Nos reunimos con Truls Mörck, bajista de Graveyard, a la salida de una iglesia en Noruega (¿por qué no?) en el festival Høstsabbat del año pasado, y aquí está el resultado. En estos momentos nos estamos preparando para el Desertfest London de este año, en el que serán cabezas de cartel el viernes en Electric Ballroom. ¿Nos veremos allí? Entradas aquí.

“One of the biggest things that you learn from 50-odd years of experience,” begins Cliff Cooper, founder and CEO of Orange Amps, “is the ability to listen to something and just say no to a sound—and to keep saying no until you can truthfully say yes.” Although that seems, on the face of it, like a fairly simple requirement, Cooper, who started Orange Amps in 1968 with modest means and an exacting personality, is only too aware of the pratfalls of such pickiness: “But the problem with saying no to a sound or a product is that it costs time and money”, he explains. “Each time, you’ve got to work out why you’re saying no, and go back to the drawing board to fix it—and that’s the difficult part.”

That iterative loop—of listening and tweaking, pouring over schematics and components, then listening again, each time getting slightly closer to that resounding “yes”—has been a pattern played out throughout Orange’s history, and is perhaps the cornerstone of its success, with musicians returning again and again for the past five decades, knowing they’re going to get a piece of equipment that sounds perfect and is built to last.

Today, however, for the first time in the company’s history, Cooper is explaining that development process not in the context of a new guitar amp or effects pedal, but of a product built for both musicians and non-musicians alike: a premium Bluetooth wireless speaker called the Orange Box, which is also an Orange first—specifically, the first consumer-facing product designed entirely in house by Orange’s engineering wizards, from the ground up.

Since the initial blueprints were drawn up back in 2017, Cooper and the team have said “no” to a lot of Orange Box sounds. Now, however, they’ve given it a yes, and the Orange Box is available from tomorrow, starting a new chapter in the history of Orange Amps. Accordingly, this is a story of how over half a century of guitar-amp expertise can be adapted to something more universal; a story of trial, error, patience and success; and a story of what Cooper describes as one of the most important products Orange has ever made.

The new Orange Box: the premium Bluetooth speaker was designed 100% in-house, and is manufactured in the same factory as its guitar-amp cousins

“When we had the first prototype back for testing,” recalls Cooper of the early days of Orange Box development, “it just wasn’t better than anything else. It was fine—good, even—but it just didn’t stand out, and one of the things Orange has always been proud of is that anything we do has to be better than what’s already out there.

“So that’s why it took so long,” he continues, with a wry smile, knowing not only how six years stretches out in the world of research and development, but also knowing now that the Orange Box really does stand out. And it was clearly time well spent: listening to that initial prototype—then nicknamed the Juicebox—at Orange’s development laboratory is simultaneously a revelatory and lacklustre experience, with all three test songs of various genres selected for this article to put the unit through its paces sounding tepid and distant. Only Madonna’s ‘Hung Up’ has the faintest flicker of life (Bowie’s ‘Modern Love’ and Led Zep’s ‘Black Dog’ are pale imitations of their true selves), but the reality is that this particular Juicebox contained a far-too-diluted, watery recipe.

The second and third versions fared slightly better. For these, the R&D team experimented with weight-saving neodymium speakers and a more lozenge-shaped form-factor, and as a result, all three songs started to resemble their imperious selves. There was still something off, though—a sort of drab fizziness, like day-old soda water, with strangely scooped mids and muffled bass.

Thankfully, the fix was at hand: “After several prototypes,” explains Cooper, “we decided that the only way to improve the sound was to use active electronic crossovers, which other companies weren’t doing.”

The active crossover in a unit like the Orange Box splits the incoming audio signal in two based on frequency range, with the different signals being sent to different amplifiers specific to those ranges, and then on to appropriate speakers custom-tuned to those frequencies. An active crossover has the advantage of perfectly matching the respective specialist amplifiers and speakers, making sure all parts of the path work together holistically, and each part of the sound is dealt with by the most appropriate equipment. An active crossover also prevents loss of information in the splitting process, meaning that all the audio in your favourite records is retained, all the way to the speakers’ cones.

Getting that split-point right, however, is always the key, and this is where the expertise that Orange technical director Adrian Emsley, amp-design genius and brains behind virtually every Orange product for the past 25 years, shone through: “Frank and I changed the crossover so that just the amp dealing with the bottom end was Class D,” explains Emsley of his work on the Orange Box, alongside colleague and Cambridge academic Frank Cooke of JPF Amplification. “Then, the two amps dealing with the midrange and treble, on the left and right, were Class AB, which ends up much more musical in the area it needs to be.”

And musicality is exactly the watchword here. Listening again to those same songs on the first Orange Box prototype to implement such a crossover is a lightbulb moment, like a jump from black and white to colour: suddenly, Bowie’s vocals carry genuine anguish and Jimmy Page’s guitar a tangible bite. The arpeggiating synths on ‘Hung Up’, too, sound almost three-dimensional.

“Unlike a different guitar amp company’s wireless speaker, which is only stereo above around 3 or 4 kHz,” continues Emsley, referring to a frequency range in the very highest octave of a concert piano, “our version is stereo above 300 Hz [the middle of the piano], which works especially well with AC/DC-style guitar music, where Angus is on the left and Malcolm is on the right.

“Those other wireless speakers all sound pretty bad with AC/DC,” adds Emsley, ever the rock purist, “which I think is a very poor result.”

Rogue’s gallery: an assortment of Orange Box prototypes, each of which made progress towards the sound that got the “yes”

“The other thing, of course,” continues Cooper, “is that we use a wooden box. We could have used a plastic cabinet, to make it a bit more cost-effective, but it just sounded dreadful. Putting the speakers inside a wooden cabinet sounds much better, and we spent a lot of time making sure that the actual wood resonates correctly given the internal volume. If the cabinet resonates at the wrong frequencies, it just doesn’t sound right, you know.”

This level of perfectionism is evident upon examining the works-in-progress: each rejected test model had a different shape and heft, some including holes covered with rubber plugs, others with curved sides. Myriad porting options were clearly investigated, auditioned and tweaked. Every possibility was covered, it appears, before landing on the finished design. Then, finally, Emsley hit on the idea of making the crossover itself interact with its surroundings: “I put a hole in the active crossover at the frequency of the enclosure,” he reveals. “This ‘de-boxed’ the box, if you like, and gave the whole thing a more balanced frequency response.”

The result? Genuinely a sonically startling piece of kit, delivering the sort of audio quality you’d normally hear from speakers five times the size and price. All three test songs now leapt from the speakers, but not in the obnoxious, attention-grabbing way that has become the hallmark of a lot of more artless Bluetooth speakers, all booming bass and fool’s-gold glittery highs. Instead, the rasp of the sax lines on ‘Modern Love’ became almost tangible, and the undulations and throbs on ‘Hung Up’ were subtle and seductive, just as you’d imagine the producers of those records intended. ‘Black Dog’ growled with all the the verve and thrust as the first time you heard it.

In short, it made you want to play these songs again and again, and this repeat playability—that potential for long-term listening—has become an obsession of Cooper’s over the years: “One thing we kept an ear out for when testing was controlling for ‘listening fatigue’, which is when you listen through a product for a long time, and after a while it just doesn’t sound nice,” he explains. Any music lover will recognise the condition, and although exact causes of listener fatigue are still being explored, the latest research suggests that imperceptible sonic artefacts arising from non-musical aspects of a song’s reproduction, such as compression or artificial spatialisation, can cause listeners to lose interest.

“It’s difficult to design an amplifier or a speaker to control for listening fatigue specifically, because there are so many factors to take into account,” confesses Cooper, “but with the Orange Box you really can play it for ages—I have done!—and it doesn’t grate on your ears to the point where you think, I need to turn that thing off.”

A level of product testing this meticulous and drawn out, coupled with a love of making something that’s built to last, feels a long way from other bigger manufacturers’ approaches, which so often involves buying an off-the-shelf design from a Chinese third party, slapping their badge on it and releasing it without a second thought. But Cooper wouldn’t have it any other way: “It’s important that anything we bring out is fully researched by us and at the top of its range, and I think everybody in the company accepts that—Adrian in particular is fussy about everything!” he laughs of his colleague for nearly half of Orange’s entire existence. “It not only has to be really good, but it has to be bulletproof, and everything has to be built to last in terms of the components.”

The Orange Box’s control panel features and all-analogue EQ and an innovative warning light to show when the speakers are being driven too hard

Indeed, product longevity is another characteristic that Cooper and the team have carried from guitar-amp manufacturing over to the Orange Box: in a Bluetooth speaker marketplace saturated with disposable gadgets destined for landfill before the end of the summer festival season, Cooper was insistent that the Orange Box had to have premium staying power. That means the rechargeable battery had to be replaceable, and all components be made available for replacement well into the next decade, therefore also ensuring that the box was as green as it was Orange.

On top of that, the Orange Box comes with a unique audio-safety feature designed to lengthen the lifespan of the product: a tiny circuit between the crossover and the amps continuously monitors the volume of the signal going in, prompting a small LED to light up whenever the speakers are being driven too hard and potentially harming them. “It’s there to tell you when you should back off the volume so you don’t damage it, sure,” acknowledges Cooper, “but it’s also there to improve sound quality, to help you listen without any distortion, which in turn lessens listener fatigue.”

This audio-limiter light is a simple innovation that will keep the Orange Box in its prime for years, but it’s also a dead giveaway of a product designed not with the bottom line in mind, but with a genuine and enduring love for music, and for building innovative tools for spreading that love. After all, no one would ask for such an attentive add-on, but plenty will be grateful once it’s there.

It’s a feeling that sums up Cooper’s attitude, too: “Within the company,” he explains, “there’s an old-fashioned need to do things properly that’s run for 50 years, and if we can put it over to consumers that when they buy something with the Orange brand on it, it’s going to sound good, then that’s an achievement, and I think the Orange Box can do exactly that.

“After all, we don’t have any shareholders or venture capitalists to answer to,” he continues, proudly. “I’m the only shareholder! so any money that we earn goes straight back into developing new products—and I love doing that.”

It’s an approach that’s stood Cooper, and Orange Amps, in excellent stead since the 1960s, with countless iconic guitar amps—and world-famous fans—to show for it. As the company branches out into the middle of the 21st century, and to music connoisseurs, players and non-players alike, it’s also an approach, you sense, that will future-proof it too. 

Nombre: Trine Grimm

Profesión y lugar de trabajo: Artista del tatuaje en Lucky 7 de Oslo, y artista

¿Qué edad tenías cuando empezaste a tatuar?
Acababa de cumplir 19 años cuando me mudé a Oslo para empezar a tatuar, pero el interés por el arte surgió mucho antes.

Como mujer de éxito en un sector dominado por los hombres, ¿se ha enfrentado alguna vez a algún reto, ha sufrido acoso o ha tenido algún otro problema por motivos de género?
Este es un tema difícil de abordar, pero como cualquier otra ocupación dominada por los hombres, habrá que luchar por ser mujer. Yo era muy joven cuando entré en escena, y a menudo tenías que probarte a ti mismo sólo por eso. Me insultaban todo el tiempo mis compañeros de trabajo, mis jefes e incluso los clientes. Creo que lo más difícil fue confiar en la gente a la que admirabas. Siempre tuve miedo de hablar, porque entonces era una escena muy pequeña. La situación ha cambiado mucho en los últimos 15 años, y es agradable ver a todas las mujeres con talento que están entrando en escena y arrasando. Dicho esto, aún a día de hoy hay clientes que me preguntan si está el jefe o cuánto tiempo llevo tatuando. Estoy bastante seguro de que nunca le harían la misma pregunta a un hombre de 33 años. Nunca fui una chica muy femenina, no me malinterpretes, me encanta disfrazarme y todo eso, pero mis principales aficiones eran la música metal, el snowboard y el monopatín. Salía con los chicos y formaba parte de la escena, pero supongo que les costaba tratarme de igual a igual. No sé cuántas veces me han llamado groupie, algo que sigue ocurriendo hoy en día por el mero hecho de estar cerca de la escena musical.

Además de tatuar, también has hecho carteles para conciertos, obras de arte, DJ, etc. ¿Qué tipo de música te gusta?
Tatuar ocupa la mayor parte de mi tiempo, simplemente porque me encanta. Excepto el snowboard, ha sido lo único constante en mi vida durante mucho tiempo, y aunque he intentado tatuarme menos para hacer otros proyectos, sigo volviendo a él a tiempo completo. También me encargo de pequeños proyectos para grupos, sobre todo carteles de conciertos, diseños de camisetas y carteles de festivales. Me lleva mucho tiempo, pero es algo que quiero hacer más porque llevo la música en el corazón. No hay nada mejor que ver tu obra de arte en un grupo que te encanta escuchar. Crecí con la música clásica gracias a mi abuela, que era pianista. Mi madre me aficionó al rock, como Led Zeppelin y Jimi Hendrix, pero como era un niño de la costa oeste de Noruega, no tardé mucho en meterme con mi mejor amigo en la escena del black metal. Ahora mis gustos musicales son muy variados, desde el jazz hasta el metal extremo, pero los riffs pesados son un tema principal en mi lista de reproducción. Ser DJ es divertido, pero tiene que ser para un evento especial. Tocar música en un bar sólo para que la gente compre una cerveza ya no es lo mío. Prefiero escuchar mis vinilos en casa. Jaja… Pero es divertido, y probablemente algún día cambie de opinión y lo vuelva a hacer.

¿Diría que su gusto musical inspira su arte?
La música es mi principal inspiración artística, creo que el arte y la música van de la mano. Me encanta escuchar música y dibujar durante horas. También escucho música todo el día mientras tatúo. Mi cabeza está demasiado ocupada sin ella. Supongo que es una forma de meditación. La mayoría de mis cuadros de astronautas los hice cuando Sleep salió con Las Ciencias en 2018, supongo que el tema encaja. Jaja…

Cuando le preguntamos a Trine sobre esta entrevista, nos pidió si podía crear algún fan art para acompañarla y nos envió el increíble diseño que aparece a continuación, que nos dejó completamente boquiabiertos:

¿En qué se inspira el increíble dibujo Orange que ha hecho?
Si te gusta la música heavy desde hace tiempo, nada supera la clásica visión de un amplificador naranja. Con mis amigos bromeaba diciendo que si íbamos a ver grupos nuevos, sabíamos que eran buenos si había un Orange en el escenario. Me inspiré en el logotipo clásico porque me gustaba mucho la historia que había detrás. El naranjo como rama, los cuernos inspirados en Pan. El aparejo de la perdición en la parte trasera es más o menos lo que me parece a mí cuando pienso en ello. A veces simplemente dibujo lo que me viene a la mente, normalmente nunca tiene sentido, pero la mayor parte de la música y el arte que me gustan están inspirados en el área psicodélica de los años 60 y 70. Supongo que eso fue lo que inspiró ésta.

¿Cuál ha sido el punto culminante de su carrera?
Es una pregunta difícil. Gracias a mi trabajo conozco a mucha gente increíble. Conocer a Lemmy, pasar el rato con él y hablar de tatuajes es sin duda uno de los recuerdos más divertidos, pero si tengo que mencionar algo que me afecte directamente supongo que vender uno de mis cuadros de astronautas a un ingeniero de la NASA fue un gran momento culminante. Siempre he sido un empollón en lo que se refiere a la ciencia, y de niño quería ser astrofísico. Supongo que al menos ahora tengo algún tipo de conexión con la NASA.

¿Qué le diría Trine de 2023 a Trine de 2013?
Tuve mi primera exposición de arte en solitario en 2013, estaba muy asustada y no tenía ni idea de lo que estaba haciendo. Supongo que le habría dicho que será más fácil y que dentro de 10 años seguirás amando lo que haces. Porque algunos días son duros y te levantas y no tienes ni idea de por qué elegiste un trabajo del que nunca puedes tomarte un respiro.

¿Qué artista/canción repites actualmente?
He estado muy nostálgico últimamente, así que Pentagram (EE.UU.) está en repeat. Pero mi lista de reproducción de sólo 60s y 70s están en bucle en el estudio todos los días. Los clásicos nunca fallan.

Para celebrar el Día Internacional de la Mujer y el Mes de la Mujer, hemos hablado con un par de profesionales femeninas del sector para que nos cuenten cómo se labraron una carrera en un sector predominantemente masculino. La primera es la periodista musical y escritora Liz Scarlett.

Nombre: Liz Scarlett.
Profesión y lugar de trabajo: Redactor (periodista musical) en Future Publishing con Louder, casa de Classic Rock, Metal Hammer y Prog Magazine.
¿Cuánto tiempo lleva en su puesto actual? Algo más de dos años.

¿Qué puede decirnos del viaje que le ha llevado hasta donde está hoy?
Así que estudié periodismo musical en la universidad, carrera que en realidad no era mi primera opción. Yo no sabía que existían estos cursos. Iba a hacer inglés, simplemente porque se me daba bien y no estaba segura de lo que quería estudiar, pero entonces, durante mi entrevista en la universidad, acabé hablando con el profesor de mis grupos favoritos todo el tiempo y de mi amor por el periodismo. Entonces me dijeron que existía un curso de este tipo y listo, un par de años de formación y me gradué como asistente de marketing en una escuela de música, donde revisaba el trabajo de los estudiantes, ayudaba en un montón de proyectos creativos y dirigía mi propio blog de música.
Entonces, durante la pandemia, Future Publishing buscaba becarios. Había olvidado por completo que la empresa era la cuna de Louder y de las revistas con las que crecí, así que presenté mi candidatura por capricho, ya que me habían despedido de mi anterior trabajo. Después de pasar por el proceso de entrevistas, me di cuenta de que había solicitado accidentalmente el puesto de mis sueños: trabajar para Metal Hammer y Classic Rock, lo cual es un poco espeluznante… y una auténtica locura. Manifestación y todo eso. Después de estudiar para obtener un diploma NCTJ con Future para ayudarme en mi papel de redactora de noticias en prácticas (y de pasar muchas horas estudiando derecho de los medios de comunicación), conseguí quedarme trabajando para Louder como redactora a tiempo completo. Aunque sigo ocupándome sobre todo de las noticias, también hago reportajes y entrevistas, tanto para Internet como para la prensa.

Siendo mujer en un sector dominado por los hombres, ¿se ha enfrentado alguna vez a algún reto, ha sufrido acoso, ha sentido la necesidad de trabajar más para demostrar su valía, etc.? ¿Cómo vivió el sector cuando empezó?
En mi trabajo actual, en absoluto. Mi equipo es muy consciente de estos problemas y me presta un gran apoyo. Sin embargo, en anteriores lugares de trabajo (sin dar nombres), muy
mucho. Descubrí que los colegas masculinos se sentían realmente intimidados por ti si compartías aptitudes similares. Me trataron con condescendencia y me insultaron MUCHO, y me sentí como en un
competencia en la que simplemente no quería estar, todo por ser mujer. A veces las cosas se ponían bastante mal y me daba cuenta de que no quería ir a trabajar. Era todo
tanto más irritante al ver lo abrumadoramente respetuosos que eran con otros compañeros, sólo si eran hombres. Esto ha ocurrido en múltiples ocasiones.
En cuanto a dónde estoy ahora, me siento increíblemente apoyada, aunque me doy cuenta de que quizá no tengo tanta confianza en mi trabajo como los hombres del sector. Además, impostor
el síndrome siempre está al acecho. Tampoco confío siempre en mis ideas, algo que tengo que cambiar. Sin embargo, creo que forma parte del crecimiento como mujer,
cuando, por lo general, otras ideas (propuestas por hombres) siempre se han tomado más en serio que las suyas. ¿Su amor por la música y la escritura siempre han ido de la mano?
La verdad es que no. Crecí tocando el bajo, así que para mí la música siempre tuvo que ver con la parte instrumental. Incluso cuando escuchaba canciones mi cerebro
se centran de forma natural en el riff, más que en la letra o en cualquier otro componente. Creo que la faceta de escritor surgió cuando me di cuenta de lo mucho que me gustaba hablar de música y
analizándola, y luego descubrí lo mucho que me gustaba leer autobiografías y conocer la vida de los músicos que me han inspirado. En los últimos
años, mi amor por la música ha abarcado más partes además de la composición, como mi obsesión por el arte y el diseño. La música está presente en casi todas mis actividades.

En lo que respecta al periodismo musical, ¿hubo alguien en particular que le inspirara?
tu escritura? (No dude en recomendar libros, autores, periodistas, etc.)

Cuando se trata de cosas así, mi mente siempre se queda en blanco, pero los documentales musicales siempre me han servido de inspiración. Algunos de mis favoritos son Super
Duper Alice Cooper (todo el diseño visual es también para morirse), así como Such Hawks, Such Hounds, que explora la escena underground del hard rock americano.
desde los años 70 hasta finales de los 2000. También examina las ilustraciones psicodélicas y las portadas de los álbumes. Hace poco, Moonage Daydream, de Brett Morgen, me dejó boquiabierto. Fue muy
como la unión definitiva del arte y el periodismo musical visual, con una banda sonora que resultaba casi abrumadora. Seguramente hay muchos más, pero estos son sin duda algunos de ellos.
algunos de mis favoritos. En cuanto a libros, Zoë Howe, la autora de Stevie Nicks: Visions, Dreams and Rumours, fue una gran inspiración. Además de ser una mujer genial,
y bruja del rock’n’roll confesa, Howe tiene un estilo de escritura maravilloso que es realmente descriptivo, poderoso y simplemente un placer de leer. En cualquiera de sus libros
se nota al instante que es su voz, y ése es el tipo de escritora que admiro. De esos que reconoces enseguida que son obra suya.

¿Cuál ha sido el punto culminante de su carrera?
En realidad, simplemente pasar cada día haciendo lo que me gusta y siendo creativa. Aunque… conocer a Tony Iommi también fue bastante guay jajaja.

¿Qué le diría la Liz de 2023 a la Liz de 2013?

Sigue adelante, las cosas mejoran, no tengas miedo de apuntar alto y si los chicos te parecen raros, es porque vivimos en un patriarcado y todo está jodido – no lo están
mejor que tú. También ver a Fleetwood Mac en concierto porque algún día algunos de los miembros no estarán aquí y será demasiado tarde. (Ya es demasiado tarde).

¿Qué artista/canción repites actualmente?
Actualmente no me canso de Sleep Token. Si no te convence del todo la voz del líder (suena un poco a James Arthur), ve a verlos en concierto.
convertirte. Están rompiendo las reglas del metalcore moderno, y sus riffs te harán caer al suelo. Además, tienen un aspecto espeluznante, lo que siempre es bueno.

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