Nom : Trine Grimm

Profession et lieu de travail : Tatoueur chez Lucky 7 à Oslo, et artiste

Quel âge aviez-vous lorsque vous avez commencé à tatouer ?
Je venais d’avoir 19 ans lorsque j’ai déménagé à Oslo pour commencer à tatouer, mais l’intérêt pour cet art est venu bien avant.

En tant que femme ayant réussi dans un secteur dominé par les hommes, avez-vous déjà été confrontée à des difficultés, à du harcèlement ou à d’autres problèmes liés à votre sexe ?
C’est un sujet difficile à aborder, mais comme pour toutes les autres professions à prédominance masculine, il sera difficile d’être une femme. J’étais très jeune lorsque je suis arrivé sur la scène, et il fallait souvent faire ses preuves pour cette raison. Je me faisais insulter en permanence par mes collègues, mes patrons et même mes clients. Je pense que le plus difficile a été de faire confiance aux personnes que l’on admire. J’ai toujours eu peur de prendre la parole, parce que c’était un milieu très restreint à l’époque. Les choses ont définitivement changé au cours des 15 dernières années, et il est agréable de voir toutes les femmes talentueuses qui arrivent sur la scène et qui font un malheur dans le jeu aujourd’hui. Cela dit, aujourd’hui encore, certains clients me demandent si le patron est là ou depuis combien de temps je tatoue. Je suis presque sûr qu’ils ne poseraient jamais la même question à un homme de 33 ans. Je n’ai jamais été une fille très féminine non plus, ne vous méprenez pas, j’aime m’habiller et tout ça, mais mes principaux centres d’intérêt étaient la musique métal, le snowboard et le skateboard. Je traînais avec les gars et je faisais partie de la scène, mais je pense qu’ils avaient du mal à me traiter sur un pied d’égalité. Je ne sais pas combien de fois on m’a traitée de groupie, ce qui arrive encore aujourd’hui, simplement parce que je suis dans le milieu de la musique.

Outre le tatouage, tu as également réalisé des affiches de concerts, des œuvres d’art, des DJs, etc.
Le tatouage occupe la majeure partie de mon temps, tout simplement parce que je l’aime. À l’exception du snowboard, c’est la seule chose constante dans ma vie depuis si longtemps, et même si j’ai essayé de tatouer moins pour faire d’autres projets, je reviens toujours à plein temps. Je réalise également de petits projets pour des groupes, principalement des affiches de concerts, des designs de chemises et des affiches de festivals. Cela prend du temps, mais c’est quelque chose que je veux absolument faire plus souvent parce que la musique est si proche de mon cœur. Il n’y a rien de mieux que de voir son œuvre sur un groupe que l’on aime écouter. J’ai grandi avec la musique classique grâce à ma grand-mère qui était pianiste. Ma mère m’a fait aimer le rock comme Led Zeppelin et Jimi Hendrix, mais en tant qu’enfant de la côte ouest de la Norvège, il n’a pas fallu longtemps avant que moi et mon meilleur ami n’entrions dans la scène du black metal. Mes goûts musicaux sont aujourd’hui très variés, allant du jazz au métal extrême, mais les riffs lourds occupent une place prépondérante dans ma liste de lecture. Faire le DJ est amusant, mais il faut que ce soit pour un événement spécial. Jouer de la musique dans un bar dans le seul but d’inciter les gens à acheter une bière, ce n’est vraiment plus mon truc. Je préfère écouter mes vinyles à la maison. Haha… Mais c’est amusant, et je changerai probablement d’avis un jour et recommencerai.

Diriez-vous que vos goûts musicaux inspirent votre art ?
La musique est ma principale source d’inspiration, je pense que l’art et la musique vont de pair. J’aime écouter de la musique et dessiner pendant des heures. J’écoute aussi de la musique toute la journée pendant que je tatoue. Ma tête est bien trop occupée sans cela. C’est une forme de méditation, je suppose. La plupart de mes peintures d’astronautes ont été réalisées lorsque Sleep a sorti The Sciences en 2018, je suppose que le thème s’y prête. Haha…

Lorsque nous avons parlé à Trine de cette interview, elle nous a demandé si elle pouvait créer un fan art pour l’accompagner et nous a envoyé l’incroyable dessin ci-dessous, qui nous a complètement époustouflés :

Quelle est l’inspiration derrière l’incroyable dessin d’Orange que vous avez fait ?
Si vous êtes amateur de musique lourde depuis un certain temps, rien ne vaut la vue classique d’un ampli orange. Je plaisantais avec mes amis en disant que si nous allions voir un nouveau groupe, nous savions qu’il serait bon s’il y avait une Orange sur scène. Je me suis inspiré du logo classique car j’aime beaucoup l’histoire qui se cache derrière. L’oranger comme branche, les cornes inspirées de Pan. La plate-forme du destin à l’arrière est un peu ce à quoi je pense quand j’y réfléchis. Parfois, je dessine simplement ce qui me vient à l’esprit, ce qui n’a généralement aucun sens, mais la plupart de la musique et de l’art que j’aime sont inspirés par la zone psychédélique des années 60 et 70. Je suppose que c’est ce qui a inspiré celui-ci.

Quel a été le point fort de votre carrière jusqu’à présent ?
C’est une question difficile. Je rencontre tellement de gens extraordinaires grâce à mon travail. Rencontrer Lemmy, traîner avec lui et parler de tatouages est sans aucun doute l’un des souvenirs les plus agréables, mais si je dois mentionner un événement qui me concerne directement, je pense que la vente d’une de mes peintures d’astronautes à un ingénieur de la NASA a été un grand moment. J’ai toujours été un passionné de sciences et je voulais devenir astrophysicien quand j’étais enfant. Je suppose qu’au moins j’ai un lien avec la NASA maintenant.

Que dirait Trine 2023 à Trine 2013 ?
J’ai eu ma première exposition solo en 2013, j’avais tellement peur et je n’avais aucune idée de ce que je faisais. Je pense que je lui aurais dit que ce sera plus facile et que dans dix ans, vous aimerez toujours ce que vous faites. Parce que certains jours sont difficiles et que vous vous réveillez sans savoir pourquoi vous avez choisi un travail dont vous ne pourrez jamais vous détacher.

Quel artiste/chanson jouez-vous actuellement en boucle ?
J’ai été très nostalgique ces derniers temps, alors Pentagram (U.S.) est en boucle. Mais ma playlist des années 60 et 70 tourne en boucle au studio tous les jours. On ne peut jamais se tromper avec les classiques.

À l’occasion de la Journée internationale de la femme et du Mois de la femme, nous nous sommes entretenus avec deux professionnelles du secteur pour connaître leur point de vue sur la construction d’une carrière dans un secteur essentiellement dominé par les hommes. La première est la journaliste musicale et écrivain Liz Scarlett.

Nom : Liz Scarlett.
Profession et lieu de travail : Rédacteur en chef (journaliste musical) chez Future Publishing avec Louder, qui publie Classic Rock, Metal Hammer et Prog Magazine.
Depuis combien de temps occupez-vous votre poste actuel ? Un peu plus de deux ans.

Que pouvez-vous nous dire sur le parcours qui vous a mené là où vous êtes aujourd’hui ?
J’ai donc étudié le journalisme musical à l’université, un diplôme qui n’était pas vraiment mon premier choix. Je ne savais pas que de tels cours existaient – j’allais faire de l’anglais, simplement parce que j’étais douée pour cette matière et que je n’étais pas sûre de ce que je voulais étudier, mais lors de mon entretien à l’université, j’ai fini par parler au professeur de mes groupes préférés pendant tout ce temps et de mon amour du journalisme. Ils m’ont alors dit qu’il existait un tel cours, et voilà, après quelques années d’études, j’ai obtenu un diplôme d’assistante marketing dans une école de musique, où j’ai pu réviser les travaux des étudiants, aider à un tas de projets créatifs, tout en gérant mon propre blog de musique.
Puis, pendant la pandémie, Future Publishing a cherché à recruter des stagiaires. J’avais complètement oublié que cette société était à l’origine de Louder et des magazines avec lesquels j’ai grandi, et j’ai donc postulé sur un coup de tête, alors que j’étais licenciée de mon ancien emploi. Après avoir passé l’entretien, j’ai réalisé que j’avais accidentellement postulé pour le poste de mes rêves, à savoir travailler pour Metal Hammer et Classic Rock, ce qui est un peu effrayant… et sérieusement fou. Manifestation et tout le reste ! Après avoir étudié pour obtenir un diplôme de la NCTJ avec Future pour m’aider dans mon rôle de rédactrice de presse stagiaire (et avoir passé de nombreuses heures à étudier le droit des médias), j’ai pu continuer à travailler pour Louder en tant que rédactrice salariée à plein temps. Bien que je sois toujours principalement chargée de l’information, je réalise également des reportages et des interviews, pour l’Internet et la presse écrite.

En tant que femme dans un secteur dominé par les hommes, avez-vous déjà été confrontée à des difficultés, à du harcèlement, à la nécessité de travailler plus dur pour faire vos preuves, etc. Quelle a été votre expérience du secteur lorsque vous avez commencé à travailler ?
Dans mon travail actuel, pas du tout. Mon équipe est très attentive à ces questions et m’apporte un grand soutien. Cependant, dans des lieux de travail antérieurs (sans citer de noms), très
beaucoup. J’ai découvert que les collègues masculins étaient vraiment intimidés par vous si vous partagiez des compétences similaires. J’ai été traitée avec condescendance et insultée à de nombreuses reprises, et j’ai eu l’impression d’être dans une situation d’urgence.
Je n’avais tout simplement pas envie de participer à cette compétition, tout cela parce que j’étais une femme. Les choses se sont parfois gâtées et je n’avais plus envie de venir travailler. C’était tout
Il est d’autant plus irritant de voir à quel point ils sont majoritairement respectueux des autres collègues, uniquement s’ils sont de sexe masculin. Cela s’est produit à plusieurs reprises.
Pour ce qui est de ma situation actuelle, je me sens incroyablement soutenue, même si je ne suis peut-être pas aussi confiante dans mon travail que les hommes de l’industrie. De plus, l’imposteur
Le syndrome est toujours à l’ordre du jour. Je n’ai pas toujours confiance en mes idées, ce qui doit changer. Je pense que cela fait partie de la croissance d’une femme,
alors que d’autres idées (proposées par des hommes) ont toujours été prises plus au sérieux que les vôtres. Votre amour de la musique et de l’écriture a-t-il toujours été indissociable ?
En fait, ce n’est pas le cas. J’ai grandi en jouant de la guitare basse, donc pour moi, la musique a toujours été axée sur le côté instrumental. Même en écoutant des chansons, mon cerveau
se concentrent naturellement sur le riff, plutôt que sur les paroles ou tout autre élément. Je pense que l’idée d’écrire m’est venue lorsque j’ai réalisé à quel point j’aimais parler de la musique et de l’art.
J’ai ensuite découvert à quel point j’aimais lire des autobiographies et découvrir la vie des musiciens qui m’ont inspirée. Au cours des dernières années, les
Au fil des ans, mon amour de la musique a englobé d’autres aspects que la simple écriture, comme mon obsession pour l’art et le design. La musique est présente dans presque tous les domaines de ma vie.
vie.

En matière de journalisme musical, y a-t-il quelqu’un en particulier qui vous a inspiré ?
votre écriture ? (N’hésitez pas à recommander des livres, des auteurs, des journalistes, etc.)

Lorsqu’il s’agit de ce genre de choses, mon esprit est toujours vide, mais les documentaires musicaux ont toujours été une grande source d’inspiration. Certains de mes favoris sont Super
Duper Alice Cooper (dont la conception visuelle est à tomber par terre), ainsi que Such Hawks, Such Hounds, qui explore la scène underground du hard rock américain
des années 70 à la fin des années 2000. Il se penche également sur les œuvres d’art et les pochettes d’album psychédéliques. Récemment, le film Moonage Daydream de Brett Morgen m’a époustouflé. C’était très
comme l’union ultime de l’art et du journalisme musical visuel, avec une bande sonore qui semble presque écrasante. Il y en a sans doute beaucoup d’autres, mais ces exemples sont certainement les plus marquants.
Quelques-uns de mes favoris. En ce qui concerne les livres, Zoë Howe, l’auteur de Stevie Nicks : Visions, Dreams and Rumours, a été une grande source d’inspiration. En plus d’être une femme totalement cool,
et sorcière du rock’n’roll autoproclamée, Howe a un style d’écriture merveilleux qui est vraiment descriptif, puissant et tout simplement un plaisir à lire. Dans n’importe lequel de ses livres, vous
Je peux immédiatement entendre que c’est sa voix, et c’est le genre d’écrivain que j’admire. Le type de travail où l’on reconnaît tout de suite qu’il s’agit de leur travail.

Quel a été le point fort de votre carrière jusqu’à présent ?
En fait, je passe chaque jour à faire ce que j’aime et à être créatif. Bien que… rencontrer Tony Iommi était plutôt cool aussi haahaha.


Que dirait Liz 2023 à Liz 2013 ?

N’ayez pas peur de viser haut et si les garçons vous semblent bizarres, c’est parce que nous vivons dans un patriarcat et que tout est foutu – ils ne le sont pas.
mieux que vous. Allez aussi voir Fleetwood Mac en concert parce qu’un jour, certains de ses membres ne seront plus là et il sera trop tard. (Il est maintenant trop tard).


Quel artiste/chanson jouez-vous actuellement en boucle ?
En ce moment, je ne peux pas me passer de Sleep Token. Si vous n’êtes pas tout à fait sûrs de la voix du chanteur (elle ressemble un peu à celle de James Arthur), allez les voir en concert, ça vous fera du bien.
vous convertir. Ils bouleversent les règles du metalcore moderne et leurs riffs vous feront tomber à la renverse. De plus, ils ont l’air effrayant, ce qui est toujours bon à prendre.

Suivez Lizzie sur Instagram, ou visitez son site web ici.

BB King en 1969

En l’honneur du mois de l’histoire des Noirs, prenons un moment pour nous rappeler d’où vient la musique pour guitare telle que nous la connaissons aujourd’hui, les origines du rock et les débuts du blues. Bien que l’industrie évolue et devienne plus inclusive, la musique de guitare grand public est très largement dominée par les hommes blancs. Mais où en serait le rock ‘n’ roll en 2023 s’il n’y avait pas eu les artistes noirs qui ont ouvert la voie ? Il est essentiel de reconnaître non seulement le rôle important, mais aussi le rôle crucial que leur héritage et leur patrimoine ont joué dans l’influence d’une si grande variété de genres et de sons.

Lemmy a cité Little Richard comme roi, ce qui signifie que le chemin de “Tutti Frutti” à “Motörhead” est étonnamment court. Les années 1960 ont été l’apogée du blues britannique, célébrant des artistes tels que Peter Green, Eric Clapton, Free avec Paul Kossoff et les Rolling Stones. Tous étaient des artistes incroyables, dignes d’être reconnus pour leur travail et leurs contributions à la musique, même des décennies plus tard, et aussi des artistes qui doivent tout aux musiciens noirs et aux débuts du blues du Delta. Soyons francs : les personnes qui chantaient le blues avaient le cafard, parfois parce que leur bébé les avait quittées, mais aussi parce que l’artiste et sa communauté étaient opprimés et devaient faire face aux préjugés, à la discrimination et au racisme au quotidien.

Jimi Hendrix par Michael Ochs

Le fait que les Blancs adoptent la musique noire est un pas dans la bonne direction, car cela permet aux gens d’apprécier quelque chose simplement pour ce qu’il est, sans se préoccuper de qui le fait. C’était un moment spécial, et un clin d’œil au pouvoir et à la beauté de la musique pour créer une communauté et construire des ponts. Cependant, cela ne change rien au fait qu’en fin de compte, le blues, qui a conduit au rock ‘n’ roll, a été créé par des personnes opprimées qui, malgré tout, ont réussi à trouver l’inspiration dans les petites choses de la vie quotidienne et le courage de partager leur art avec le monde.

Alors, prenons un moment pour nous rappeler d’où tout cela vient. Si vous ne connaissez pas les débuts du blues américain, plongez dans les archives et laissez-vous surprendre. Celle-ci est pour Elmore James, Son House et Robert Johnson. Pour Ma Rainey, Memphis Minnie et Bessie Smith. Pour tous ceux qui sont venus plus tard, Little Richard, B.B King, The Supremes et Jimi Hendrix. Stevie Wonder, Betty Davis, 2PAC et Tom Morello.

Le rock et la musique tels que nous les connaissons aujourd’hui ne seraient rien sans les artistes noirs qui ont ouvert la voie.

Orange Amplification se joint à la nation pour pleurer la triste perte de Sa Majesté la Reine Elizabeth II et nous présentons nos sincères condoléances à la famille royale en ce moment.

Recevoir le Queen’s Award en 2006, 2009 et 2012 a été et sera toujours un grand honneur pour nous.

Nous célébrons son dévouement sans précédent au devoir et son attachement à une vie de service public et à une présence unificatrice pour nous tous.

Sincèrement.

Cliff Cooper et tous ceux d’Orange.

BY DARAGH MARKHAM

Fresh conscripts from our sister pubs clock in. Actually, most of them are volunteers — naïve sadists with an expectant gleam in their eye. Sorry dude, there’s only one wristband on bar. Take a number and get in line, because you’re not catching Truckfighters. You’re standing here for the next nine hours, getting intimately familiar with how to pour a Hells. An urgent care package of Modelos is brought in from a nearby corner shop, as staff, some Desertfest team members, and a few customers have drunk through the entire weekend’s supply already. A customer grabs my arm. “Man, I saw your set at the Underworld yesterday — that was fucking nuts, your guitar must be totalled!” Yesterday feels like a hundred days ago. We played mid-afternoon, before the drummer and I, both ranking warriors of Camden bars, hightailed it back to start/resume our Desertfest shifts. One eye on the customer, the other toward the taps. “Yeah that was actually pretty much inadvertent, the guitar smashing…” I reply. It wasn’t my guitar either so, I won’t be hearing the end of that. Wonder what I can break next year.

Another customer is complaining about the toilets, reminding me of a recent review. We never really read reviews of the bar (as Larry David says, “the customer is usually a moron and an asshole”), but this one was great. Besides whining about the smell of our (a rock bar) toilets, the author referred to one of the staff as “Satan’s idiot”, which left one obvious thing to do: get cut-offs with Hells Angels-style back patches made up saying SATAN’S IDIOTS, for every member of staff. That this wasn’t achieved in time for Desertfest will forever be my shame. Eighteen hours in one place, doing one thing, listening to (essentially) one riff will either send you mad or grant you a sense of Zen you never thought possible. (For days after, I will lie in bed waiting to fall asleep, calves screaming, my mind endlessly flashing, locked into the mechanism of pouring pint after pint after pint like an automaton, the main riff of Sleep’s Dragonaut haunting my head in an infinite loop). The shifts follow similar patterns, and when the day’s headliners take the stages of the bigger venues, the bar clears out for awhile. This reprieve is spent with frantic smoking/drinking, before more prepping, stocking, reloading.

The final offensive will hit us soon — the bestial midnight raids of the afterparty. Actually, “siege” would be the more appropriate term. One bartender likens it to the relentless blitz of Call of Duty’s Nazi zombies, with the platoon pinned down, cornered behind the bar, weaving and dodging and sidestepping around each other, pouring pints with one hand, making spirit ’n’ mixers with the other, taking change with our mouths (pre-covid). The faces of customers become interchangeable bearded blurs. Your ears ring like after a bomb blast, fingers whittle into numb stumps from hammering orders into the till screen. Legs beg you to stop. Have another shot, keep going. This is the final push. If you can’t find a rhythm, you lock into crushkilldestroy mode: no logic, no order, just serve the first person you see after every completed order. My personal record is making over three grand’s worth in one day, and that was when we flirted with 10-hour “easy” shifts one year, so God knows what I rack up on a day like today. The bar is packed, the party heaving, the whole room one single, multi-limbed, multi-bearded organism. DJs are deafening — orders for cider result in soda and confusion. Regular Mat buys the whole 10-strong staff a round of top-shelf tequila, a much-needed and appreciated bolstering of our defences.

With the unexpected May heat and so many people in, our weathered cooler gives up and dies. The fan units out the back of the building pump out piping Saharan air. The beer starts pouring as pure foam in a bar full of pint-hungry maniacs. What can they be appeased with? The Modelos are long gone. Bongripper soundtracks our endless descent into ruin. Finally, at 3 am, we clean down the bar to Darude’s Sandstorm, because surely this should be the anthem of a festival with “Desert” in its moniker, and after a full, uninterrupted day of doom and stoner blasting through the PA and roaring from the venue, you need pop music. Hip hop. Fucking Dido (ok, not Dido). Exhausted, you stand at the toilet, jeans and boxers peeled midway down your thighs, pissing free and airing out your region. You look down to discover you are pissing directly into your yanked-down boxers, which have become a sort of piss-cradle. You are too tired to do anything about it, and just keep pissing. After all, you have survived a full Thursday–Sunday Desertfest. You are kept buoyant by the achievement. Tomorrow you will awake broken. Tonight, you will slumber victorious, knowing you will do it all again next year.

But right now, it’s time for the best-tasting beer you have ever earned. Dixie Dave is roaming the bar in a determined daze, clutching a large inflatable giraffe/camel. I’m drunk enough to get over myself and grab him and apologise for being one of those annoying, demanding fans, but something has been bugging me for years and I need to know: the burning American flag on …And Justice For Y’all’s cover art, the lyrics in Jason… The Dragon (“Abandon ship, and burn that goddamn flag… burn that fucking flag”), among other anti-American sentiment sprinkled throughout their recorded output — that’s pretty ballsy stuff, coming from shitkicking North Carolina… Dixie explains he’s always been a punk, and those things are just an extension of his skateboarding, anti-authoritarian origins, and some other rapid, rasping, guttural mutterings I can’t decipher. Then, straight-faced, he says to me, without a hint of irony, “Y’know, Weedeater… I don’t get why people think we’re a stoner band”.

Daragh Markham has worked, attended and performed at Desertfest many times over the years, sometimes all at once. He’ll play with D-beat speed metal hellions Dungeon at this year’s edition.

PAR DARAGH MARKHAM

Soyons clairs : si vous pouvez survivre à un week-end à travailler au bar du Desertfest, vous pouvez travailler au bar n’importe où, dans n’importe quelle situation. Oubliez les autres festivals. Vous pouvez boire des pintes sur le pont pendant que le Titanic coule. Vous pouvez aligner vos tirs pendant qu’un champignon atomique, offert par Poutine/Biden/Kim Jong-fucking-un, se dresse au loin (les clients irradiés sous vos yeux, quel spectacle cela doit être…). Mais je suis à la dérive.

Alors ça commence comme ça : vous vous réveillez, les jambes encore douloureuses. Vous n’avez fermé les yeux qu’une minute et voilà que vous vous remettez sur pied, en vous avançant vers le front. Au moins, vous n’avez pas suivi vos collègues à leur afterparty spontanée de Slimelight (ils vont bientôt arriver, plus malades que Mike IX Williams en manque pendant l’ouragan Katrina).

Au bar, chaque matin du Desertfest commence par la course aux fûts. De quelle quantité de bière le point focal d’un festival a-t-il besoin chaque jour ? Autant que Matt Pike aime les aliens – beaucoup. Vous roulez, empilez, soulevez, emballez un nombre démesuré de fûts, la minuscule chambre froide est remplie à ras bord tandis que votre cerveau fatigué joue au Tetris des fûts en essayant d’organiser le tout pendant que vous transpirez les regrets de la veille.

C’est comme une préparation à la guerre, une stratégie pour chaque parcelle d’espace avant un autre assaut de toute une journée. Ils nous ont rincé de cette bière aigre à la pêche hier – il va falloir pousser quelque chose de fruité à l’avant aujourd’hui… Fortifiez-vous avec quelques shots de Bloody Mary et un Modelo pour le petit-déjeuner. Vous en aurez besoin. Pour qu’aujourd’hui soit un samedi. Ou c’est dimanche ? Oublie ça. Les quarts de travail de dix-huit heures ne nécessitent pas de noms de jour – ils sont tous synonymes de folie de toute façon.

C’est le mois de mai en Angleterre et cette année, miraculeusement, il ne pleut pas. Les foules s’accumulent dans l’allée devant, permettant à l’air d’entrer dans le bar. À midi, la salle à l’étage empeste la bière, le bourgeon, la BO et la barbe. Le volume est irréel. La capacité est largement dépassée là-haut, une file de personnes serpentant dans les escaliers, tous regardant vers la porte de la salle, où l’on ne voit que le dos des têtes. La chaleur corporelle et la glace sèche des machines à fumée flottent dans l’air stagnant comme la brume d’un film d’horreur Hammer. Oh, pour qu’une vampiresse à gros seins me prenne maintenant.

Ceux qui arrivent trop tard pour monter à l’étage se rassemblent autour du bar. Des victimes de l’acide. Défécateurs en série. Des étrangers curieux exigeant une série de shots de Bloody Mary. Les cadets de l’espace qui sont sous l’emprise de quantités obscènes d’herbe/champignons/bière/acide demandent à être pris en charge par votre personnel (c’est la deuxième année consécutive que cela se produit).

Les joueurs s’agrippent au bar, saisis par la brume indubitable de plusieurs nuits blanches accumulées, le sommeil bien mérité tournant autour, faisant signe comme un vautour. D’une minute à l’autre, les yeux de l’un d’entre eux vont se révulser, sa tête va tomber en avant, et son visage va heurter le comptoir du bar avec un gros choc. Et quelque part dans le bar, un garçon blanc et maigre est un peu trop pressé de clarifier le nom de la chanson d’Eyehategod qui passe, en criant l’épithète racial dans son titre assez fort pour faire sursauter les participants hébétés, éblouis et flamboyants de leurs rêveries de l’après-midi. Quelqu’un vient au bar pour nous informer qu’une pauvre âme/trou n’a pas réussi à atteindre les toilettes, choisissant plutôt de chier dans le coin du couloir menant aux chiottes. Une recrue recrutée dans l’un des pubs voisins est envoyée en mission de recherche et de destruction. Il revient dégoûté mais triomphant.

Dix minutes passent et quelqu’un d’autre nous informe de la présence de matières fécales. Il s’est avéré que l’homme aux oreilles humides avait simplement arrosé le monticule de déchets humains avec de la poudre désinfectante (de couleur bleue, destinée aux canalisations) et l’avait entouré d’un rouleau bleu, de sorte que le coin du couloir en question semble infesté par un tas d’excréments mutants aux taches bleues lumineuses, comme dans The Thing. Un renvoi déshonorant attend ce soldat qui n’a pas su gérer correctement le renvoi humain déshonorant.

Naturellement, un estomac fragile n’a pas sa place dans un bar. Mais ce week-end, mon régime sera composé de trois œufs scotch Quorn, d’une saucisse cocktail Quorn, de 63 Modelos et d’anxiété. Cela signifie que nous devons parler de la station d’en-cas – la tristement célèbre station d’en-cas du personnel, qui s’agrandit chaque année, derrière le bar.

Je parle de quatre bouteilles de vodka d’un litre, de quatre cartons de jus de tomate et de plusieurs paquets de bâtonnets de céleri. Je parle de trois grands sacs de chips tortilla, de diverses sauces salsa/guacamole/crème fraîche et de fromage à la ciboulette/nacho pimenté, ainsi que de pommes, d’oranges et de bananes. Je parle de petits pains, de tranches de fromage, de jambon et de tomates cerises. Je parle de roulés aux saucisses, d’oeufs écossais, de pâtes, de boulettes de poulet et de steaks. Et je parle très certainement de quatre à cinq TUBES DE HUMMUS ASSORTIS et de Modelos sans fin.

C’est comme ça qu’on gagne. Une armée marche sur son estomac, et mon unité n’est pas différente. Vers la fin de l’après-midi, un membre senior de l’équipe de Desertfest me regarde par-dessus le bar et me fait signe d’aller au bureau. Je hoche la tête en guise de confirmation et ouvre la voie, suivi du membre de l’équipe et d’un tiers inconnu traînant une valise à roulettes derrière eux. La porte se referme, et je les regarde tous les deux, attendant une sorte de présentation, une mise à jour de leur statut, ou une indication de la raison pour laquelle nous sommes tous les trois à l’étroit dans les confins de ce bureau.

Les deux m’ignorent et une transaction sordide se déroule sous mes yeux.

“Vous l’avez ?” demande le membre de l’équipe.

“Oh oui”, répond-on, avec un accent américain.

L’Américain dézippe la valise et sort deux sacs à fermeture éclair extra-larges, contenant six boîtes Tupperware hermétiques, trois dans chaque sac. Les boîtes débordent d’une substance beige-brun.

Mes yeux s’écarquillent, mon pouls s’accélère. “Est-ce que c’est…”

Le membre de l’équipe se retourne et me regarde en souriant. “C’est ça. Du houmous pur, non coupé, fait maison.”

Je déglutis. Dur. Le membre de l’équipe sort un laissez-passer d’artiste de sa poche et le place dans la main de l’Américain qui l’attend.

Il acquiesce et me sourit. “Je suis un artiste, mon frère.”

Je suis au courant de cette scène. “Oh ouais, moi aussi”, je fais un clin d’œil et hoche la tête en retour.

Un transfert clandestin de houmous ! Dans mon propre bureau ! Je suis complètement excité. Et, naturellement, pour son silence, votre garçon obtient une part de cette action. Je retourne au bar pour prendre un paquet de chips, puis je me précipite dans le bureau et dans la salle froide du baril pour me délecter, seul, de ma part de contrebande. Fuck yeah, je me murmure à moi-même, en trempant des chips dans un morceau de houmous serré dans ma main. Ça va bien calmer le jeu.

Daragh Markham a travaillé, assisté et joué à Desertfest de nombreuses fois au fil des ans, parfois en même temps. Il jouera avec le groupe de speed metal D-beat Dungeon lors de l’édition de cette année.

C’est la voix de la basse ce mois-ci chez Orange et on m’a demandé de recommander quelques albums qui célèbrent les meilleures lignes de basse connues de l’industrie musicale. J’ai décidé de choisir des albums parce qu’au fond, je suis un hipster qui écoute des vinyles et j’ai aussi du mal à choisir une chanson d’un album. Dans cette liste, j’ai choisi des chansons classiques, mais j’ai aussi essayé d’éviter les chansons évidentes comme “Another one bites dust”, qui a été oubliée, j’en ai bien peur.

Stone Roses – Stone Roses

J’ai choisi de mettre en avant son travail avec les Stone Roses (j’aurais pu choisir ‘Screamadelica’) et le premier album du groupe. La chanson d’ouverture “I Wanna Be Adored” commence par une cacophonie de sons, puis le grondement de la basse entre en jeu et fait entrer le reste du groupe. J’aurais pu choisir n’importe quelle chanson de cet excellent album, de la ligne de basse qui ouvre ” She Bangs the Drums ” jusqu’au riff de basse qui constitue le groove principal de l’album final de huit minutes ” I Am the Resurrection “. Ce qui m’impressionne le plus, c’est le groove qui traverse tout le jeu de Manny et la façon dont il est toujours en phase avec Reni. C’est l’une des meilleures sections rythmiques que j’aie jamais vues en concert.

Paul Simon – Graceland

Je m’étais promis de ne pas mettre de contrebasse dans aucune de ces sélections et j’ai déjà enfreint ma règle (je pense aussi qu’il y en a une autre plus tard). Mais pour ma défense, c’est grâce à la musicalité de l’album et la partie la plus remarquable est le jeu de basse, suivi de près par la batterie ! J’ai dû choisir comme exemple ‘You Can Call Me Al’ principalement à cause du solo de basse qui se produit à 3.44, oui je sais c’est un solo de basse slap mais parfois, juste parfois ils peuvent être bien faits. Tout au long de l’album, la basse est un élément clé de l’écriture des chansons, en particulier sur “The Boy in the Bubble” et “Graceland”, où elle occupe le devant de la scène avec des glissements et des battements soigneusement étudiés de la ligne de basse qui propulsent les chansons vers l’avant.

Lou Reed – Transformer

Transformer de Lou Reed est un grand disque pour de nombreuses raisons différentes, la ligne de basse iconique qui compose le morceau le plus célèbre, Walk on the Wild Side, étant l’une des principales raisons. Le son emblématique a été créé par des lignes de basse entrecroisées jouées sur une contrebasse, puis par la superposition d’une ligne de guitare basse. Herbie Flowers, qui jouait de la basse sur le morceau, a eu l’idée de faire payer le double pour son travail sur le morceau ! Herbie a joué de la basse sur la plupart des morceaux à l’exception de “Perfect Day”, “Goodnight Ladies”, “Satellite of Love” et “Make Up” sur lesquels Klaus Voorman a joué. Si vous n’avez pas écouté cet album (où étiez-vous ?), je vous le recommande vivement.

Alexisonfire – Vieux corbeaux/jeunes cardinaux

Décrit par le groupe comme étant “f**king heavy”, le dernier album d’Alexisonfire avant son hiatus s’ouvre sur le son de basse grisonnant de “Old Crows”. L’album est plein de grands moments de jeu de basse avec Chris Steele qui se verrouille avec le batteur Jordan Hastings tout au long de l’album. J’ai choisi ce titre principalement en raison du ton qui le fait démarrer. Un autre point fort de l’album est le groove fermé de “The Northern”. Ce morceau au rythme légèrement plus lent se situe au milieu de l’album et possède un son de basse et un groove classiques.

Rage Against The Machine – Rage Against The Machine.

Ce ne serait pas une liste sans Rage Against the Machine ! Mais on ne peut pas avoir une liste de basses sans Timmy C de Rage Against the Machine. Cet album comporte tellement de points forts pour un joueur de 4 cordes que c’est un cours magistral sur les différentes techniques. Du début de “Bombtrack” avec le jeu de doigts staccato à la basse slap de “Take The Power Back” (désolé pour les basses slap). Cet album devrait être enseigné à tous les bassistes ! J’ai choisi “Know Your Enemy” parce que la ligne de basse a un tel groove et une telle démarche dans l’intro, puis elle se transforme en une ligne de basse qui marche pour le couplet avec une telle facilité. L’album est plein d’une telle musicalité, du début à la fin, ce n’est pas seulement un grand disque mais un disque de basse exceptionnel.

fin.

J’ai donc manqué beaucoup d’autres grands disques pour basse, je sais, mais j’ai décidé de n’en choisir que cinq pour que vous puissiez commenter et m’en dire plus. Peut-être avez-vous trouvé des enregistrements qui vous avaient échappé et cela vous incite à les vérifier. Laissez dans les commentaires vos recommandations et je les vérifierai !

Devant Reckless Records sur Berwick Street à Soho, Londres.

Une fois de plus, le Record Store Day est à nos portes, une journée pour célébrer la musique sous forme physique, tout en aidant les musiciens à mettre le repas sur leur table. Le Record Store Day a été créé pour “célébrer la culture des magasins de disques indépendants”, et il en est maintenant à sa 11e année après son lancement en 2008. Même si j’adore le Record Store Day et l’idée qui se cache derrière, je dois admettre que j’ai tendance à faire mes achats à des moments plus calmes, lorsque je ne dois pas faire la queue pour entrer dans un magasin. Que puis-je dire, je suis une femme de loisirs ! Je préfère que mes disques soient achetés tranquillement sans que personne n’attende impatiemment que je finisse de feuilleter la section des années 70. En l’honneur du Record Store Day de cette année (comme je l’ai fait pour le dernier), j’ai passé en revue ma collection de disques pour choisir mon Top 10 actuel. Je dis actuel, car ces choses changent, et ma collection ne cesse de s’agrandir. Je vois une légère tendance à ce que tous les albums soient sortis entre 1968 et 1978, donc toute recommandation ultérieure est la bienvenue !

Free – Tons of Sobs
Libéré – 1968
Acquis – Sister Ray Soho, Londres

Le premier album de Free en 1968, Tons of Sobs est peut-être l’un de mes albums préférés et le fait qu’ils soient tous moins de 20 ans au moment de l’enregistrement me dépasse ; un Paul Rogers de 19 ans (avec des paroles sexy et sulfureuses telles que “You don’t need your horses baby, you’ve got pour monter à cheval, tu n’as pas besoin de ton lit, je te tiendrai chaud à l’intérieur”), un dix-septième Paul Kossoff, 19 ans, à la guitare, Simon Kirke, 19 ans, à la batterie. et le petit Andy Fraser à la basse et aux claviers, à l’âge de seulement seize ans, fait On se demande ce qu’ils mettaient dans l’eau à l’époque, certainement pas des médias sociaux. et internet, c’est sûr. Quoi qu’il en soit, durant la courte carrière du groupe, ils ont se sont révélés être l’un des grands groupes de blues britanniques de la fin des années 60. et au début des années 70, et “Tons of Sobs” en est la preuve.

Human Instinct – Années brûlantes
Libéré – 1969
Acquis – Reckless Records, Londres

S’en tenir aux années 60 blues, cette fois-ci un an plus tard que la précédente et en provenance du monde entier dans le cadre du Human Instinct ” de Nouvelle-Zélande et leur premier album ” Burning Up “. Années’. Le groupe s’est distingué parmi ses pairs grâce à son batteur debout /… le chanteur Maurice Greer, qui, jusqu’à ce jour, est toujours actif au sein du groupe, ainsi que comme le guitariste Billy TK qui était connu comme le “Māori Jimi Hendrix”. L’album, qui comporte également des éléments de psychédélisme, comprenait plusieurs reprises telles que The You Really Got Me” des Kinks ainsi que “Everybody Knows This is” de Neil Young. Nulle part”. L’album n’a jamais été aussi populaire que son successeur, “Stoned Guitar”, mais… c’est toujours une perle absolue qui mérite d’être écoutée.

Slade – En vie !
Sorti : 1972
Acquis : Magasin de seconde main

Quand on parle de Slade, c’est Il est presque impossible de ne pas penser à leur tube de Noël “Merry Christmas”. Tout le monde” et je veux dire, avec une bonne raison, c’est un grand air pop et il est joué un peu partout. des millions de fois à la radio chaque Noël. Cependant, Slade est tellement plus que C’est ce que prouve leur album live de 1972, “Slade Alive !”. L’ensemble du est excellent car il combine à la fois des ballades et du boogie, mais le morceau d’ouverture vaut à elle seule que ce disque soit dans mon top 10 ; une reprise époustouflante de Ten La chanson ” Hear Me Calling ” de Years After, les harmonies, les montées en puissance et l’absolu… explosions, la chanson elle-même est une force de la nature et je ne peux même pas imaginer les l’excitation d’être dans ce public.

Agnes Strange – Saveur étrange
Sortie – 1975
Acquis – Stand de Flashback Records à l’extérieur de Black Heart pendant Desertfest Londres 2019

Les trois boogies rock de Southampton pièce Agnes Strange n’a sorti que cet album complet, et plus tard le une compilation intitulée “Theme for a Dream”, qui contenait des inédits et des photos. démos. Strange Flavour” a une saveur étrange mais délicieuse. contient autant de boogie que de blues, ainsi que des morceaux de Hawkwind. sur “Travelling” et des jams psychologiques, des solos et de jolies harmonies sur “Loved”. Un.

L’arc-en-ciel – L’ascension
Sortie – 1976
Acquis – Acheté d’occasion pour le prix exorbitant de 3 £.

J’ai d’abord été présenté à Ritchie Blackmore à travers Machine Head de Deep Purple, avant que mon père ne s’asseye plus tard m’a fait descendre et mettre Rainbow Rising vers l’âge de quatorze ans, en déclarant : “C’est l’un des meilleurs albums de ce genre, écoutez.”, et j’ai écouté, et c’est vrai. il l’était, comme d’habitude. La chanson d’ouverture “Tarot Woman” donne le ton de l’album. et est devenu un favori personnel instantané avec “Starstruck”, et bien sûr, la pièce maîtresse symphonique de huit minutes et vingt-six secondes du disque, Stargazer”, avec l’Orchestre philharmonique de Munich. C’était l’arc-en-ciel à à son meilleur, alors qu’ils étaient encore dirigés par la regrettée et grande centrale d’énergie d’un… mec, Ronnie James Dio,

T2 – Tout s’arrangera au Boomland
Libéré – 1970
Acquis – Un disquaire californien

L’album “It’ll All Work” de T2 (1970) out in Boomland” est probablement ce qu’on pourrait appeler un chef-d’œuvre progressif, qui est à la fois doux, mélodique, mélancolique et lourd. Le T2 devrait être en place en discutant avec des gens comme King Crimson, ainsi qu’en transportant Pink Des éléments de type Floyd et quelques influences de heavy rock. Ma toute première rencontre avec le groupe était le troisième titre “No More White Horses”, qui a été suffisant pour que je commence la chasse pour ajouter l’album à ma collection. Le dossier ne compte que quatre chansons, la quatrième et dernière, “Morning”, étant une chanson de 21 euros. longue épopée d’une minute à travers tous les éléments mentionnés ci-dessus.

Rory Gallagher – Carte d’appel
Sortie – 1976
Acquis – Apollon, Bergen

Rory Gallagher premier s’est fait un nom en tant que guitariste et membre fondateur de Taste, avant d’être plus tard se lancer en solo et enregistrer et sortir sous son propre nom. Carte d’appel est le huitième album studio de Gallagher et montre qu’il ne cesse de s’améliorer. avec le temps. En 1972, il a été élu meilleur guitariste international de l’année par Melody Maker. de l’année, devant Eric Clapton. Découvrez également son album “Live in Europe”, “I could’ve had Religion” est la plus belle des chansons de blues.

Judas Priest – Stained Class
Sortie – 1978
Acquis – Cadeau de mon père

Judas Priest était et est toujours l’un des groupes de heavy metal les plus influents que le monde ait connu. et est toujours en activité aujourd’hui. Leur quatrième album “Stained Class” est absolument… spectaculaire et a ouvert la voie à tant de groupes après eux, et est aussi souvent cité comme étant leur meilleur disque jamais enregistré. Un must pour les fans de heavy metal !

Hawkwind – Space Ritual
Sortie – 1973
Acquis – Boutique vintage de Brighton (pour le prix modique de £4 !!)

Le fait que j’ai réussi pour que Rainbow’s Rising et Hawkwind’s Space Rituals fassent partie de mon disque. collection pour le coût total de £7 est juste insensé, prenez mon argent ! Ce site Ce bijou en deux disques de la grande époque d’Hawkwind présente Lemmy à la basse avant qu’il ne soit renvoyé. du groupe, et vous donne un minuscule aperçu de la folie que cela représente. doit avoir vu les space kings en concert dans les années 70 car il a été enregistré sur le route à Londres et à Liverpool.

Thin Lizzy – Live and Dangerous (en anglais)
Sortie – 1978
Acquis – Acheté d’occasion

Live and Dangerous de Thin Lizzy est un double album live enregistré à Londres, Philadelphie et Toronto en 1976 et 77 avant de sortir en 1978. Depuis que j’ai écouté cet album pour la première fois, j’ai eu du mal à revenir à leurs albums de studio, car l’énergie brute déployée sur ce disque n’a jamais pu être transférée de la scène au studio. “Y a-t-il quelqu’un ici qui a un peu d’irlandais en lui ? Est-ce qu’il y a des filles qui aimeraient avoir un peu plus d’irlandais en elles ?” Phil Lynott demande poliment avant de se lancer dans une longue version jammy de “Emerald” de 1976, qui est l’un de mes préférés, ainsi que “Suicide” et “Johnny The Fox meets Jimmy the Weed”, pour n’en citer que quelques-uns. Dans l’ensemble, l’album montre l’un des meilleurs groupes de rock ‘n’ roll que je connaisse à son apogée absolue.

Je m’appelle Daniel et je suis à Orange depuis près de quatre ans et demi, quand on dit ça comme ça, on dirait une peine de prison ! Au fil des ans, j’ai eu le plaisir de m’asseoir et de discuter avec de nombreux artistes dans le cadre de mon rôle de responsable des relations avec les artistes européens chez Orange. J’ai grandi en écoutant beaucoup de ces artistes, et je suis conscient d’avoir beaucoup de chance. Je me suis donc dit que j’allais vous présenter quelques-unes de mes interviews préférées et leur contexte.

Tim de Prophets of Rage

Je suis un fan de Rage Against the Machine depuis aussi longtemps que je me souvienne. Je les ai vus et j’ai failli mourir dans la fosse au festival de Reading 2008 et cela reste l’un des meilleurs spectacles que j’aie jamais vus. Alors quand il y avait une chance d’interviewer Tim de Prophets of Rage, j’ai sauté sur l’occasion, nous étions dans la zone des artistes du Download Festival en 2017 et nous avons réussi à obtenir 10 minutes du temps de Tim. Tim était un gentleman et un professionnel complet, parlant avec un réel enthousiasme de son style de jeu de doigts et de la façon dont il pense que l’avènement de YouTube aide à enseigner aux nouveaux joueurs. Ce qui m’a aussi beaucoup plu dans cette interview, c’est que même après de nombreuses années dans le secteur, il aime toujours jouer de la musique dans un groupe. Peu de temps après l’interview, j’ai pu voir le groupe détruire la scène principale du festival et j’ai pu constater que le groupe n’a rien perdu de son groove original lorsque Tim et Brad s’enferment. Le fait que Tim utilise un AD200 en concert est pour moi l’un des meilleurs bassistes que nous ayons sur notre liste.

Brian “Head” Welch de Korn

J’ai fait tout le chemin jusqu’à Nottingham pour cette interview… ou peut-être Birmingham, en tout cas ce n’était pas dans la chaleur de Londres. Mais cela valait la peine de s’asseoir et de bavarder avec notre nouveau supporter Brian de Korn. Brian venait de commencer à jouer avec la tête Rockerverb MKIII, après que son technicien guitare soit venu discuter avec nous au festival l’année précédente. Le Rockerverb était dans l’équipement de Brian et j’ai apprécié d’entendre comment il l’appelait “Buttery tone” et aussi comment le groupe inconnu de nous tous chez Orange a utilisé notre équipement depuis le début des années 90 sur leurs disques. Jim Root reçoit également une mention honorable de Brian et non seulement l’interview a été formidable à tourner mais l’émission a été très amusante. L’éclairage était parfait pour les prises de vue et j’ai pu obtenir de belles images en direct. En plus de cela, le groupe jouait à l’affiche avec ” Madball ” et ” Limp Bizkit “, ce qui est une raison suffisante pour conduire partout au Royaume-Uni pour aller les voir.

Pepper Keenan de Corrosion of Conformity

Pepper est un guitariste que j’ai suivi à travers ses nombreux groupes et projets différents, mais j’ai toujours pensé que, pour moi, COC était l’apogée de son travail. Lorsqu’il s’est joint à nous il y a quelques années, j’ai tout de suite acheté des billets pour le spectacle à l’Electric Ballroom, car je ne pouvais pas le manquer. Avec Orange et mon précédent emploi, j’ai travaillé de temps en temps avec Pepper, mais j’ai finalement pu l’interviewer comme il se doit l’année dernière, lorsque le groupe est venu en ville. On sait toujours qu’avec Pepper, on aura une super interview et sa description dans des interviews précédentes des amplis Orange comme “caresser un serpent” m’a toujours fait rire. Dans cette interview, vous pouvez vraiment voir son amour pour Orange, et je peux honnêtement dire qu’il l’a fait avec un minimum de sollicitation. Je n’ai eu qu’à demander “Que pensez-vous d’Orange?” et à laisser la caméra tourner pour qu’il devienne lyrique !

Matt Pike de Sleep, High OnFire

C’était une demande d’interview de dernière minute, je me souviens qu’on m’a demandé si je pouvais me rendre à Kentish Town pour discuter avec Matt Pike, et je ne pouvais vraiment pas dire non ! Quelques heures plus tard, j’étais l’une des seules personnes dans un forum vide de Kentish Town (capacité de 2,5 000 personnes) à entendre le soundcheck de Sleep. C’est toujours l’une des choses les plus bruyantes que j’aie jamais entendues, j’étais debout devant un mur d’amplis Orange qui tournaient à plein régime, pendant que Matt déchiquetait. Après avoir récupéré, j’ai pu discuter avec Matt pour savoir exactement comment il contrôle cette quantité de bruit. Sa compréhension des fréquences de la guitare et du feedback était l’un des points les plus intéressants de l’interview, il a parlé pendant au moins 10 minutes de l’intégration de différents amplis dans le mixage et de la façon dont ils peuvent être utilisés pour projeter différentes fréquences. En y repensant, il y a encore tellement de choses de cette interview que je n’ai pas pu mettre dans le montage. Le spectacle du groupe ce soir-là était un chef-d’œuvre de stoner rock et a fait trembler tout le bâtiment. C’est toujours l’une de mes interviews vidéo préférées que j’ai réalisées, car je suis personnellement très intéressé par le processus de réflexion sur la construction d’amplis massifs.

Jim Root de Slipknot

Jim Root est un guitariste que j’écoute depuis le premier album de Slipknot et lorsqu’il est entré dans le portacabin au Download, j’ai été stupéfait de voir à quel point il était amical et drôle, mais aussi à quel point l’ampli qu’il branchait sonnait exactement comme le disque. Il venait essayer le nouveau Rockerverb 100 MKIII qui venait de sortir et s’est assis avec une de ses guitares personnelles et a joué pendant au moins une ½ heure. Il ne s’est arrêté que pour me raconter comment, plus tôt dans la semaine, il avait fait un jam avec Josh Homme en jouant le classique “Better Living Through Chemistry”. Ensuite, il y a eu l’interview et le playthrough, qui a consisté à jouer tous les tubes de Slipknot à la perfection. Après l’interview, Jim était tellement amoureux de l’amplificateur qu’il l’a pris pour jouer ce soir-là devant 120 000 personnes, quelle façon d’essayer un nouvel ampli ! C’est l’une de mes vidéos préférées parce que, d’une part, c’est la plus populaire et, d’autre part, elle n’est pas de très bonne qualité (une prise de vue est faite par la caméra d’un téléphone !) mais elle fonctionne quand même. Le jeu de Jim est génial et il parle avec son cœur, nous devons vraiment filmer une nouvelle vidéo de Jim Root !

Sergio Vega de Deftones

Honnêtement, je pense que Deftones est l’un de mes groupes préférés, ils combinent tellement d’éléments différents de la musique que j’aime et je pense qu’ils ont toujours fait d’excellents albums, de leur première à leur dernière sortie. Le fait de pouvoir discuter avec eux de leur matériel, de regarder leur équipement de tournée et, parfois, de les voir répéter pour les concerts, est quelque chose que j’ai dû garder à l’esprit pendant ces périodes. Je pense que c’était la deuxième ou troisième fois que je photographiais Sergio et c’était en fin de journée avec le groupe alors qu’ils répétaient avant le spectacle Meltdown de 2018 au Southbank à Londres. Nous avons parlé de son utilisation d’Orange dans Deftones et Quicksand, Sergio a également joué quelques-unes de ses lignes de basse préférées de sa carrière. La raison pour laquelle ce film est l’un de mes préférés est que je pense qu’il a été très bien réalisé, la journée a été longue mais tout au long de celle-ci Sergio a été amusant et un vrai pro pour obtenir les bons plans et les bons sons.

Nos pensées vont aux amis de Bruce, à sa famille et à tout le personnel de Blackstar Amplification. Un autre grand esprit a été enlevé à l’industrie de la musique et à un âge beaucoup trop jeune. Nous aurons toujours le plus grand respect pour le travail innovant et créatif que Bruce a apporté à l’industrie britannique de l’amplification. Il nous manquera beaucoup.

– de Cliff Cooper et du reste de la famille Orange.

Le texte ci-dessous est tiré de la déclaration publiée par Blackstar sur sa page Facebook le mardi 21 septembre 2021 :

https://www.facebook.com/blackstaramps/

Le mardi 14 septembre, Blackstar a reçu la triste nouvelle du décès de notre cofondateur, mentor technique et ami Bruce Keir. Il est mort paisiblement avec sa famille à ses côtés.


Bruce était malade depuis un certain temps, souffrant d’une forme précoce de la maladie d’Alzheimer. Bruce est né à Singapour le 12 janvier 1961 de parents Jill et Jock. Il laisse dans le deuil son frère et sa sœur Bill et Jane et ses enfants jumeaux Elly et Archie.

Le père de Bruce était un ingénieur radio de premier plan de la BBC et le fait de grandir sur la station relais BBC World News en Malaisie a donné à Bruce l’occasion (et des composants mis au rebut) de poursuivre sa passion pour l’électronique dès son plus jeune âge.


L’intérêt précoce de Bruce pour l’électronique audio et la guitare a été inspiré par son amour de la musique rock et par le groupe de rock à succès de son frère aîné Bill, Wolf. Il a acquis sa première expérience des vannes en travaillant sur les vieux Marshall de Bill.
L’enseignement formel de Bruce en électronique a eu lieu à l’université de Salford, où il a complété ses revenus de bourse chez lui, à Cumbria, en réparant l’équipement des groupes locaux et en concevant l’électronique des légendes de la basse artisanale Overwater. Il a également créé sa propre entreprise, Excel Electronics Ltd, dans le grenier de la maison de ses parents à Cumbria.
Après avoir obtenu son diplôme, Bruce s’est installé à Milton Keynes et a commencé à travailler pour Marshall Amplification. Il a commencé sa carrière en tant qu’ingénieur de conception avant de devenir ingénieur en chef puis directeur de la conception, travaillant directement avec Jim Marshall pendant plusieurs années. Au cours des années 80 et 90, il a été à l’origine de nombreuses percées technologiques et produits phares de Marshall.


C’est à Marshall, à la fin des années 90, que Bruce a rencontré Ian Robinson, Paul Hayhoe et Richard Frost (les quatre hommes chauves) avec lesquels il a finalement formé Blackstar Amplification en 2007.


Bruce avait une connaissance encyclopédique de tous les aspects de l’électronique qui dépassaient les frontières traditionnelles de la technologie des semi-conducteurs, des valves et du numérique. Il préconisait une “approche d’ingénierie appropriée” qui contrastait avec le “gourouisme” qui est souvent prédominant dans la conception d’amplis de guitare – Blackstar adhère à ces valeurs aujourd’hui.


Bruce a été extrêmement généreux en partageant ses connaissances et a servi de mentor à de nombreux ingénieurs en électronique en devenir, dont le directeur général de Blackstar, Ian Robinson, et le directeur technique, Laurent Veignal.


Bruce a conçu tous les produits Blackstar originaux, notamment Artisan, Series One et HT Pedals, avec moi dans l’abri de jardin de Ian à Northampton. Bruce a été le moteur technique de toutes ces conceptions qui ont abouti à trois brevets. Il a également conçu les algorithmes numériques originaux qui sont devenus ID:Series et qui constituent le fondement de notre force numérique actuelle.


Sous la direction de Bruce, Blackstar a mis en place un centre de recherche et développement de premier plan en matière de technologie de la guitare, qui investit constamment dans la recherche sur la technologie de la guitare et l’innovation.


En plus d’être un partenaire commercial et un mentor, Bruce était également un ami très proche et a joué de la basse dans un groupe avec l’équipe fondatrice de Blackstar (y compris le directeur marketing Joel Richardson) pendant des années.

Au fil des ans, Bruce a été une source d’inspiration pour de très nombreuses personnes et ceux qui l’ont rencontré se souviendront de la chaleur, de l’humour et de la gravité d’un individu vraiment unique. Blackstar veillera à ce que son héritage soit rappelé, protégé et renforcé.

La famille de Bruce et Blackstar n’ont pas souhaité recevoir de fleurs, mais ont créé une page Just Giving pour les dons à la société Alzheimer.

Veuillez faire un don via ce lien : https://www.justgiving.com/fundraising/brucekeir

Vous pouvez laisser vos hommages, histoires et expériences de votre temps passé avec Bruce ici : https://www.mykeeper.com/profile/BruceKeir/.