Nous avons rencontré Truls Mörck, le bassiste de Graveyard, à l’extérieur d’une église en Norvège (parce que pourquoi pas ?) lors du festival Høstsabbat de l’année dernière, et voici le résultat. Nous sommes actuellement en train de nous préparer pour le Desertfest de Londres de cette année, où ils seront en tête d’affiche de l’Electric Ballroom le vendredi. Vous y verrez-vous ? Tickets here.
Nous avons rencontré l’ambassadeur d’Orange , Ross Dolan d’Electric Citizen, pour en savoir plus sur le groupe, ses premières influences en tant que guitariste et son amour pour Orange.
“One of the biggest things that you learn from 50-odd years of experience,” begins Cliff Cooper, founder and CEO of Orange Amps, “is the ability to listen to something and just say no to a sound—and to keep saying no until you can truthfully say yes.” Although that seems, on the face of it, like a fairly simple requirement, Cooper, who started Orange Amps in 1968 with modest means and an exacting personality, is only too aware of the pratfalls of such pickiness: “But the problem with saying no to a sound or a product is that it costs time and money”, he explains. “Each time, you’ve got to work out why you’re saying no, and go back to the drawing board to fix it—and that’s the difficult part.”
That iterative loop—of listening and tweaking, pouring over schematics and components, then listening again, each time getting slightly closer to that resounding “yes”—has been a pattern played out throughout Orange’s history, and is perhaps the cornerstone of its success, with musicians returning again and again for the past five decades, knowing they’re going to get a piece of equipment that sounds perfect and is built to last.
Today, however, for the first time in the company’s history, Cooper is explaining that development process not in the context of a new guitar amp or effects pedal, but of a product built for both musicians and non-musicians alike: a premium Bluetooth wireless speaker called the Orange Box, which is also an Orange first—specifically, the first consumer-facing product designed entirely in house by Orange’s engineering wizards, from the ground up.
Since the initial blueprints were drawn up back in 2017, Cooper and the team have said “no” to a lot of Orange Box sounds. Now, however, they’ve given it a yes, and the Orange Box is available from tomorrow, starting a new chapter in the history of Orange Amps. Accordingly, this is a story of how over half a century of guitar-amp expertise can be adapted to something more universal; a story of trial, error, patience and success; and a story of what Cooper describes as one of the most important products Orange has ever made.
“When we had the first prototype back for testing,” recalls Cooper of the early days of Orange Box development, “it just wasn’t better than anything else. It was fine—good, even—but it just didn’t stand out, and one of the things Orange has always been proud of is that anything we do has to be better than what’s already out there.
“So that’s why it took so long,” he continues, with a wry smile, knowing not only how six years stretches out in the world of research and development, but also knowing now that the Orange Box really does stand out. And it was clearly time well spent: listening to that initial prototype—then nicknamed the Juicebox—at Orange’s development laboratory is simultaneously a revelatory and lacklustre experience, with all three test songs of various genres selected for this article to put the unit through its paces sounding tepid and distant. Only Madonna’s ‘Hung Up’ has the faintest flicker of life (Bowie’s ‘Modern Love’ and Led Zep’s ‘Black Dog’ are pale imitations of their true selves), but the reality is that this particular Juicebox contained a far-too-diluted, watery recipe.
The second and third versions fared slightly better. For these, the R&D team experimented with weight-saving neodymium speakers and a more lozenge-shaped form-factor, and as a result, all three songs started to resemble their imperious selves. There was still something off, though—a sort of drab fizziness, like day-old soda water, with strangely scooped mids and muffled bass.
Thankfully, the fix was at hand: “After several prototypes,” explains Cooper, “we decided that the only way to improve the sound was to use active electronic crossovers, which other companies weren’t doing.”
The active crossover in a unit like the Orange Box splits the incoming audio signal in two based on frequency range, with the different signals being sent to different amplifiers specific to those ranges, and then on to appropriate speakers custom-tuned to those frequencies. An active crossover has the advantage of perfectly matching the respective specialist amplifiers and speakers, making sure all parts of the path work together holistically, and each part of the sound is dealt with by the most appropriate equipment. An active crossover also prevents loss of information in the splitting process, meaning that all the audio in your favourite records is retained, all the way to the speakers’ cones.
Getting that split-point right, however, is always the key, and this is where the expertise that Orange technical director Adrian Emsley, amp-design genius and brains behind virtually every Orange product for the past 25 years, shone through: “Frank and I changed the crossover so that just the amp dealing with the bottom end was Class D,” explains Emsley of his work on the Orange Box, alongside colleague and Cambridge academic Frank Cooke of JPF Amplification. “Then, the two amps dealing with the midrange and treble, on the left and right, were Class AB, which ends up much more musical in the area it needs to be.”
And musicality is exactly the watchword here. Listening again to those same songs on the first Orange Box prototype to implement such a crossover is a lightbulb moment, like a jump from black and white to colour: suddenly, Bowie’s vocals carry genuine anguish and Jimmy Page’s guitar a tangible bite. The arpeggiating synths on ‘Hung Up’, too, sound almost three-dimensional.
“Unlike a different guitar amp company’s wireless speaker, which is only stereo above around 3 or 4 kHz,” continues Emsley, referring to a frequency range in the very highest octave of a concert piano, “our version is stereo above 300 Hz [the middle of the piano], which works especially well with AC/DC-style guitar music, where Angus is on the left and Malcolm is on the right.
“Those other wireless speakers all sound pretty bad with AC/DC,” adds Emsley, ever the rock purist, “which I think is a very poor result.”
“The other thing, of course,” continues Cooper, “is that we use a wooden box. We could have used a plastic cabinet, to make it a bit more cost-effective, but it just sounded dreadful. Putting the speakers inside a wooden cabinet sounds much better, and we spent a lot of time making sure that the actual wood resonates correctly given the internal volume. If the cabinet resonates at the wrong frequencies, it just doesn’t sound right, you know.”
This level of perfectionism is evident upon examining the works-in-progress: each rejected test model had a different shape and heft, some including holes covered with rubber plugs, others with curved sides. Myriad porting options were clearly investigated, auditioned and tweaked. Every possibility was covered, it appears, before landing on the finished design. Then, finally, Emsley hit on the idea of making the crossover itself interact with its surroundings: “I put a hole in the active crossover at the frequency of the enclosure,” he reveals. “This ‘de-boxed’ the box, if you like, and gave the whole thing a more balanced frequency response.”
The result? Genuinely a sonically startling piece of kit, delivering the sort of audio quality you’d normally hear from speakers five times the size and price. All three test songs now leapt from the speakers, but not in the obnoxious, attention-grabbing way that has become the hallmark of a lot of more artless Bluetooth speakers, all booming bass and fool’s-gold glittery highs. Instead, the rasp of the sax lines on ‘Modern Love’ became almost tangible, and the undulations and throbs on ‘Hung Up’ were subtle and seductive, just as you’d imagine the producers of those records intended. ‘Black Dog’ growled with all the the verve and thrust as the first time you heard it.
In short, it made you want to play these songs again and again, and this repeat playability—that potential for long-term listening—has become an obsession of Cooper’s over the years: “One thing we kept an ear out for when testing was controlling for ‘listening fatigue’, which is when you listen through a product for a long time, and after a while it just doesn’t sound nice,” he explains. Any music lover will recognise the condition, and although exact causes of listener fatigue are still being explored, the latest research suggests that imperceptible sonic artefacts arising from non-musical aspects of a song’s reproduction, such as compression or artificial spatialisation, can cause listeners to lose interest.
“It’s difficult to design an amplifier or a speaker to control for listening fatigue specifically, because there are so many factors to take into account,” confesses Cooper, “but with the Orange Box you really can play it for ages—I have done!—and it doesn’t grate on your ears to the point where you think, I need to turn that thing off.”
A level of product testing this meticulous and drawn out, coupled with a love of making something that’s built to last, feels a long way from other bigger manufacturers’ approaches, which so often involves buying an off-the-shelf design from a Chinese third party, slapping their badge on it and releasing it without a second thought. But Cooper wouldn’t have it any other way: “It’s important that anything we bring out is fully researched by us and at the top of its range, and I think everybody in the company accepts that—Adrian in particular is fussy about everything!” he laughs of his colleague for nearly half of Orange’s entire existence. “It not only has to be really good, but it has to be bulletproof, and everything has to be built to last in terms of the components.”
Indeed, product longevity is another characteristic that Cooper and the team have carried from guitar-amp manufacturing over to the Orange Box: in a Bluetooth speaker marketplace saturated with disposable gadgets destined for landfill before the end of the summer festival season, Cooper was insistent that the Orange Box had to have premium staying power. That means the rechargeable battery had to be replaceable, and all components be made available for replacement well into the next decade, therefore also ensuring that the box was as green as it was Orange.
On top of that, the Orange Box comes with a unique audio-safety feature designed to lengthen the lifespan of the product: a tiny circuit between the crossover and the amps continuously monitors the volume of the signal going in, prompting a small LED to light up whenever the speakers are being driven too hard and potentially harming them. “It’s there to tell you when you should back off the volume so you don’t damage it, sure,” acknowledges Cooper, “but it’s also there to improve sound quality, to help you listen without any distortion, which in turn lessens listener fatigue.”
This audio-limiter light is a simple innovation that will keep the Orange Box in its prime for years, but it’s also a dead giveaway of a product designed not with the bottom line in mind, but with a genuine and enduring love for music, and for building innovative tools for spreading that love. After all, no one would ask for such an attentive add-on, but plenty will be grateful once it’s there.
It’s a feeling that sums up Cooper’s attitude, too: “Within the company,” he explains, “there’s an old-fashioned need to do things properly that’s run for 50 years, and if we can put it over to consumers that when they buy something with the Orange brand on it, it’s going to sound good, then that’s an achievement, and I think the Orange Box can do exactly that.
“After all, we don’t have any shareholders or venture capitalists to answer to,” he continues, proudly. “I’m the only shareholder! so any money that we earn goes straight back into developing new products—and I love doing that.”
It’s an approach that’s stood Cooper, and Orange Amps, in excellent stead since the 1960s, with countless iconic guitar amps—and world-famous fans—to show for it. As the company branches out into the middle of the 21st century, and to music connoisseurs, players and non-players alike, it’s also an approach, you sense, that will future-proof it too. ▣
Les ambassadeurs de longue date d’Orange, Wishbone Ash, célèbrent le 50e anniversaire de leur album emblématique de 1972, Argus, et entament demain une tournée de cinq semaines au Royaume-Uni pour le soutenir, suivie d’une escapade en Europe et de dates aux États-Unis au début de l’année prochaine. La liste complète des spectacles est disponible ici. Pour célébrer cet anniversaire, nous nous sommes entretenus avec le leader et guitariste Andy Powell au sujet de l’album qui a changé la carrière du groupe à jamais.
Que pouvez-vous nous dire à propos de l’enregistrement d’Argus, et de l’impact que l’album a eu sur la carrière du groupe ?
L’enregistrement d’Argus était passionnant car nous sommes passés de 8 à 16 pistes. Cela nous a permis d’enregistrer deux fois les lignes de guitare et les voix, ce qui explique pourquoi elles ressortent si bien. À cette époque, il n’y avait pas de pédales d’effets – les effets de réverbération étaient obtenus en utilisant un écho à plaque et nous accordions et intonions nos guitares à l’oreille en utilisant un diapason ! Je me souviens bien de la sortie de l’album, car les fans et les critiques l’ont adopté. Rolling Stone a décrit Argus comme un album “essentiellement excellent” et Sounds l’a couronné “Album de l’année”. N’oubliez pas que nos concurrents étaient des albums comme Machine Head de Deep Purple et Thick as a Brick de Jethro Tull. Nous étions tous si fiers de cette reconnaissance à l’époque… et encore aujourd’hui. Cela a complètement changé la carrière du groupe ! Cela nous a fait entrer dans la cour des grands, car nous avons commencé à être les têtes d’affiche de nos propres tournées au Royaume-Uni. Avant cela, nous avions fait la première partie de groupes comme Taste de Rory Gallagher ou Mott the Hoople. Puis on est allés aux États-Unis, et on a décroché la première partie de la tournée des Who. Le premier spectacle a eu lieu devant 35 000 personnes au Mississippi River Festival. J’ai été époustouflé par le système de sonorisation, le nombre de personnes, la scène extérieure avait même sa propre climatisation pour les artistes. Nous avons beaucoup appris en tournant à proximité de ce groupe. C’est aussi à ce moment-là que nous avons commencé à envoyer notre backline d’Orange aux États-Unis. Le matériel Orange impressionnait toujours les techniciens du son en raison de sa puissance et de sa clarté sur les grandes scènes, et une grande partie du son des guitares provenait de notre backline Orange. À un moment donné, j’utilisais deux têtes Orange de 200 watts lors de spectacles !
Que pensez-vous de cet album cinq décennies plus tard ?
C’est le cadeau qui continue à donner – le joyau de la couronne de notre catalogue. Nous avons fait de grands disques, mais celui-ci était l’album parfait au moment parfait de l’histoire du rock, et c’est ce qui fait la différence. Les albums sont un peu comme ça. Ils peuvent capturer l’époque que vit un groupe, et pour nous, Argus était exactement ce genre d’album. Les riffs, intros et outros de l’album sont devenus intemporels. Des chansons comme The King Will Come, Warrior et Blowin’ Free sont toujours accueillies aussi chaleureusement, 50 ans plus tard. Aujourd’hui encore, j’aime jouer ma chanson Leaf and Stream, ainsi que la chanson anti-guerre Throw Down the Sword, l’un de mes meilleurs moments en tant que soliste sur l’album. Sometime World est une autre chanson avec un de mes solos dont je suis vraiment fier. Nous n’avions aucune idée que le son d’harmonie à deux guitares principales que nous avons développé deviendrait l’inspiration de tant d’autres groupes dans les domaines du rock et du métal, y compris Thin Lizzy, Iron Maiden et Opeth. Scott Gorham de Thin Lizzy m’a raconté que lorsque Thin Lizzy a déménagé à Londres et a vu Wishbone Ash au Lyceum, le bassiste Phil Lynott a dit après coup que Wishbone avait le son dont ils avaient besoin. Le bassiste d’Iron Maiden, Steve Harris, a même fait remarquer à Guitar World en 2011 : ” Je pense que si quelqu’un veut comprendre les débuts de Maiden, en particulier les guitares d’harmonie, il n’a qu’à écouter l’album Argus de Wishbone Ash. “
Je suis d’accord, c’est vraiment le cadeau qui continue à donner et il a vraiment résisté à l’épreuve du temps. Quel effet cela fait-il de pouvoir le partager avec les nouvelles générations, et de voir une telle variété d’âges à vos spectacles ?
J’aime quand je regarde dans la foule et que je vois des mères et des pères avec leurs enfants lors des spectacles. Cela n’aurait pas été le cas à l’époque où 80% de notre public était composé de jeunes hommes, mais aujourd’hui cela montre que notre musique peut résister à l’épreuve du temps et être universellement attrayante, et bien sûr beaucoup de filles aiment jouer du rock de nos jours. J’adore ça. Voir et entendre ces foules se joindre au refrain entraînant de Warrior me confirme que notre musique peut enflammer l’imagination de nouvelles générations de fans. Récemment, de jeunes vétérans blessés sont venus me voir après des spectacles pour me dire que Warrior les avait aidés à rester concentrés pendant leur combat. C’est très humiliant et cela réaffirme le pouvoir de la musique et des paroles. “A slave I couldn’t be”, en particulier, sonne juste avec la lutte en Ukraine et je peux parier, sans l’ombre d’un doute, pour y avoir joué plusieurs fois, qu’il y a encore de jeunes guerriers actuels qui se tournent vers ce morceau de musique pour trouver leur force.
Voici Phil Shouse de la résidence Rock N Roll, Gene. Simmons, et le groupe Ace Frehley.
Que signifie “rock” ? pour vous ?
Cela signifie tout pour moi. C’est mon travail, mon gagne-pain et mon… mode de vie. Le rock n’est rien sans le roulement. Tout le monde peut faire du rock, mais le rouleau est la partie la plus difficile.
Pourquoi Orange fonctionne-t-elle ? pour le rock ?
Les amplisOrange sont mes amplis préférés pour le rock pour plusieurs raisons. Premièrement, ils sont superbes. Deuxièmement, ils sont faits pour ça. Les amplis que j’utilise sont le Custom Shop 50, leAD30et le Tiny Terror. Leur point fort n’est pas d’être super propres, juste assez propres avec quelques poils dessus. Ils prennent bien les pédales. Avec le CS50, vous pouvez le faire tourner à fond, l’utiliser comme un ampli à un canal et utiliser votre bouton de volume avec. C’est le meilleur ampli que j’ai trouvé pour faire ça.
Qu’est-ce que tu aimes ? sur le CS50 en particulier ?
Ce que j’aime particulièrement dans le CS50, c’est qu’il possède 6 boutons. Quand je regarde un ampli et qu’il a 37 boutons sur la face avant, je me dis “Je ne vais pas en utiliser 30”. Vous n’en avez pas vraiment besoin. Lorsque vous savez comment régler correctement un ampli, comme celui-ci avec un seul canal, vous n’avez pas besoin de plus d’un canal, vous n’avez pas besoin de pédales. Vous pouvez utiliser la guitare pour le boosting et les solos, c’est pourquoi je préfère un ampli à un canal à un ampli à deux canaux.
Quels sont les paramètres que vous sur le CS50 ?
Je vais régler le gain assez bas et le volume haut. Le gain agit comme un bouton de volume, j’aime donc mettre le volume à fond, puis déplacer le bouton de gain vers le haut. le gain en fonction des besoins. J’aime normalement la présence après 3 heures. et ensuite mettre l’EQ sur 12 heures. Puisque c’est une armoire Orange, je vais tourner le les basses, puis rajoute un peu plus de médiums et d’aigus. De cette façon, quand mon La guitare est à 5 pour le rythme, et quand je vais la limer, elle aura beaucoup de mordant et… couper à travers le mélange.
Quels groupes avez-vous qui utilisent l’Orange?
Un de mes groupes préférés qui utilise des amplis Orange est SLEEP. Si on doit parler de Matt Pike et du sommeil, je vais avoir besoin de beaucoup plus d’herbe. Pouvez-vous faire en sorte que cela se produise ? D’autres groupes que j’aime et qui utilisent Orange sont Blackberry Smoke et le Raelyn Nelson Band.
*Cette interview a été réalisée par Danny Gomez d’Orange Amps. Une traduction en espagnol est disponible à la fin de cet article.
Quelle est votre histoire ? Comment faites-vous pour arriver là où vous êtes aujourd’hui ?
Je suis né dans une petite ville d’Estrémadure (Plasencia) et j’ai grandi dans la ville voisine (Malpartida de Plasencia). Depuis mon plus jeune âge, je me suis toujours sentie très attirée par la musique et la peinture et, en grandissant, j’ai été davantage portée vers la première. Mais grandir dans les années 80 dans un village ne m’a pas beaucoup aidé… Je n’avais pas les mêmes choses à ma disposition si j’avais grandi à Madrid, par exemple. Alors quand j’ai terminé le lycée, j’ai commencé à travailler pour économiser un peu d’argent et aller à Madrid pour apprendre la musique.
Dans ma ville, je jouais déjà de manière autodidacte, mais je voulais comprendre la musique de manière plus intellectuelle ou mathématique (j’étais convaincu qu’elle ne pouvait pas être une simple inspiration). Et avant, nous n’avions pas la chance d’avoir toutes sortes d’informations à portée de clic, assis dans votre chambre. Je suis donc venu à Madrid et mon professeur (Pedro Noda) m’a enseigné la théorie et la composition et j’ai travaillé la guitare tout seul, en écoutant tout ce qui me plaisait et en analysant les partitions (des choses que je ferai toujours). Au fil du temps, vous rencontrerez des personnes qui vous donneront l’occasion de jouer dans un groupe, une formation, un artiste et de le faire avec respect et amour pour la musique que vous devez jouer (quelle qu’elle soit, tout s’apprend). Et c’est ce que je fais, en continuant à étudier et à apprendre à jouer comme la musique le mérite.
Références et influences. Que peut-on trouver dans votre musique ?
Chaque époque ou âge a des influences, il y en a toujours. Quand j’étais adolescent, c’était le heavy metal et avec le temps, mes goûts se sont adoucis (bien que si j’écoute les groupes ou les guitaristes de l’époque, je m’en souviens avec amour, je ne le nie pas du tout). La découverte du jazz a été magnifique et ce qui identifie le plus ma façon de jouer (je pense) est généralement ce que je joue. Ma plus grande influence a longtemps été le pianiste Keith Jarrett. Mais ce que mon cœur épouse, c’est la musique classique. Il n’y a rien que j’aime plus et mes compositions sont beaucoup plus classiques qu’autre chose.
Grands mythiques, ces instruments, samplers, amplificateurs, effets mythiques.
Même si j’ai de vieilles guitares et de vieux amplis, je ne pense pas que tout ce qui s’est passé était mieux. Le nouveau truc est génial aussi, bien qu’une pédale de Taurus 82 ne serait pas mal à avoir.
Neuf ou d’occasion.
Il est clair que le neuf a ses avantages et comme je l’ai dit avant le neuf est cool, mais il est vrai que dans le monde de la musique, la grande majorité prend bien soin de son matériel et trouve des choses cool d’occasion en très bon état.
Nouvelles technologies, quelle est la meilleure chose que vous ayez essayée dernièrement ?
Le OMEC Teleport OMEC.C’est incroyable ce que l’on peut faire avec ce petit bout et un ordinateur (ou une tablette ou un smartphone).
Un équipement pour vous emmener en voyage ou pour travailler sur la route ?
Le OMEC Teleport OMEC.
Qu’utilisez-vous comme solution de secours au cas où tout échouerait ?
Pour l’instant rien … croisez les doigts … hehehe
Le studio est en train de brûler … instrument / équipement que vous sauveriez ?
Mon PRS Hollowbody II. Ma guitare préférée de loin. Avec le PRS DGT, c’est l’amour dès que l’on pose les mains sur le manche, je ne pouvais pas y croire.
Quelle est votre expérience avec les amplificateurs Orange?
J’ai essayé l’Acoustic PRE récemment.
Premières impressions sur la nouvelle Acoustic PRE
Eh bien, ça a été une agréable surprise. J’ai branché la guitare acoustique et j’ai été époustouflé. Les deux canaux font que la guitare a une vie différente. J’ai adoré le son qu’il apporte et les combinaisons possibles. Une chaîne avec un tube ! ! Le meilleur que j’ai entendu pour l’acoustique. On verra si on peut s’arranger pour l’emmener avec moi en tournée cette année.
Quels sont vos projets pour l’avenir ?
Je joue avec Melendi depuis de nombreuses années et je commence la tournée de cette année en mai en Amérique. À partir de juin, nous ferons une tournée en Espagne jusqu’à la fin de l’année.
En juin, je vais enregistrer un album avec la meilleure chanteuse du monde (pour moi), Verónica Ferreiro(https://youtu.be/YlEV-K3uAfs). Nous avons tous deux un projet avec des thèmes originaux et nous sommes impatients de l’enregistrer et de le montrer au monde.
Nous allons également enregistrer un autre album cette année avec MENIL(https://youtu.be/uDHc2WYLO2U), un groupe de manouche (jazz manouche) que j’ai avec de bons amis, et peut-être d’autres surprises.
Des conseils pour les lecteurs ?
Profitez du temps, aimez la musique et votre instrument. Merci, Danny, pour cet entretien et aux lecteurs d’avoir pris le temps de le lire.
Quelle est votre histoire ? Cómo llegas hasta dónde estás hoy ?
Nací en una pequeña ciudad extremeña (Plasencia) y me crié en el pueblo de al lado (Malpartida de Plasencia). Depuis tout petit, j’aime beaucoup la musique et la peinture, et chaque fois que je me développe, je me décante davantage.
Pero crecer en los ochenta en un pueblo no me ayudaba mucho… no tenía las mismas cosas al alcance que si hubiese crecido en Madrid, por ejemplo. Así que cuando terminé el bachillerato me puse a trabajar para ahorrar algo de dinero e irme a Madrid a aprender música.
En mi pueblo ya tocaba de una forma autodidacta pero quería entender la música de una forma más intelectual o matemática (estaba convencido de que no podía ser inspiración solamente). Avant, nous n’avions pas la possibilité d’avoir toutes les informations à portée de clic dans votre maison.
Total, me vine a Madrid y mi profesor (Pedro Noda) me enseñó teoría y composición y y yo trabaje en la guitarra por mi cuenta, sacando de oído todo lo que me gustaba y analizando partituras (cosas que seguiré haciendo siempre).
Con el tiempo vas conociendo gente que te da una oportunidad para tocar en un grupo, orquesta, artista y lo haces con respeto y cariño por la música que tienes que tocar (la que sea, de todo se aprende). Y en eso estoy, en seguir estudiando y aprendiendo a tocar como se merece la música.
Referencias e influencias. Que pouvons-nous trouver dans ta musique ?
Cada época o edad tiene unas influencias, siempre las hay.
Cuando era adolescente era el heavy metal y con el tiempo se me ha ido suavizando el gusto (aunque si vuelvo a escuchar a mis grupos o guitarristas de entonces lo recuerdo con cariño, no reniego en absoluto de ello).
Descubrir el jazz fue magnífico y con lo que más se identifica mi forma de tocar (creo), habitualmente es lo que toco. Ma plus grande influence pendant longtemps a été le pianiste Keith Jarrett. Pero con lo que casa mi corazón es con la música clásica. No hay nada que más me guste y mis composiciones tienen mucho más de clásico que de otra cosa.
Equipo mítico. Esos instrumentos, samplers, amplificadores, efectos míticos.
Aunque tengo guitarras antiguas y amplis antiguos no soy de pensar que todo lo pasado fue mejor. Lo nuevo está genial también, aunque un Taurus pedal del 82 no estaría mal tener.
Nuevo versus Segunda mano.
Está claro que lo nuevo tiene sus ventajas y como he dicho antes lo nuevo mola, pero bien es cierto que en el mundo de la música, la inmensa mayoría cuida bien su equipo y encuentras cosas geniales de segunda mano en muy buen estado.
Las nuevas tecnologías, qué es lo mejor que has probado últimamente.
El OMEC Teleport.Es alucinante lo que puedes hacer con ese pedalito y un ordenador (o tablet o smartphone).
Equipo para llevarte de viaje o para trabajar en la carretera ?
El OMEC Teleport.
Que utilisez-vous de Backup si tout tombe à l’eau ?
Por ahora nada… crucemos los dedos… jejejeArde el estudio… instrumento/equipo que salvarías ?
Mi PRS Hollowbody II. Mi guitarra preferida con diferencia. Junto con la PRS DGT fue amor nada más poner las manos en el diapasón, no lo podía creer.
Quelle est ton expérience avec Orange Amplifiers ?
J’ai essayé l’Acoustic PRE il y a peu de temps.
Premières impressions sur le nouveau Acoustic PRE
Pues ha sido toda una grata sorpresa. Enchufé la guitarra acústica y flipé en colores. Los dos canales que tiene hace que la guitarra tenga una vida diferente. Me encantó el sonido que aporta y las combinaciones posibles. Un canal avec une válvula ! Lo mejor que he escuchado para acústicas. A ver si se viene conmigo de gira este año.
Cuales son tus planes de futuro ?
Llevo tocando muchos años con Melendi y empiezo la gira de este año el próximo mes de mayo en América. A partir de junio estaremos recorriendo España hasta final de año.
En junio grabaré un disco con la mejor cantante del mundo (para mí), Verónica Ferreiro(https://youtu.be/YlEV-K3uAfs). Tenemos un proyecto los dos con temas originales y estamos deseando grabarlo y enseñarlo al mundo.
También grabaremos este año otro disco con MENIL(https://youtu.be/uDHc2WYLO2U), un grupo de manouche (gypsy jazz) que tengo con unos buenos amigos, y puede que alguna otra sorpresa más.
Conseils pour les lecteurs
Aprovechad el tiempo, amad la música y vuestro instrumento.Gracias, Danny, por la entrevista y a los lectores por dedicar un ratito a leerla.
Je m’appelle Johnny et je joue de la basse dans le groupe “Twilight Sad”.
J’ai cherché un ampli de basse, que j’ai vraiment aimé pendant des années et des années et quand j’ai mis la main sur l’AD200, il y a environ huit ans, c’était la première fois que j’ai entendu un ampli et que j’ai pensé “C’est l’ampli !”.
Pour l’instant, mon installation de basse se compose d’un baffle 2X15, avec deux celestions dedans et l’AD200. En Amérique, j’utilise deux OB1-500, l’un principal et l’autre de secours. Mais je pense expérimenter légèrement en utilisant l’un pour mon son principal et en utilisant l’autre pour activer mes sections de boost.
Quand j’ai vu qu’Orange commençait à faire des pédales, j’adore les pédales ! Je me suis dit qu’il fallait que je les prenne et que je les essaye immédiatement parce que je sais qu’ils vont être construits comme des tanks et qu’ils vont être purs. Il n’y a pas à tergiverser, ils vont faire ce qu’ils sont censés faire. Donc quand j’ai eu le Two Stroke, la Rusty Box est devenue superflue. L’Orange Two Stroke, que je garde tout le temps sur moi, permet d’obtenir un son complet, de tout rendre plus vif et plus brillant.
La première chose que je dirais à tout bassiste, c’est que si vous cherchez un ampli pour basse, allez immédiatement chez Orange! Si vous utilisez quelque chose d’autre en ce moment, débarrassez-vous-en et optez pour Orange, car cela semble incroyable. C’est juste le son classique de la basse, je ne vais plus aller ailleurs maintenant, c’est ce dont j’ai besoin, c’est ce que je veux, c’est solide, ça ne m’a jamais laissé tomber.
Sarah Jane, revenons au début. Qu’est-ce qui a déclenché votre intérêt pour la musique ?
Sarah Jane : Je viens d’un foyer musical où mon père expérimentait avec des haut-parleurs hi-fi faits maison et jouait des groupes comme les Beatles, les Beach Boys, Johnny Cash et Dylan, ainsi que de la musique d’église et de chorale. Ma mère, mon frère et mes sœurs aimaient aussi la musique et s’essayaient à la guitare, au piano et au chant. Quand le lycée est arrivé, mon frère aîné m’a fait découvrir Led Zeppelin, Pink Floyd et The Doors, et c’est à cette époque que j’ai acheté l’un de mes premiers disques, un Hendrix live. Après cela, je voulais juste jouer de la guitare comme lui, il a été une énorme inspiration ! Strawberry Fields a également été une expérience époustouflante lorsque je l’ai entendu pour la première fois.
Quand j’avais environ 18 ans, j’ai commencé à jouer sur la Les Paul de mon frère et je suis resté à la guitare pendant environ trois ans, avant de passer à la basse, principalement parce que je trouvais cela plus amusant à jouer, et comme nous le savons tous, la basse est évidemment la partie la plus importante du son d’un groupe… Après environ un an de pratique, j’ai rejoint mon premier groupe “The Morticians”. Je n’ai jamais pris de leçons formelles car A. je n’avais pas les moyens d’en prendre et B. je préférais développer mon propre style en jouant principalement à l’oreille, en utilisant quelques tablatures et en regardant des vidéos des Who, de Black Sabbath et en jouant avec mon propre groupe. Mon conseil aux débutants serait de jouer ce que vous voulez – toute la beauté du rock ‘n’ roll est qu’il n’y a pas de règles, alors ignorez les idiots qui essaient de vous dire le contraire. Faites ce que vous devez faire pour développer le style et le son qui conviennent à votre propre musique, que ce soit en jouant avec d’autres dans un groupe ou en prenant des leçons et en apprenant des reprises, ce qui vous semble le plus bénéfique.
Vous mentionnez votre premier groupe The Morticias, comment votre groupe actuel Gorilla a-t-il vu le jour ?
Sarah Jane : Lorsque The Morticians se sont séparés vers 1999, Johnny, le guitariste, et moi avons décidé de prendre un autre batteur et de continuer sous le nom de Gorilla, et nous avons continué depuis avec différents batteurs. Nous en sommes actuellement au numéro 15 – ils s’usent ! Notre dernière victime, Ryan, est géniale et nous a donné un nouveau souffle et une nouvelle inspiration. Nous avons toujours voulu jouer de la musique inspirée des groupes que nous aimons nous-mêmes, comme The Who, Black Sabbath, Grand Funk Railroad, Budgie, Blue Cheer, The Beatles, Jethro Tull, Mountain – vous savez, essentiellement du rock lourd des années 60 et 70, qui reste toujours notre principale influence. Au début, nous nous sommes contentés de faire autant de concerts que possible, jusqu’à ce que nous ayons la chance d’être repérés par le bassiste des Melvins, qui nous a présentés à un label punk rock suédois qui a fini par sortir notre premier LP. Nous avons sorti trois albums complets, un split LP et un single, et un autre album est en préparation.
Wow, batteur numéro 15 ! Dans le plus pur esprit de Spinal Tap. Que pouvez-vous nous dire sur le prochain album ?
Sarah Jane : Nous nous dirigeons vers un nouveau studio appelé North Down Sound à Folkestone qui a beaucoup d’équipements analogiques et qui est géré et conçu par un ami appelé Mole, il aime les vieux sons et équipements vintage à valve. Musicalement, vous pouvez vous attendre à un riffage maximal, à un rock ‘n’ roll à haute énergie, à une chevauchée infernale à fond de train, en d’autres termes, au style Gorilla habituel ! Il sortira en juin sur Heavy Psych Sounds, alors gardez un œil sur nos médias sociaux pour les mises à jour et les annonces.
Vous souvenez-vous de votre toute première rencontre avec Orange?
Sarah Jane : J’ai vu du matériel Orange pour la première fois en regardant les vidéos de Beatclub où les amplis Orange avaient l’air et sonnaient super bien, tous les groupes que j’aimais semblaient les utiliser aussi, alors j’ai su que rien d’autre ne ferait l’affaire !
Quelle est votre propre histoire et votre expérience avec Orange?
Sarah Jane : Le premier équipement Orange que j’ai possédé était un Early OR120 câblé (sans fil de bouilloire) que j’ai acheté en 2001 à un ami pour £250. Je ne savais pas comment dater cet ampli, j’ai donc téléphoné à l’usine Orange et j’ai parlé à un type très gentil appelé Jeff, qui avait apparemment travaillé là depuis les premiers jours d’Orange. Après avoir eu l’ampli, j’ai eu besoin d’un baffle pour aller avec, et heureusement mon guitariste de GORILLA, Johnny, avait un 4 x12 “de rechange” qui sonnait incroyablement bien avec. La cabine avait ses haut-parleurs Celestion d’origine et était en fait de 15 ohms ! Le taxi appartenait auparavant au groupe NWOBHM, May West, et le logo a été pulvérisé sur le fond. J’ai fait installer un interrupteur de veille à l’arrière de l’ampli pour préserver les valves car il n’en avait pas.
Le site Le deuxième amplificateur Orange que j’ai acquis m’a été vendu par un ami pour £100 dans le même magasin. année, un modèle graphique de la fin des années 70. Cet ampli ne sonnait pas aussi bien que mes premiers OR120. Jeff m’a dit que cela pouvait être dû au fait qu’ils avaient “laissé tomber le montage”. transformateurs”, qui apparemment n’étaient pas aussi bons que les premiers amplis.
En 2003 Je passais devant mon magasin de musique et j’ai vu dans la vitrine un flash de… couleur orange sous un drapeau Peavey. Je suis entré pour voir ce que c’était et j’ai parlé… au propriétaire, qui sous le drapeau a déterré un Combo Bass Hustler tout neuf. Il m’a expliqué que c’était dans le magasin quand son père l’exploitait dans le… 70s. Le Combo n’était pas à vendre, il était utilisé pour exposer des tambourins et le… Peavey Flag, mais bien sûr, j’ai demandé combien il voulait pour que je le prenne de son… les mains. J’étais ravie mais j’ai essayé de ne pas avoir l’air trop heureuse quand il m’a demandé juste… 50 £ pour ça ! J’appelle ça une bonne affaire !
Maintenant, je… Je possède un nouveau Orange Bass Terror de 300 watts, un excellent ampli pour les concerts, très fort, et je peux vraiment le soulever ! J’ai également utilisé un Crush Bass 100 pour une l’été dernier, et j’en veux un ! J’étais J’ai été surpris de voir à quel point cette combinaison était géniale. différents combos auparavant et je peux honnêtement dire que c’était la meilleure basse moderne combo que j’ai essayé. Je m’attendais à être totalement noyé par le batteur et… l’ampli de guitare mais le Crush a totalement tenu son rang. Pour quelque chose qui est assez petit, j’ai été totalement choqué par le niveau sonore et la qualité de l’enregistrement. son de basse. Je recommanderais totalement cet ampli pour les petits concerts et pratique.
Si vous retirez de votre collection de disques le rock ‘n’ roll évident et les artistes mentionnés ci-dessus, que reste-t-il ?
Sarah Jane : Mes goûts sont en fait très variés et s’étendent du blues des années 40 et de la musique classique au garage des années 60 et au hip hop old school, en particulier le gangster ! Beaucoup de musique psychédélique comme The Pretty Things, Zombies et Quicksilver Messenger Service, ainsi que la plupart des groupes de San Francisco des années 60, les Beach Boys et le folk.
Malgré des femmes comme vous, le rock ‘n’ roll reste un monde d’hommes. Quelle est votre expérience en tant que femme dans un genre aussi dominé par les hommes ?
Sarah Jane : Malheureusement, certains hommes dans l’industrie, dans les magasins de disques et de musique sont encore très intimidés par les musiciennes, et j’ai entendu toutes les remarques stupides et sexistes habituelles telles que “Tu sais vraiment jouer !”, “Tu joues comme un homme !”, ou “Tu es vraiment bonne pour une fille !”, et j’ai aussi dû faire face aux visages surpris des gens lorsque je montrais ma connaissance des guitares, des amplis ou des groupes que j’aime. J’ai également été ignorée par des employés masculins dans des magasins de musique alors qu’ils parlaient à mon partenaire masculin – je trouve juste un peu triste que ces vieux préjugés et attitudes soient toujours là, peut-être ont-ils peur de se faire remarquer par une fille ? Heureusement, ça ne me dérange pas tant que ça, et quand ça me dérange, j’ai aussi la chance de pouvoir dire que j’ai été béni avec une bonne visée et un crochet droit rapide, ne laissez pas les bâtards vous écraser ! Cela dit, la plupart du temps, les gens que je rencontre sont très positifs à mon égard et à l’égard de la musique que je joue.
Mon nom est Michael Karsh, je suis le bassiste du groupe Lawrence.
Une grande partie de notre spectacle est que nous aimons vraiment ce que nous faisons et que nous aimons nous amuser. Mon rôle est juste d’être la partie basse qui peut à la fois complimenter une chanson et l’élever dans un endroit de très haute intensité, dans votre visage funk/soul/jazzy fusion genre de choses.
Actuellement, j’utilise l’amplificateur 4-Stroke de 500 watts et l’OBC410. C’est un véritable monstre et c’est très amusant à jouer. J’essaie d’avoir un son très ancré dans le vieux funk et la soul, un peu comme le son classique de Jamerson et de Motown, mais j’aime aussi avoir un peu plus de tranchant et de punch pour l’amener dans l’ère moderne. J’obtiens tout cela avec le 4 temps et le 410 et j’ai l’impression que je n’ai jamais eu un meilleur son avec lui qu’avec n’importe quel autre appareil et cela me fait probablement jouer un peu mieux parce que je suis simplement plus heureux de la façon dont il sonne.
J’ai certainement vu inconsciemment ces amplisOrange ) tout au long de mon enfance en regardant des vidéos de mes héros jouant dans les années 70. Jimmy Page et Geddy Lee. Le simple fait de voir ces amplificateurs à l’arrière a définitivement marqué mon esprit. En grandissant et en m’intéressant de plus près à l’équipement, je les ai vus apparaître dans de nombreux endroits intéressants tout au long de mon parcours musical. C’était du genre : “Oh, Wolfmother a ce truc que je me souviens que ce type avait”, et “Oh, Ler’s de Primus en a trois intéressants sur scène que je n’avais jamais vus auparavant”. Je les ai vus surgir partout et j’ai toujours pensé qu’ils avaient un look et un son cool.
S’entendre sur scène est, je crois, la bataille tacite du musicien. Mon groupe compte personnellement 8 personnes sur scène et nous nous battons tous pour nous entendre les uns les autres, pour nous entendre nous-mêmes et il y a ce bruit cacophonique qui se produit tout le temps, donc honnêtement l’avantage que le OBC410 m’a donné est simplement la clarté. Je peux le régler si parfaitement que, où que j’aille, je m’entends exactement comme je le veux. Tout est clair comme de l’eau de roche. Le 410 m’offre donc un bon équilibre entre le milieu et le bas de gamme que je n’avais pas vraiment trouvé ailleurs. En utilisant le backline et en empruntant du matériel, en jouant dans des festivals, j’ai joué avec ces énormes piles de deux étages et toutes les variations. Il n’a pas le même toucher et la même clarté que le 410. C’est assez intéressant, je ne sais pas comment ça marche, je ne sais pas comment vous avez fait, mais oui, c’est de loin le plus gros avantage.
Salut. Je suis ici au NAMM et nous lançons l’Orange Valve Preamp. Je suis impliqué dans ce préampli depuis un certain nombre d’années, lorsque j’ai rencontré Dennis Marshall, qui faisait un travail de pionnier sur les préamplis à lampes pour les guitares acoustiques. Nous nous sommes réunis, il m’a montré un de ses préamplis et j’ai commencé à le tester. Chaque fois que je revenais, je disais : “Oui. C’est fantastique.” Partout où j’allais, les ingénieurs du son, que ce soit en concert ou en studio, me disaient : “Wow. Qu’est-ce que c’est ? Ca sonne absolument génial.”
J’ai alors suggéré à Dennis d’avoir un double préampli afin d’avoir un canal à lampes et un canal à semi-conducteurs. La valve pour brancher la guitare et le semi-conducteur pour le microphone également. Il y a eu ensuite l’engagement avec Orange, et c’est passé à un autre niveau – c’était déjà fantastique – c’est passé à un autre niveau encore.
J’ai ensuite commencé à tester sur route le préamplificateur Orange. J’ai été partout dans le monde, en tournée en Amérique, en Extrême-Orient, en Europe et au Royaume-Uni. C’est génial, cela signifie que partout où je vais, j’ai ce son qui est dans ma tête depuis tant d’années. Donc peu importe où je suis ou ce que je branche, j’ai ce son. Le son de mes rêves, vraiment. C’est absolument fantastique.
Je joue de la guitare depuis 1960/1961, j’ai fait des tournées dans le monde entier. Pendant 11 ans, j’ai travaillé avec Stéphane Grappelli, le légendaire violoniste de jazz qui, avec Django Reinhardt, a formé le Hot Club de France. Pendant 11 ans, je me suis donc assis dans le fauteuil de Django et j’ai travaillé avec Stéphane. Puis j’ai commencé à poursuivre une carrière solo, j’ai été nommé aux Grammy Awards, j’ai reçu de nombreux prix de l’industrie musicale, des prix de guitare. J’ai reçu deux doctorats honorifiques et la Reine m’a décerné un MBE en 2002 pour services rendus à la musique. Ce sont tous des petits bonus sympathiques qui sont venus en cours de route. Tout ce que j’ai toujours voulu faire, c’est jouer de la guitare, mais cela signifie que j’ai des choses que je peux mettre sur l’étagère de mon studio, ce qui est très, très agréable aussi.
Je ne peux pas commencer à vous dire à quel point je suis excité par ce préampli, c’est un rêve devenu réalité. Je suis très heureux pour Dennis Marshall, qui est vraiment l’homme qui a eu l’idée de faire ce projet, et nous avons réussi à travailler avec les meilleures personnes du secteur ici chez Orange.
O BONES
