
Este álbum es todo energía en vivo. Después de lanzar dos singles, nos embarcamos en una gira multinacional en la que realmente volvimos a conectar con los fans y con la energía que nuestro material anterior aportaba al directo. Grabamos con Howard Benson en su estudio de Woodland Hills, California. En el estudio, utilicé mis bajos PRS y una variedad de pedales y amplificadores diferentes.

¿Hubo alguien en particular que le hizo entrar en la música a una edad temprana?
Al crecer en Vacaville, ver tocar a Papa Roach y ascender al estrellato internacional me inspiró definitivamente a seguir la música como vehículo para ver el mundo más allá de mi ciudad. A partir de ahí, escuchaba cualquier cosa rápida, fuerte, pesada o emotiva. Cualquier combinación de ellas era perfecta para mi gusto.

¿Cuál es su historia y experiencia con Orange? ¿Recuerda la primera vez que vio uno de nuestros amplificadores?
Recuerdo haber visto tantos grupos que utilizaban amplificadores de guitarra Orange a principios de los años 2000. Un aspecto y un sonido únicos en comparación con los JCM, los Mesa y los 5150 de la época. Luego, el guitarrista de mi banda local de entonces utilizó un Orange cuando estábamos en el estudio grabando una maqueta y ¡simplemente sonaba increíble! Ojalá pudiera recordar el modelo, no puedo asegurarlo pero quiero decir que era un Rockerverb…

¿Cuál es su configuración actual? Mencionas tener un amplificador de práctica Bass Crush 50, ¿cómo es tu experiencia con eso, y¿hay algún otro amplificador que te gustaría probar?
estoyusando un pequeño TC Electronic RH750, pero me encantaría usar el Bass Terror, o el Four Stroke en vivo. Tengo el Crush Bass 50 para practicar y suena increíble, lo que despertó mi interés por seguir probando el Orange. También me gustaría probar la serie OB1, pero el Bass Terror y el Four Stroke han sido muy recomendados.

Todas las Navidades organizamos un concurso llamado “Deseo concedido”, en el que regalamos miles de libras en equipos a los fans Orange de todo el mundo.
¡Oh, hombre! Definitivamente, ¡un bajo terrorífico y una cabina pequeña, y un cabezal de cuatro tiempos! ¡Sería de oro!

Hola, me llamo Will, soy el bajista de Puppy, estoy aquí en el Desertfest 2018.

Cuando empecé a tocar el bajo, era guitarrista, probablemente como la mayoría de los bajistas. Yo era guitarrista y nadie quería coger el bajo, así que me dije que lo haría yo. Ha sido un viaje tratando de encontrar la combinación correcta de un buen rukus, una especie de extremo inferior retumbante pero algo que pueda distinguir la melodía. No quiero sólo sub, algo que realmente pique, eso es lo que busco.

Siempre admiré a los bajistas que realmente destacaban, me encanta Cliff Burton, me encantaba la forma en que tocaba el bajo como una guitarra. Ese enfoque no es sólo la sección rítmica y un montón de tres piezas fueron siempre mis bajistas favoritos porque tenían un tercio del trabajo para llevar. No puedes ser un bajista alhelí en un trío. Al de Sleep, para mí una gran influencia, yo también toco una Rickenbacker, Cliff y Al son mis dos bajistas favoritos de todos los tiempos.

Mi interés por Orange surgió de muy joven, antes de que formara parte de ninguna banda, me encantaba Oasis cuando era un niño. Recuerdo haberlos visto jugar y tenían una línea de fondo totalmente Orange, obviamente eran enormes. Black Sabbath también en alguna actuación alemana recuerdo haber visto que tenían un backline todo Orange y pensé que era lo más chulo que había visto. Luego me enteré un poco más de la historia de la empresa y conseguí el libro de Orange, estuve leyendo sobre la tienda que tenían en Carnaby Street. Me pareció que todo el asunto era genial. El viejo logotipo, el árbol que crece fuera del mundo, la voz del mundo Pensé que sería un gran tatuaje, así que me lo hice allí. Eso es todo hombre, soy un poco fiel a la marca y estaba súper emocionado de que me pidieran usar su equipo. Lo usaría de todos modos, ¡tienen un fan de por vida en mí!

El primer stack fue un Orange, AD200, dos 4×10 y estaba super orgulloso de tenerlo en el escenario. Tocábamos en los locales más pequeños y nunca iba a ningún sitio sin una pila completa. Incluso si eso significaba apilarlo en un taxi y cabrear a un taxista. Es una sensación increíble que me pidan que utilice su equipo, ya que me pasé mucho tiempo babeando por su equipo y mirando fotos de músicos que adoraba. Prince y Al de Sleep, toda esta gente que pensé que era súper genial, usando su equipo. Obviamente, quería ser como ellos, por eso usaba el equipo en primer lugar. Así que se siente muy bien ser realmente un embajador de la marca, se siente increíble.