“One of the biggest things that you learn from 50-odd years of experience,” begins Cliff Cooper, founder and CEO of Orange Amps, “is the ability to listen to something and just say no to a sound—and to keep saying no until you can truthfully say yes.” Although that seems, on the face of it, like a fairly simple requirement, Cooper, who started Orange Amps in 1968 with modest means and an exacting personality, is only too aware of the pratfalls of such pickiness: “But the problem with saying no to a sound or a product is that it costs time and money”, he explains. “Each time, you’ve got to work out why you’re saying no, and go back to the drawing board to fix it—and that’s the difficult part.”

That iterative loop—of listening and tweaking, pouring over schematics and components, then listening again, each time getting slightly closer to that resounding “yes”—has been a pattern played out throughout Orange’s history, and is perhaps the cornerstone of its success, with musicians returning again and again for the past five decades, knowing they’re going to get a piece of equipment that sounds perfect and is built to last.

Today, however, for the first time in the company’s history, Cooper is explaining that development process not in the context of a new guitar amp or effects pedal, but of a product built for both musicians and non-musicians alike: a premium Bluetooth wireless speaker called the Orange Box, which is also an Orange first—specifically, the first consumer-facing product designed entirely in house by Orange’s engineering wizards, from the ground up.

Since the initial blueprints were drawn up back in 2017, Cooper and the team have said “no” to a lot of Orange Box sounds. Now, however, they’ve given it a yes, and the Orange Box is available from tomorrow, starting a new chapter in the history of Orange Amps. Accordingly, this is a story of how over half a century of guitar-amp expertise can be adapted to something more universal; a story of trial, error, patience and success; and a story of what Cooper describes as one of the most important products Orange has ever made.

The new Orange Box: the premium Bluetooth speaker was designed 100% in-house, and is manufactured in the same factory as its guitar-amp cousins

“When we had the first prototype back for testing,” recalls Cooper of the early days of Orange Box development, “it just wasn’t better than anything else. It was fine—good, even—but it just didn’t stand out, and one of the things Orange has always been proud of is that anything we do has to be better than what’s already out there.

“So that’s why it took so long,” he continues, with a wry smile, knowing not only how six years stretches out in the world of research and development, but also knowing now that the Orange Box really does stand out. And it was clearly time well spent: listening to that initial prototype—then nicknamed the Juicebox—at Orange’s development laboratory is simultaneously a revelatory and lacklustre experience, with all three test songs of various genres selected for this article to put the unit through its paces sounding tepid and distant. Only Madonna’s ‘Hung Up’ has the faintest flicker of life (Bowie’s ‘Modern Love’ and Led Zep’s ‘Black Dog’ are pale imitations of their true selves), but the reality is that this particular Juicebox contained a far-too-diluted, watery recipe.

The second and third versions fared slightly better. For these, the R&D team experimented with weight-saving neodymium speakers and a more lozenge-shaped form-factor, and as a result, all three songs started to resemble their imperious selves. There was still something off, though—a sort of drab fizziness, like day-old soda water, with strangely scooped mids and muffled bass.

Thankfully, the fix was at hand: “After several prototypes,” explains Cooper, “we decided that the only way to improve the sound was to use active electronic crossovers, which other companies weren’t doing.”

The active crossover in a unit like the Orange Box splits the incoming audio signal in two based on frequency range, with the different signals being sent to different amplifiers specific to those ranges, and then on to appropriate speakers custom-tuned to those frequencies. An active crossover has the advantage of perfectly matching the respective specialist amplifiers and speakers, making sure all parts of the path work together holistically, and each part of the sound is dealt with by the most appropriate equipment. An active crossover also prevents loss of information in the splitting process, meaning that all the audio in your favourite records is retained, all the way to the speakers’ cones.

Getting that split-point right, however, is always the key, and this is where the expertise that Orange technical director Adrian Emsley, amp-design genius and brains behind virtually every Orange product for the past 25 years, shone through: “Frank and I changed the crossover so that just the amp dealing with the bottom end was Class D,” explains Emsley of his work on the Orange Box, alongside colleague and Cambridge academic Frank Cooke of JPF Amplification. “Then, the two amps dealing with the midrange and treble, on the left and right, were Class AB, which ends up much more musical in the area it needs to be.”

And musicality is exactly the watchword here. Listening again to those same songs on the first Orange Box prototype to implement such a crossover is a lightbulb moment, like a jump from black and white to colour: suddenly, Bowie’s vocals carry genuine anguish and Jimmy Page’s guitar a tangible bite. The arpeggiating synths on ‘Hung Up’, too, sound almost three-dimensional.

“Unlike a different guitar amp company’s wireless speaker, which is only stereo above around 3 or 4 kHz,” continues Emsley, referring to a frequency range in the very highest octave of a concert piano, “our version is stereo above 300 Hz [the middle of the piano], which works especially well with AC/DC-style guitar music, where Angus is on the left and Malcolm is on the right.

“Those other wireless speakers all sound pretty bad with AC/DC,” adds Emsley, ever the rock purist, “which I think is a very poor result.”

Rogue’s gallery: an assortment of Orange Box prototypes, each of which made progress towards the sound that got the “yes”

“The other thing, of course,” continues Cooper, “is that we use a wooden box. We could have used a plastic cabinet, to make it a bit more cost-effective, but it just sounded dreadful. Putting the speakers inside a wooden cabinet sounds much better, and we spent a lot of time making sure that the actual wood resonates correctly given the internal volume. If the cabinet resonates at the wrong frequencies, it just doesn’t sound right, you know.”

This level of perfectionism is evident upon examining the works-in-progress: each rejected test model had a different shape and heft, some including holes covered with rubber plugs, others with curved sides. Myriad porting options were clearly investigated, auditioned and tweaked. Every possibility was covered, it appears, before landing on the finished design. Then, finally, Emsley hit on the idea of making the crossover itself interact with its surroundings: “I put a hole in the active crossover at the frequency of the enclosure,” he reveals. “This ‘de-boxed’ the box, if you like, and gave the whole thing a more balanced frequency response.”

The result? Genuinely a sonically startling piece of kit, delivering the sort of audio quality you’d normally hear from speakers five times the size and price. All three test songs now leapt from the speakers, but not in the obnoxious, attention-grabbing way that has become the hallmark of a lot of more artless Bluetooth speakers, all booming bass and fool’s-gold glittery highs. Instead, the rasp of the sax lines on ‘Modern Love’ became almost tangible, and the undulations and throbs on ‘Hung Up’ were subtle and seductive, just as you’d imagine the producers of those records intended. ‘Black Dog’ growled with all the the verve and thrust as the first time you heard it.

In short, it made you want to play these songs again and again, and this repeat playability—that potential for long-term listening—has become an obsession of Cooper’s over the years: “One thing we kept an ear out for when testing was controlling for ‘listening fatigue’, which is when you listen through a product for a long time, and after a while it just doesn’t sound nice,” he explains. Any music lover will recognise the condition, and although exact causes of listener fatigue are still being explored, the latest research suggests that imperceptible sonic artefacts arising from non-musical aspects of a song’s reproduction, such as compression or artificial spatialisation, can cause listeners to lose interest.

“It’s difficult to design an amplifier or a speaker to control for listening fatigue specifically, because there are so many factors to take into account,” confesses Cooper, “but with the Orange Box you really can play it for ages—I have done!—and it doesn’t grate on your ears to the point where you think, I need to turn that thing off.”

A level of product testing this meticulous and drawn out, coupled with a love of making something that’s built to last, feels a long way from other bigger manufacturers’ approaches, which so often involves buying an off-the-shelf design from a Chinese third party, slapping their badge on it and releasing it without a second thought. But Cooper wouldn’t have it any other way: “It’s important that anything we bring out is fully researched by us and at the top of its range, and I think everybody in the company accepts that—Adrian in particular is fussy about everything!” he laughs of his colleague for nearly half of Orange’s entire existence. “It not only has to be really good, but it has to be bulletproof, and everything has to be built to last in terms of the components.”

The Orange Box’s control panel features and all-analogue EQ and an innovative warning light to show when the speakers are being driven too hard

Indeed, product longevity is another characteristic that Cooper and the team have carried from guitar-amp manufacturing over to the Orange Box: in a Bluetooth speaker marketplace saturated with disposable gadgets destined for landfill before the end of the summer festival season, Cooper was insistent that the Orange Box had to have premium staying power. That means the rechargeable battery had to be replaceable, and all components be made available for replacement well into the next decade, therefore also ensuring that the box was as green as it was Orange.

On top of that, the Orange Box comes with a unique audio-safety feature designed to lengthen the lifespan of the product: a tiny circuit between the crossover and the amps continuously monitors the volume of the signal going in, prompting a small LED to light up whenever the speakers are being driven too hard and potentially harming them. “It’s there to tell you when you should back off the volume so you don’t damage it, sure,” acknowledges Cooper, “but it’s also there to improve sound quality, to help you listen without any distortion, which in turn lessens listener fatigue.”

This audio-limiter light is a simple innovation that will keep the Orange Box in its prime for years, but it’s also a dead giveaway of a product designed not with the bottom line in mind, but with a genuine and enduring love for music, and for building innovative tools for spreading that love. After all, no one would ask for such an attentive add-on, but plenty will be grateful once it’s there.

It’s a feeling that sums up Cooper’s attitude, too: “Within the company,” he explains, “there’s an old-fashioned need to do things properly that’s run for 50 years, and if we can put it over to consumers that when they buy something with the Orange brand on it, it’s going to sound good, then that’s an achievement, and I think the Orange Box can do exactly that.

“After all, we don’t have any shareholders or venture capitalists to answer to,” he continues, proudly. “I’m the only shareholder! so any money that we earn goes straight back into developing new products—and I love doing that.”

It’s an approach that’s stood Cooper, and Orange Amps, in excellent stead since the 1960s, with countless iconic guitar amps—and world-famous fans—to show for it. As the company branches out into the middle of the 21st century, and to music connoisseurs, players and non-players alike, it’s also an approach, you sense, that will future-proof it too. 

Nom : Trine Grimm

Profession et lieu de travail : Tatoueur chez Lucky 7 à Oslo, et artiste

Quel âge aviez-vous lorsque vous avez commencé à tatouer ?
Je venais d’avoir 19 ans lorsque j’ai déménagé à Oslo pour commencer à tatouer, mais l’intérêt pour cet art est venu bien avant.

En tant que femme ayant réussi dans un secteur dominé par les hommes, avez-vous déjà été confrontée à des difficultés, à du harcèlement ou à d’autres problèmes liés à votre sexe ?
C’est un sujet difficile à aborder, mais comme pour toutes les autres professions à prédominance masculine, il sera difficile d’être une femme. J’étais très jeune lorsque je suis arrivé sur la scène, et il fallait souvent faire ses preuves pour cette raison. Je me faisais insulter en permanence par mes collègues, mes patrons et même mes clients. Je pense que le plus difficile a été de faire confiance aux personnes que l’on admire. J’ai toujours eu peur de prendre la parole, parce que c’était un milieu très restreint à l’époque. Les choses ont définitivement changé au cours des 15 dernières années, et il est agréable de voir toutes les femmes talentueuses qui arrivent sur la scène et qui font un malheur dans le jeu aujourd’hui. Cela dit, aujourd’hui encore, certains clients me demandent si le patron est là ou depuis combien de temps je tatoue. Je suis presque sûr qu’ils ne poseraient jamais la même question à un homme de 33 ans. Je n’ai jamais été une fille très féminine non plus, ne vous méprenez pas, j’aime m’habiller et tout ça, mais mes principaux centres d’intérêt étaient la musique métal, le snowboard et le skateboard. Je traînais avec les gars et je faisais partie de la scène, mais je pense qu’ils avaient du mal à me traiter sur un pied d’égalité. Je ne sais pas combien de fois on m’a traitée de groupie, ce qui arrive encore aujourd’hui, simplement parce que je suis dans le milieu de la musique.

Outre le tatouage, tu as également réalisé des affiches de concerts, des œuvres d’art, des DJs, etc.
Le tatouage occupe la majeure partie de mon temps, tout simplement parce que je l’aime. À l’exception du snowboard, c’est la seule chose constante dans ma vie depuis si longtemps, et même si j’ai essayé de tatouer moins pour faire d’autres projets, je reviens toujours à plein temps. Je réalise également de petits projets pour des groupes, principalement des affiches de concerts, des designs de chemises et des affiches de festivals. Cela prend du temps, mais c’est quelque chose que je veux absolument faire plus souvent parce que la musique est si proche de mon cœur. Il n’y a rien de mieux que de voir son œuvre sur un groupe que l’on aime écouter. J’ai grandi avec la musique classique grâce à ma grand-mère qui était pianiste. Ma mère m’a fait aimer le rock comme Led Zeppelin et Jimi Hendrix, mais en tant qu’enfant de la côte ouest de la Norvège, il n’a pas fallu longtemps avant que moi et mon meilleur ami n’entrions dans la scène du black metal. Mes goûts musicaux sont aujourd’hui très variés, allant du jazz au métal extrême, mais les riffs lourds occupent une place prépondérante dans ma liste de lecture. Faire le DJ est amusant, mais il faut que ce soit pour un événement spécial. Jouer de la musique dans un bar dans le seul but d’inciter les gens à acheter une bière, ce n’est vraiment plus mon truc. Je préfère écouter mes vinyles à la maison. Haha… Mais c’est amusant, et je changerai probablement d’avis un jour et recommencerai.

Diriez-vous que vos goûts musicaux inspirent votre art ?
La musique est ma principale source d’inspiration, je pense que l’art et la musique vont de pair. J’aime écouter de la musique et dessiner pendant des heures. J’écoute aussi de la musique toute la journée pendant que je tatoue. Ma tête est bien trop occupée sans cela. C’est une forme de méditation, je suppose. La plupart de mes peintures d’astronautes ont été réalisées lorsque Sleep a sorti The Sciences en 2018, je suppose que le thème s’y prête. Haha…

Lorsque nous avons parlé à Trine de cette interview, elle nous a demandé si elle pouvait créer un fan art pour l’accompagner et nous a envoyé l’incroyable dessin ci-dessous, qui nous a complètement époustouflés :

Quelle est l’inspiration derrière l’incroyable dessin d’Orange que vous avez fait ?
Si vous êtes amateur de musique lourde depuis un certain temps, rien ne vaut la vue classique d’un ampli orange. Je plaisantais avec mes amis en disant que si nous allions voir un nouveau groupe, nous savions qu’il serait bon s’il y avait une Orange sur scène. Je me suis inspiré du logo classique car j’aime beaucoup l’histoire qui se cache derrière. L’oranger comme branche, les cornes inspirées de Pan. La plate-forme du destin à l’arrière est un peu ce à quoi je pense quand j’y réfléchis. Parfois, je dessine simplement ce qui me vient à l’esprit, ce qui n’a généralement aucun sens, mais la plupart de la musique et de l’art que j’aime sont inspirés par la zone psychédélique des années 60 et 70. Je suppose que c’est ce qui a inspiré celui-ci.

Quel a été le point fort de votre carrière jusqu’à présent ?
C’est une question difficile. Je rencontre tellement de gens extraordinaires grâce à mon travail. Rencontrer Lemmy, traîner avec lui et parler de tatouages est sans aucun doute l’un des souvenirs les plus agréables, mais si je dois mentionner un événement qui me concerne directement, je pense que la vente d’une de mes peintures d’astronautes à un ingénieur de la NASA a été un grand moment. J’ai toujours été un passionné de sciences et je voulais devenir astrophysicien quand j’étais enfant. Je suppose qu’au moins j’ai un lien avec la NASA maintenant.

Que dirait Trine 2023 à Trine 2013 ?
J’ai eu ma première exposition solo en 2013, j’avais tellement peur et je n’avais aucune idée de ce que je faisais. Je pense que je lui aurais dit que ce sera plus facile et que dans dix ans, vous aimerez toujours ce que vous faites. Parce que certains jours sont difficiles et que vous vous réveillez sans savoir pourquoi vous avez choisi un travail dont vous ne pourrez jamais vous détacher.

Quel artiste/chanson jouez-vous actuellement en boucle ?
J’ai été très nostalgique ces derniers temps, alors Pentagram (U.S.) est en boucle. Mais ma playlist des années 60 et 70 tourne en boucle au studio tous les jours. On ne peut jamais se tromper avec les classiques.

Orange Amplification a le plaisir d’annoncer son retour dans le sport automobile et son parrainage du jeune pilote de rallye, James Williams, pour le championnat Motorsport UK British Rally 2023. Lors du championnat 2022, sa première saison, James s’est classé troisième au classement général et premier rookie.

James Williams (à droite), Dai Roberts (copilote à gauche)

James est un jeune pilote de rallye gallois qui s’est rapidement fait un nom dans le rallye britannique. En participant à la série Junior Feeder, il a remporté trois victoires et est monté six fois sur le podium. Le passage de Williams à la compétition senior a démarré sur les chapeaux de roue en 2022 et il compte bien remporter encore plus de succès au cours de la prochaine saison au volant de sa nouvelle Ford Fiesta Rally2, préparée par NPL Motorsport en collaboration avec MSPORT.

Lorsque Williams a rencontré Cliff Cooper, fondateur et PDG d’Orange Amps, il est devenu évident qu’ils partageaient la même philosophie. Williams a déclaré : “C’estun honneur absolu de représenter une marque aussi emblématique et une chose est sûre, la livrée attirera certainement l’attention de tout le monde en 2023“.

BBC DJ Johnnie Walker avec Orange Stockcar et Orange Staff

La collaboration d’Orange avec les voitures a débuté en 1969 avec la production des emblématiques Orange Buggies, puis a progressé jusqu’au parrainage du célèbre DJ de la BBC, Johnnie Walker, dans un stock-car Orange au début des années 70. Nous sommes très enthousiastes à l’idée de travailler avec James sur son défi dans les championnats de rallye de 2023.a commenté Cliff Cooper.

Orange Buggy Circa 1969 (gauche) Johnnie Walker (droite)

Repérez la voiture de rallye “Orange” et son pilote tout au long du calendrier 2023 du championnat britannique de rallye de Motorsport UK :

Manche 1 – Rallye Malcolm Wilson – Cockermouth – 11 mars
Manche 2 – Beatson’s Building Supplies Jim Clark Rally – Duns – 26/27 mai
Manche 3 – Ardeca Ypres Rally – Ypres, Belgique – 23/24 juin
Manche 4 – Modern Tyres Ulster Rally – Newry – 18/19 août
Tour 5 – Get Connected Rali Ceredigion – Aberystwyth – 2/3 septembre
Round 6 – Trackrod Rally Yorkshire – Filey – 22/23 septembre
Round 7 – Visit Conwy Cambrian Rally – Llandudno – 27/28 octobre

Pour en savoir plus sur le championnat britannique de rallye et sur James Williams, rendez-vous sur britishrallychampionship.co.uk et facebook.com/jameswilliamsrally. Pour en savoir plus sur Orange Amps, rendez-vous sur orangeamps.com/.

À l’occasion de la Journée internationale de la femme et du Mois de la femme, nous nous sommes entretenus avec deux professionnelles du secteur pour connaître leur point de vue sur la construction d’une carrière dans un secteur essentiellement dominé par les hommes. La première est la journaliste musicale et écrivain Liz Scarlett.

Nom : Liz Scarlett.
Profession et lieu de travail : Rédacteur en chef (journaliste musical) chez Future Publishing avec Louder, qui publie Classic Rock, Metal Hammer et Prog Magazine.
Depuis combien de temps occupez-vous votre poste actuel ? Un peu plus de deux ans.

Que pouvez-vous nous dire sur le parcours qui vous a mené là où vous êtes aujourd’hui ?
J’ai donc étudié le journalisme musical à l’université, un diplôme qui n’était pas vraiment mon premier choix. Je ne savais pas que de tels cours existaient – j’allais faire de l’anglais, simplement parce que j’étais douée pour cette matière et que je n’étais pas sûre de ce que je voulais étudier, mais lors de mon entretien à l’université, j’ai fini par parler au professeur de mes groupes préférés pendant tout ce temps et de mon amour du journalisme. Ils m’ont alors dit qu’il existait un tel cours, et voilà, après quelques années d’études, j’ai obtenu un diplôme d’assistante marketing dans une école de musique, où j’ai pu réviser les travaux des étudiants, aider à un tas de projets créatifs, tout en gérant mon propre blog de musique.
Puis, pendant la pandémie, Future Publishing a cherché à recruter des stagiaires. J’avais complètement oublié que cette société était à l’origine de Louder et des magazines avec lesquels j’ai grandi, et j’ai donc postulé sur un coup de tête, alors que j’étais licenciée de mon ancien emploi. Après avoir passé l’entretien, j’ai réalisé que j’avais accidentellement postulé pour le poste de mes rêves, à savoir travailler pour Metal Hammer et Classic Rock, ce qui est un peu effrayant… et sérieusement fou. Manifestation et tout le reste ! Après avoir étudié pour obtenir un diplôme de la NCTJ avec Future pour m’aider dans mon rôle de rédactrice de presse stagiaire (et avoir passé de nombreuses heures à étudier le droit des médias), j’ai pu continuer à travailler pour Louder en tant que rédactrice salariée à plein temps. Bien que je sois toujours principalement chargée de l’information, je réalise également des reportages et des interviews, pour l’Internet et la presse écrite.

En tant que femme dans un secteur dominé par les hommes, avez-vous déjà été confrontée à des difficultés, à du harcèlement, à la nécessité de travailler plus dur pour faire vos preuves, etc. Quelle a été votre expérience du secteur lorsque vous avez commencé à travailler ?
Dans mon travail actuel, pas du tout. Mon équipe est très attentive à ces questions et m’apporte un grand soutien. Cependant, dans des lieux de travail antérieurs (sans citer de noms), très
beaucoup. J’ai découvert que les collègues masculins étaient vraiment intimidés par vous si vous partagiez des compétences similaires. J’ai été traitée avec condescendance et insultée à de nombreuses reprises, et j’ai eu l’impression d’être dans une situation d’urgence.
Je n’avais tout simplement pas envie de participer à cette compétition, tout cela parce que j’étais une femme. Les choses se sont parfois gâtées et je n’avais plus envie de venir travailler. C’était tout
Il est d’autant plus irritant de voir à quel point ils sont majoritairement respectueux des autres collègues, uniquement s’ils sont de sexe masculin. Cela s’est produit à plusieurs reprises.
Pour ce qui est de ma situation actuelle, je me sens incroyablement soutenue, même si je ne suis peut-être pas aussi confiante dans mon travail que les hommes de l’industrie. De plus, l’imposteur
Le syndrome est toujours à l’ordre du jour. Je n’ai pas toujours confiance en mes idées, ce qui doit changer. Je pense que cela fait partie de la croissance d’une femme,
alors que d’autres idées (proposées par des hommes) ont toujours été prises plus au sérieux que les vôtres. Votre amour de la musique et de l’écriture a-t-il toujours été indissociable ?
En fait, ce n’est pas le cas. J’ai grandi en jouant de la guitare basse, donc pour moi, la musique a toujours été axée sur le côté instrumental. Même en écoutant des chansons, mon cerveau
se concentrent naturellement sur le riff, plutôt que sur les paroles ou tout autre élément. Je pense que l’idée d’écrire m’est venue lorsque j’ai réalisé à quel point j’aimais parler de la musique et de l’art.
J’ai ensuite découvert à quel point j’aimais lire des autobiographies et découvrir la vie des musiciens qui m’ont inspirée. Au cours des dernières années, les
Au fil des ans, mon amour de la musique a englobé d’autres aspects que la simple écriture, comme mon obsession pour l’art et le design. La musique est présente dans presque tous les domaines de ma vie.

En matière de journalisme musical, y a-t-il quelqu’un en particulier qui vous a inspiré ?
votre écriture ? (N’hésitez pas à recommander des livres, des auteurs, des journalistes, etc.)

Lorsqu’il s’agit de ce genre de choses, mon esprit est toujours vide, mais les documentaires musicaux ont toujours été une grande source d’inspiration. Certains de mes favoris sont Super
Duper Alice Cooper (dont la conception visuelle est à tomber par terre), ainsi que Such Hawks, Such Hounds, qui explore la scène underground du hard rock américain
des années 70 à la fin des années 2000. Il se penche également sur les œuvres d’art et les pochettes d’album psychédéliques. Récemment, le film Moonage Daydream de Brett Morgen m’a époustouflé. C’était très
comme l’union ultime de l’art et du journalisme musical visuel, avec une bande sonore qui semble presque écrasante. Il y en a sans doute beaucoup d’autres, mais ces exemples sont certainement les plus marquants.
Quelques-uns de mes favoris. En ce qui concerne les livres, Zoë Howe, l’auteur de Stevie Nicks : Visions, Dreams and Rumours, a été une grande source d’inspiration. En plus d’être une femme totalement cool,
et sorcière du rock’n’roll autoproclamée, Howe a un style d’écriture merveilleux qui est vraiment descriptif, puissant et tout simplement un plaisir à lire. Dans n’importe lequel de ses livres, vous
Je peux immédiatement entendre que c’est sa voix, et c’est le genre d’écrivain que j’admire. Le type de travail où l’on reconnaît tout de suite qu’il s’agit de leur travail.

Quel a été le point fort de votre carrière jusqu’à présent ?
En fait, je passe chaque jour à faire ce que j’aime et à être créatif. Bien que… rencontrer Tony Iommi était plutôt cool aussi haahaha.

Que dirait Liz 2023 à Liz 2013 ?

N’ayez pas peur de viser haut et si les garçons vous semblent bizarres, c’est parce que nous vivons dans un patriarcat et que tout est foutu – ils ne le sont pas.
mieux que vous. Allez aussi voir Fleetwood Mac en concert parce qu’un jour, certains de ses membres ne seront plus là et il sera trop tard. (Il est maintenant trop tard).

Quel artiste/chanson jouez-vous actuellement en boucle ?
En ce moment, je ne peux pas me passer de Sleep Token. Si vous n’êtes pas tout à fait sûrs de la voix du chanteur (elle ressemble un peu à celle de James Arthur), allez les voir en concert, ça vous fera du bien.
vous convertir. Ils bouleversent les règles du metalcore moderne et leurs riffs vous feront tomber à la renverse. De plus, ils ont l’air effrayant, ce qui est toujours bon à prendre.

Suivez Lizzie sur Instagram, ou visitez son site web ici.

Tu viens de te faire rouler par Rick – je parie que tu ne l’avais pas vu venir.

Nous sommes régulièrement interrogés sur nos parrainages et sur ce que nous recherchons chez les artistes pour qu’ils puissent être qualifiés. Bien qu’il n’y ait pas de réponse toute faite à cette question, nous allons vous présenter quelques points clés qui sont pris en compte lors de l’examen des candidatures, car ce concept peut être source de confusion pour beaucoup. Dans un monde parfait, il suffirait d’être un excellent guitariste / bassiste, mais c’est malheureusement un peu plus compliqué que cela si l’on prend en considération la perspective commerciale. Avant de passer quatre heures à peaufiner votre candidature en tant qu’ambassadeur, lisez ce qui suit pour obtenir des informations privilégiées sur Orange A&R :

  1. Êtes-vous un groupe ou un artiste établi ?
    Même si nous aimerions beaucoup soutenir les musiciens en herbe sur la voie de la célébrité, nous ne pouvons malheureusement pas le faire par le biais de parrainages. Bien que nous ne nous attendions pas à ce que vous ayez une longue carrière derrière vous, nous avons besoin de voir la preuve que vous/votre groupe êtes sérieux dans ce que vous faites et que vous avez construit quelque chose qui existe en dehors de votre local de répétition. Les ambitions, c’est bien, mais on ne peut pas considérer un groupe sur la base de ses ambitions et de ses projets s’il ne se passe pas grand-chose dans le présent.
  1. Avez-vous sorti de la musique ?
    Il faut avoir sorti de la vraie musique. Si votre réaction à cette question est “oui, je viens de sortir mon premier single le mois dernier” ou “pas de problème, j’ai sorti un album entier en 2013”, il y a de fortes chances que ce ne soit pas suffisant. Nous avons besoin de voir que vous travaillez activement, que vous écrivez et créez, et une chanson ou un vieil album suivi d’un silence ne suffira pas.
  1. Vous faites des tournées et des concerts ?
    Jouer devant une salle comble dans votre pub local le troisième vendredi de chaque mois, c’est bien, mais avez-vous déjà essayé les spectacles non locaux, les tournées à l’étranger et l’élargissement de votre public au-delà de votre famille et de vos amis ? Non ? Nous vous recommandons alors de faire cela pendant un certain temps et de réexaminer cette idée à une date ultérieure.
  1. Avez-vous signé, travaillez-vous avec un manager, un représentant des relations publiques ou un agent ?
    Nous avons beaucoup de respect pour les artistes DIY, alors bravo à tous les groupes et artistes qui font tout eux-mêmes – et ne laissez pas celui-ci vous décourager. Ce n’est pas une obligation, mais le fait qu’un label ait manifesté son intérêt et soit prêt à vous consacrer du temps (et peut-être même de l’argent), ou que vous ayez quelqu’un à bord pour vous aider sur le plan administratif, peut également indiquer que vous voulez sérieusement passer à l’étape suivante, et pas seulement à un passe-temps.
  1. Faites-vous votre propre promotion ?
    Il est difficile d’être un artiste à l’ère du numérique : on attend de vous que vous maîtrisiez votre instrument, que vous fassiez des prouesses en marketing, en médias sociaux, en photographie, en rédaction et en création de contenu, et que vous créiez une image ou une approche sociale. Nous comprenons parfaitement que cela ne convient pas à tout le monde. Bon sang, les médias sociaux peuvent parfois être le diable, mais cela ne change rien au fait que nous devons malheureusement en tenir compte, car ils jouent un rôle essentiel dans l’industrie moderne. Si vous n’êtes pas un artiste de tournée ou de concert, mais que vous êtes très présent sur les médias sociaux ou en ligne, nous pourrons peut-être travailler ensemble, car au bout du compte, notre objectif est de faire jouer nos amplis devant le plus grand nombre de personnes possible. Cela pourrait être sur la scène d’un festival, mais aussi dans une vidéo TikTok virale. Le secteur évolue, tout comme ses exigences.
  1. Pouvez-vous vraiment jouer ?
    Cela nous ramène au point 1 : même si nous aimerions apporter notre soutien à tous les artistes Orange(et si nous encourageons activement les aspirants à apprendre un instrument via Orange Learn), il est indispensable de pouvoir jouer. Si vous venez de vous mettre à la basse ou à la guitare et que vous jouez depuis quelques semaines, vous êtes encore loin de la reconnaissance par l’industrie. Mais, si vous persévérez, vous pourriez être la fierté et la joie de notre équipe dans le futur. Nous serions si chanceux ! Ceci étant dit, bien que les capacités techniques et les vibrations virtuoses soient notre tasse de thé, elles ne sont pas une nécessité. Si vous ne pouvez pas jouer La Villa Strangiato de Rush, nous ne vous en tiendrons pas rigueur ; différents types de musique requièrent différentes capacités, et vous devez jouer suffisamment bien pour maîtriser votre musique.
  1. Êtes-vous ici avec un véritable désir de travailler ensemble et l’espoir de faire partie de notre liste d’artistes internationaux, ou espérez-vous simplement obtenir des cadeaux ou du matériel à prix réduit ?
    Les prix pratiqués par les artistes sont l’un des avantages les plus intéressants d’être un ambassadeur d’Orange, d’autant plus dans le climat financier actuel où le coût de la vie ne cesse d’augmenter. Mais si le principal argument de vente de votre candidature est de vouloir un Rockerverb gratuit, dont vous “promettez de faire la promotion” auprès de vos 112 contacts sociaux, cela ne fonctionnera pas. Nous recherchons des artistes avec lesquels nous pouvons établir des relations mutuellement bénéfiques. Donc, au lieu de vous concentrer sur tous les amplis que vous voulez ajouter à votre collection et d’essayer de nous convaincre qu’ils devraient être à vous gratuitement, concentrez-vous sur le travail, et faites en sorte que vous ou votre groupe atteigniez un niveau où nous serions fiers et honorés de vous voir représenter Orange.

Maintenant que nous avons exposé tout cela, vous devriez avoir une idée plus claire de ce que nous recherchons, et si vous ou votre groupe pouvez y prétendre. Si vous le pensez, alors génial. Pour envoyer votre candidature, veuillez visiter notre page ambassadeur ici.

Vous pourriez être tenté de soumettre à nouveau votre demande trois fois par semaine dans un avenir proche et de faire un suivi par téléphone pour vous assurer que nous l’avons vue, et bien que nous aimions l’excitation, nous pouvons vous assurer que ce n’est pas nécessaire. Les candidatures des ambassadeurs sont examinées régulièrement et les candidats retenus sont contactés. En raison du nombre élevé de candidatures, nous ne pouvons malheureusement pas répondre à toutes, mais nous apprécions sincèrement chacune d’entre elles et nous tenons à vous remercier pour votre soutien.

BB King en 1969

En l’honneur du mois de l’histoire des Noirs, prenons un moment pour nous rappeler d’où vient la musique pour guitare telle que nous la connaissons aujourd’hui, les origines du rock et les débuts du blues. Bien que l’industrie évolue et devienne plus inclusive, la musique de guitare grand public est très largement dominée par les hommes blancs. Mais où en serait le rock ‘n’ roll en 2023 s’il n’y avait pas eu les artistes noirs qui ont ouvert la voie ? Il est essentiel de reconnaître non seulement le rôle important, mais aussi le rôle crucial que leur héritage et leur patrimoine ont joué dans l’influence d’une si grande variété de genres et de sons.

Lemmy a cité Little Richard comme roi, ce qui signifie que le chemin de “Tutti Frutti” à “Motörhead” est étonnamment court. Les années 1960 ont été l’apogée du blues britannique, célébrant des artistes tels que Peter Green, Eric Clapton, Free avec Paul Kossoff et les Rolling Stones. Tous étaient des artistes incroyables, dignes d’être reconnus pour leur travail et leurs contributions à la musique, même des décennies plus tard, et aussi des artistes qui doivent tout aux musiciens noirs et aux débuts du blues du Delta. Soyons francs : les personnes qui chantaient le blues avaient le cafard, parfois parce que leur bébé les avait quittées, mais aussi parce que l’artiste et sa communauté étaient opprimés et devaient faire face aux préjugés, à la discrimination et au racisme au quotidien.

Jimi Hendrix par Michael Ochs

Le fait que les Blancs adoptent la musique noire est un pas dans la bonne direction, car cela permet aux gens d’apprécier quelque chose simplement pour ce qu’il est, sans se préoccuper de qui le fait. C’était un moment spécial, et un clin d’œil au pouvoir et à la beauté de la musique pour créer une communauté et construire des ponts. Cependant, cela ne change rien au fait qu’en fin de compte, le blues, qui a conduit au rock ‘n’ roll, a été créé par des personnes opprimées qui, malgré tout, ont réussi à trouver l’inspiration dans les petites choses de la vie quotidienne et le courage de partager leur art avec le monde.

Alors, prenons un moment pour nous rappeler d’où tout cela vient. Si vous ne connaissez pas les débuts du blues américain, plongez dans les archives et laissez-vous surprendre. Celle-ci est pour Elmore James, Son House et Robert Johnson. Pour Ma Rainey, Memphis Minnie et Bessie Smith. Pour tous ceux qui sont venus plus tard, Little Richard, B.B King, The Supremes et Jimi Hendrix. Stevie Wonder, Betty Davis, 2PAC et Tom Morello.

Le rock et la musique tels que nous les connaissons aujourd’hui ne seraient rien sans les artistes noirs qui ont ouvert la voie.

À propos d’Orange Amps

Orange Amplifiers est une société britannique qui conçoit et fabrique des amplificateurs de guitare. Fondée en 1968 par Clifford Cooper, Orange s’est fait connaître pour son revêtement tolex “orange” distinctif sur ses amplificateurs et pour sa signature sonore “britannique”. L’entreprise propose une large gamme d’amplificateurs pour différents styles de jeu et niveaux de compétence, des amplis d’entraînement aux amplificateurs professionnels de tournée.

Résumé de la description du poste

Orange Amps recherche un assistant marketing très motivé pour rejoindre notre équipe. L’assistant(e) marketing sera chargé(e) de soutenir notre équipe marketing très soudée dans tous les aspects de la commercialisation d’une marque mondiale. Le candidat idéal doit être naturellement créatif et posséder des compétences et une expérience dans un ou plusieurs domaines créatifs, mais surtout être motivé pour développer ses compétences créatives en fonction des besoins en constante évolution de nos équipes de marketing, qui s’adaptent aux nouvelles technologies et continuent d’innover dans le secteur de la musique.

Compétences souhaitables

Il n’est pas nécessaire que vous possédiez toutes ces compétences, mais vous devriez en avoir certaines et être prêt et enthousiaste à apprendre les autres si nécessaire.

Expérience des logiciels de la suite Adobe, notamment :

– Photoshop (édition de photos, conception graphique des médias sociaux et des ressources web).
– Illustrateur (emballage de produits et conception graphique).
– Premier pro (montage vidéo).
– Indesign (catalogues, brochures et guides de produits).

Expérience de la photographie et du tournage à l’aide d’appareils photo reflex numériques.

– Photographier des natures mortes de produits.
– Photographie de style de vie avec des personnes et des produits.
– Filmer des concerts en direct et des interviews d’artistes.

Conception Web

– Familiarisé avec WordPress.
– Conception de la mise en page d’une page Web.
– Création de bannières, d’images et d’actifs pour le site web.


– Respectez notre système strict de gestion des fichiers basé sur Google Workspace.
– Être capable de communiquer de manière compétente par courriel, messages instantanés et téléphone.
– Compréhension et familiarité avec les plateformes de médias sociaux.


– Familiarisé avec les amplis Orange, la musique et les équipements à base de guitare.
– Créativité et capacité à résoudre les problèmes.
– Un grand souci du détail.
– Positif et enthousiaste face à de nouveaux défis.
– Travaille bien sous pression et respecte les délais.
– Coopère bien au sein d’une équipe avec honnêteté et intégrité.

Qualifications recommandées

Enseignement supérieur, diplôme ou 3+ ans d’expérience dans au moins un des sujets suivants ou quelque chose de similaire :
– Conception graphique
– Marketing
– Études des médias
– Photographie
– Réalisation de films

Tâches supplémentaires :

Vous pouvez être amené à aider l’équipe de temps en temps :
– Campagnes et événements de marketing
– Maintenance du site web
– Soutenir notre équipe de vente avec des actifs selon les besoins

Votre admissibilité à ce poste sera principalement jugée sur le contenu de votre portefeuille et sur notre confiance dans votre capacité future à vous intégrer dans notre équipe et à apporter de la valeur à notre marque et à notre entreprise. Bonne chance, nous sommes impatients d’avoir de vos nouvelles.

Veuillez envoyer votre candidature à [email protected]

Nous avons envoyé à Isaiah Mitchell, guitariste d’Earthless et des Black Crowes, toutes nos pédales Vintage Orange récemment sorties pour voir comment il s’en sortait. Le résultat ? Découvrez-le par vous-même dans la vidéo ci-dessous, où vous les verrez passer d’une boîte à l’autre avant d’en faire la démonstration, individuellement et ensemble. Profitez-en !

Pour plus d’informations sur nos pédales vintage, visitez leurs pages produits : Phaser // Distorsion // Sustain.

Au cours du mois dernier, nous avons pris soin d’une tête Orange OR120 originale de 1974, envoyée par son propriétaire pour une mise au point avant d’être transmise à son fils. Dans les articles précédents, nous avons examiné l’histoire et l’héritage de l’unité, ainsi que la façon dont nous l’avons adaptée à l’ère moderne. Maintenant, c’est l’heure de la preuve ultime : brancher une guitare. Tous les échantillons de sons de guitare de ce post ont été enregistrés sur une guitare PJD Carey avec un micro à simple bobinage au niveau du manche et un micro humbucker au niveau du chevalet.

Accords puissants joués proprement, tous les réglages à mi-course
Arpèges joués proprement, tous les réglages à mi-course
Les dyades ont été jouées proprement, tous les réglages étant à mi-course.


La première chose à dire sur cet ampli est qu’il est LOUD. Comme, incroyablement fort – plus fort que n’importe quel ampli Orange moderne, à tel point que c’est peut-être moins un mystère maintenant pourquoi tant de rockeurs des années 60 et 70 souffrent de perte d’audition dans leur vieillesse. Nous l’avons fait passer dans un caisson de haut-parleurs Orange PPC412 à environ un tiers du volume dans un espace de la taille d’une salle de répétition moyenne, et il provoquait déjà des crises d’acouphènes instantanées et exigeait des protections auditives pour tous. Étant donné que les prises de l’ampli permettent également de connecter deux enceintes, le potentiel de cette bête est énorme.

Des images réelles du siège d’Orange montrant le technicien en chef Jon jouant avec l’OR120 pour la première fois.

Ce muscle pur est peut-être une indication de l’époque à laquelle l’ampli a été conçu et construit, avant l’ère des systèmes de sonorisation complexes et puissants du début des années 80 mais peu après l’arrivée du rock de stade et des festivals de musique en plein air du début des années 70 (le premier Woodstock était en août 1969 et le premier Glastonbury en juin 1970, par exemple). À l’époque, les groupes étaient censés apporter leur propre bruit et ne pas s’attendre à ce qu’un système de sonorisation leur donne un coup de pouce. Et dans cette optique, l’OR120 relié à deux enceintes 4×12 n’aurait aucun problème à remplir de grands espaces.

De plus, la technologie de surveillance de la scène étant encore très primitive au début des années 1970, on s’attendait à ce que vous puissiez entendre votre jeu directement de votre ampli sur scène, même s’il se trouvait à 15 mètres de vous et qu’une section rythmique se trouvait entre vous et lui. La puissance de l’OR120 pouvait fournir tout cela avec confiance, et a été clairement conçue spécifiquement pour cela.

La façon dont l’ampli atteint ce volume est principalement due à l’énorme tension de 500 V dans son circuit, qui est bien plus importante que celle des amplis modernes et qui offrira des kilomètres de headroom propre. Quatre valves de puissance et un circuit de préamplification simple qui ne soustrait pas trop de gain au signal aident également. Il y a également moins d’étages de tonalité dans l’OR120 que dans beaucoup de ses successeurs de la gamme Orange, ce qui expliquerait une moindre perte de gain dans la chaîne du signal.

Le son de l’ampli est aussi un indicateur intéressant de son âge. Avec tous les cadrans réglés au milieu, il est remarquablement propre et carillonnant, avec beaucoup de poids et de tridimensionnalité, sans toutefois avoir le caractère des amplis Orange du nouveau millénaire.


Cependant, l’inhabituel contrôle F.A.C., un cadran cranté à six points qui soustrait des quantités croissantes de basses de la tonalité, a un impact énorme sur le façonnage de la tonalité, rendant le son de plus en plus cassant et brillant au fur et à mesure qu’il est introduit. À l’extrême, cela semble très aigu pour des oreilles modernes, mais en revisitant les disques de la seconde moitié des années 60 et du début des années 70, par des artistes tels que les Beatles et les Byrdspar exemple, révèlent qu’il s’agit du son de la musique contemporaine pour guitare, ce qui suggère qu’Orange est toujours à la pointe du progrès.

Quand le F.A.C. est combiné avec un gain plus élevé et en territoire d’overdrive, cependant, il ajoute une définition au son qui contrebalance la légère boue du son overdriven de base, et s’avère être un composant inestimable de la boîte à outils de l’ampli.

Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 1 sur 5.
Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 2 sur 5.
Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-chemin, et le F.A.C. réglé sur 3 sur 5.
Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-chemin, et le F.A.C. réglé sur 4 sur 5.
Arpèges avec gain et égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 5 sur 5.
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 1 sur 5.
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 2 sur 5.
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 3 sur 5.
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 4 sur 5.
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, et le F.A.C. réglé sur 5 sur 5.

L’égaliseur à deux bandes est également étonnamment puissant, la plage des deux boutons permettant une variété considérable de la forme du son et une polyvalence conséquente, sans doute une autre caractéristique incluse dans l’idée d’aider le guitariste sur scène avec un groupe bruyant autour de lui. De même, le HF. Le bouton de gain a un contrôle un peu plus subtil, modelant les sons médium-aigus de la même manière qu’un contrôle de présence moderne le ferait, mais son interaction avec le bouton de gain est toujours bien intégrée.

Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé sur un quart
Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé sur la moitié
Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé sur trois quarts
Arpèges avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé à fond
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé sur un quart
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé sur la moitié
Accords avec le gain et l’égaliseur réglés à mi-course, le F.A.C. réglé sur zéro et le HF. Gain réglé sur trois quarts


Un autre signe intéressant de l’époque, tonalement, vient sous la forme des modestes capacités d’overdrive de l’OR120 : le carillon remarquablement propre de l’ampli ne commence à se briser que lorsque le gain est poussé au-delà des trois quarts, et il y a beaucoup de territoire “edge-of-breakup” où le fuzz du son est largement dicté par la technique du joueur. De plus, l’absence d’un bouton de volume principal signifie que vous devez jouer dans l’ampli à un volume exceptionnellement élevé avant qu’un semblant de break-up ou d’overdrive n’émerge. Même à plein gain, cependant, il est loin des hurleurs à tubes saturés des années 1990 et au-delà, et conserve plus d’un aspect de la vie. Son punk britannique/Sex PistolsIl s’agit d’un instrument à la fois puissant et féroce, mais également très net (bien que l’on ne sache pas si Steve Jones, qui a volé ses premiers instruments, a mis la main sur un OR120).

Cela fait de l’OR120 un artefact intéressant de l’histoire de la musique rock : même en 1974, lorsque cet ampli a été fabriqué, trois ans après Led Zep IV et Paranoïaque avait inauguré l’aube du heavy metal et de la musique rock aux sons énormes, les sons de guitare restaient assez polis et l’appétit pour l’overdrive extrême et hurlant en était encore clairement à ses débuts. Le fait de comprendre cela recontextualise quelque peu ces albums classiques en tant que véritables pousseurs de frontières sonores, et rappelle également que le passage du crunch au thrash et à la saturation totale prendra encore quelques années – et peut-être l’introduction d’un contrôle du volume principal. Et nous devrons attendre l’arrivée d’une autre relique Orange sur le banc avant de creuser ce sujet.

Accords joués avec un gain au bord de la rupture, égaliseur plat et HF. Gain et F.A.C. réglés sur 0/5
Arpèges joués avec un gain au bord de la rupture, égaliseur plat et HF. Gain et F.A.C. réglés sur 0/5
Dyads joués avec un gain au bord de la rupture, EQ et HF plats. Gain et F.A.C. réglés sur 0/5
Les accords sont joués avec un gain maximal, un égaliseur plat et des hautes fréquences. Gain et F.A.C. réglés sur 0/5
Arpèges joués avec le gain à fond, égaliseur plat et HF. Gain et F.A.C. réglés sur 0/5
Les dyades sont jouées avec le gain à fond, l’égaliseur et les HF à plat. Gain et F.A.C. réglés sur 0/5
Tout est plein ! 🤘