Juan Francisco Ayala, également connu sous le nom de Paco Ayala, est un musicien mexicain connu pour être le bassiste et le chanteur du groupe de rock mexicain Molotov.

Dans cet entretien avec Danny Gómez et Ed Navarro de Legato Sales, notre distributeur en Amérique latine, Paco nous parle de sa carrière, des années de pandémie et de ses projets pour le groupe. Il nous raconte également comment il a trouvé son son avec les amplis Orange et détaille son matériel.

Restez à l’écoute pour une vidéo sur le montage très bientôt avec Paco !

L’histoire colorée d’ Orange Amplification est célébrée dans trois nouvelles vidéos mettant en scène le légendaire ingénieur du son Colin Norfield, le célèbre ingénieur du son John “JJ” James et le respecté concepteur de caissons Mick Dines.

Dans les années 70, Orange Amplification a créé Orange Hire pour assurer la sonorisation et l’accompagnement des grands festivals en plein air tels que Reading et l’île de White. Bassiste Colin Norfield était l’homme idéal pour gérer cette entreprise. C’est ainsi qu’il est devenu l’un des spécialistes pro-audio les plus emblématiques de notre époque. La liste des tournées prestigieuses auxquelles il a participé comprend Diana Ross, Toto, Iron Maiden, Pink Floyd, Zucchero et sa relation avec David Gilmour dure depuis plus de cinq décennies.

Un bricoleur et un briseur de règles principalement autodidacte, John “JJ” James a été responsable de la conception de la plupart des produits de la société jusqu’en 1979, y compris l’amplificateur innovant “Pics Only” synonyme de la marque. Lorsque l’usine de Bexley Heath a fermé ses portes en 1979, James a commencé à travailler avec Brain Hatt, ingénieur en chef aux Orange Studios, avant de passer plus de quarante ans à gauche de la scène pour des concerts de classe mondiale, dont ceux d’Eric Clapton, Queen + Adam Lambert, Joe Satriani, Robbie Williams et bien d’autres.

Mick Dines Mick Dines a travaillé chez Orange Amplification de 1968 à aujourd’hui et a été le directeur général d’Orange Amplification dans les années 70. Il a utilisé son expérience en tant que bassiste de tournée pour rendre les cabinets de l’entreprise solides et robustes. Il a également introduit la façade caractéristique “Basketweave”, le matériau qui a contribué à définir le son “Orange ” distinctif. Les connaissances de Dines en matière de guitare basse ont joué un rôle déterminant dans l’évolution de la société vers le marché des amplis pour basse avec l’introduction du légendaire coffret à réflecteur 2×15″ utilisant le design parabolique le plus moderne avec deux énormes haut-parleurs 15″ dos à dos pour maximiser le volume.

Ces vidéos divertissantes et instructives explorent une époque où ces experts dans leur domaine étaient ‘juste en train de faire des trucs’ que ‘à laquelle personne n’avait pensé” etPour visionner la vidéo de Colin Norfield, veuillez consulter le site suivant https://youtu.be/Srvoi9hfp8g, la vidéo de John “JJ” James https://youtu.be/Fmp6ctbBy9o et la vidéo de Mick Dines https://youtu.be/ahlJ9Teedbw. Pour en savoir plus sur l’histoire d’Orange Amplification, veuillez consulter le site https://orangeamps.com/history/.

Orange 4 Stroke 500 LTD est finalement sorti le 1er juillet. Oui, beaucoup d’entre vous ont peut-être vu Hinatch en jouer sur scène. Cette nouvelle tête d’ampli signature est de couleur orange avec son logo “Extreme !”.

を教えて下さい。Quel a été l’impact initial sur vous lorsque vous avez découvert les amplis Orange, qu’il s’agisse d’une tête d’ampli ou d’un caisson ? 日向:まず、凄いナチュラルだなと思いましたね。ナチュラルだし、凄く芯のあるローが出るっていうのが最初の印象でした。オレンジに出会う前は結構アンプに迷ってて、試行錯誤した結果、ロー感とか一度自分の中で完成したなって思ってたんですよ。でも、オレンジに出会ってその完成したと思っていたものを覆されたと言うか。よりベースの音を届けやすくなった感覚っていうのが凄くありまして。余計なローが全く無いって言うか。そこらへんがすごくびっくりしました。My L’impression était que c’était un son grave extrêmement naturel et épais. Je passais par de nombreux amplis à cette époque et j’essayais de trouver mon son de basse fréquence. Juste au moment où je pensais l’avoir trouvé, je suis venu jouer avec un ampli Orange. Ensuite, il n’y a pas eu de retour en arrière. J’ai immédiatement senti que la basse fréquence pouvait facilement traverser. J’appelle ça un son de basse pure. J’étais juste étonné.

トレードマークになっている「極」の由来を教えてください。How comment est née votre devise “Extreme” ?日向:英語で言うと「極める」ってどういうことを言うんでしょうね。物事を「マw スター」とかそういう感じなのかな。その道をマスターするっていう意味合いを一文字で表すことが出来る漢字かなと思って。「極める」っていうのはベーシストとしてもそうだし、すべてそうです。ずっと追いかけていくって大事なことだし、そういうのを志してるっていうところでの漢字一文字ですかね。I ne connaît pas le mot exact en anglais. Ce caractère japonais “extrême” signifie aussi atteindre le sommet ou maîtriser complètement. Il s’applique à tout, y compris à la guitare basse. Il est important de le poursuivre avec ambition. Ce caractère dit tout.

4 Stroke 500 LTD HINATCH “極 “はいつもどのようなセッティングで使用しているのしょうか?Could vous nous dites votre réglage de 4 Stroke 500 LTD ?
日向:アンプのセッティングなんですけど、大体いつも12時にするんですよ。12時にして、オールフラットの状態でまず鳴らしてみて、そこから耳につくところの音域を減らしていきます。例えばちょっとローが出過ぎてるんで、これを減らしていく。こうすると自然なボトム感と言うか、出てきますよね。で、ちょっとミドルも痛いんで、コンコンいっちゃう。このコンコン言うところをはしょる。そうするとナチュラルになってますよね。基本的にもう、減らしていくだけですね。(EQがフラットの状態でも)ハイもしっかり出てるんで。まずは12時にして、オールフラットにしてから、いらない音域をどんどん削っていくみたいなセッティングをしています。I Je commence généralement par tout mettre à 12 heures, tout est plat, et je l’écoute. Ensuite, j’ajuste pour réduire ce qui reste dans mes oreilles. Par exemple, je baisse le volume lorsque j’entends trop de basses ou que les médiums sont trop forts. Cela devient un son de basse naturel. Mon approche consiste toujours à réduire les plages inutiles à partir de 12 heures. Vous pouvez toujours obtenir des hautes fréquences solides.

コンプはどのように使用しているのでしょうか?How utilisez-vous un compresseur intégré sur le 4 Stroke 500 LTD ?
日向:コンプが付いてるんですけど、薄ーく掛けてるんですよね。結構ガッツリ掛けるとサンプリングされてるベースの音みたいな(笑)、音まで出せるんで面白いんですけど、これだと掛かり過ぎてダイナミクスがあんまり出ないんで、薄くかけといてから、エフェクターを踏んだときのコンプの掛かり方がすごいこれ気持ちいいんですよ。歪ませたりとか。だから、エフェクターを割とハイゲインのボンって踏んだときにモチっと着いてきてくれるようなコンプの感じが良いんで薄く掛けてます。すごい効くと思いますこのコンプ。素晴らしいです。This L’amplificateur est équipé d’un compresseur. Et je le mets à peine. Si je monte le son, cela peut produire un son très épais qui ressemble presque à une basse d’échantillonnage. Mais cela réduirait la dynamique. J’aime mettre juste assez de compression pour que d’autres pédales d’effets, comme la distorsion, soient activées et complètent bien le son. Je pense que c’est un superbe compresseur.

このモデルの魅力や遊び方について教えて下さい。What est, selon vous, la caractéristique la plus attrayante du 4 Stroke 500 LTD ? Et comment aimeriez-vous en jouer ?
日向:極端な話、EQもすごい効くんで。こんな音まで(笑)出ちゃうっていう。ハイとかも、例えばめっちゃ絞ったりするとちょっとヴィンテージっぽい音から、ハイだけでも全然違う。これだけEQが効くって言う。シンプルだけにすごく効くって言うか。そういうのすごく大事だなと思います。いっぱい目盛りが付いてて何していいか分かんないってアンプも中にはあったりして。それよりもすごいシンプルで効くって言うのはサウンドメイクしやすい。だからいろんな音域を出して試してみるっていうのもすごく面白いと思います。後はさっきやったみたいにコンプをめっちゃガッツリ、鬼のようにコンプ出してサンプリングしたみたいなベースの音を出すのもすごく楽しいんじゃないかな。このままレコーディングしても、レコーディングとかだったらす Pour moi, c’est l’efficacité de l’égaliseur. Vous pouvez créer toutes sortes de sons en réglant les différents niveaux de l’égaliseur. J’ai trouvé que vous pouvez obtenir un son de basse vintage en coupant les hautes fréquences. Contrairement à certains amplis qui comportent de nombreux boutons et encoches, ce modèle est très simple à utiliser. Et vous pouvez toujours obtenir le son que vous voulez après avoir ajusté les différentes fréquences. Encore une fois, n’oubliez pas à quel point le compresseur est propre et puissant sur ce modèle. Vous pouvez maximiser l’effet pour vos sessions d’enregistrement. Ainsi, le son d’échantillonnage est très pratique lorsque vous jouez des basses claquées. Il fonctionne très bien !

Hinatch Kurosawa / Profil de l’artiste Orange.

Holy Death Trio par Rene Dominguez / @renphotogs

Hé John ! Que peux-tu nous dire sur ton groupe Holy Death Trio ?
Holy Death Trio est une force créative de heavy rock à haute énergie formée à Austin au Texas en 2019. Nous sommes une fusion de tout ce qui fait vibrer et qui fait du bien à l’âme. Nous sommes fiers de faire de la recherche et du développement sur l’industrie musicale actuelle et de connaître notre histoire musicale, de Liszt et Mozart à Motown et aux Beatles, en passant par les années 60, 70 et 80, et de savoir pourquoi le hair metal était destiné à échouer et pourquoi Seattle allait déclencher une révolution sans merci. Nous aimons parler de l’histoire de la musique, alors, si vous lisez ceci, débattez avec nous !

Vous avez sorti votre premier album Introducing pendant la pandémie, pouvez-vous nous en parler ?
On dit qu’on a toute sa vie pour enregistrer son premier album et seulement un an pour enregistrer le second, et cet album donnait l’impression de contenir toute une vie de musique, avec des chansons que j’ai écrites en 2013. Cela, mélangé aux choses de la vie que nous avons traversées, comme combattre l’ego et faire face aux opposants. Cet album a été un travail d’amour et de folie. Nous étions déterminés à être différents mais fidèles à nous-mêmes – nous ne voulions pas être un autre groupe de reprises de Sleep.

Ceci étant dit, nous avons rencontré un gars vraiment génial et authentique du nom de Charles Godfrey (Scary American) qui a travaillé aux légendaires Sonic Ranch Studios pendant 10 ans et a enregistré des albums incroyables, en plus d’avoir un album numéro un au Billboard qu’il a lui-même conçu et produit ! Combien de groupes peuvent dire qu’ils ont enregistré avec quelqu’un qui a fait un album numéro un ?

Nous avions la recette du succès : un groupe talentueux, un producteur talentueux et la volonté de faire un grand album. Nous étions déterminés à le sortir nous-mêmes en finançant nos propres campagnes de presse, et en faisant cela, nous avons attiré Blasko (Ozzy Osbourne, Rob Zombie, Danzig etc.) à la fête. Il nous a aidé à obtenir un contrat d’enregistrement avec Ripple Music. et c’est ainsi qu’est né Introducing.

Holy Death Trio par Levi Guzman / @dreamthorp.

Comment avez-vous fini par signer avec Ripple music, et comment s’est passée votre collaboration avec eux ?
Nous avons été découverts par un bon ami à nous, Bucky Brown. Il a vu une vidéo de nous jouant une version live de notre tube heavy blues The Killer et l’a envoyée à Todd Severin de Ripple Music, mais nous étions réticents à signer avec un label. Personne ne possédera notre musique ! C’est ce que j’ai toujours dit, mais heureusement, Ripple n’a pas pour vocation d’escroquer les musiciens.

Nous avons joué au téléphone pendant un mois ou plus, et nous savions que Ripple nous conviendrait parfaitement. Finalement, l’univers a permis le coup de fil parfait avec Todd et le groupe le soir du nouvel an 2020, juste après avoir terminé l’enregistrement de l’album. Il a insisté pour que nous parlions au moins à Blasko, et si nous ne nous sentions toujours pas à l’aise pour signer, il nous a dit de ne pas nous inquiéter et qu’il serait toujours là pour nous soutenir.

Mais Blasko nous a fait une offre incroyable et nous a assuré que nous serions propriétaires à 100 % de notre musique et qu’il irait au-delà pour s’assurer que la présentation de l’album (illustrations, conception de la couverture, formats) soit prise en charge.

Maintenant que le monde s’ouvre à nouveau, quel effet cela fait-il de reprendre la route ?
C’est une malédiction et une bénédiction. Être un groupe dans le monde underground du stoner rock n’a pas toujours de gros avantages. Nous essayons de jouer partout où nous pouvons, mais avec le prix de l’essence qui crève le plafond, ce n’est pas une décision commerciale viable d’être sur la route. Même les concerts à 1000 $ peuvent coûter plus de 500 $ en essence.

Nous choisissons bien sûr nos batailles, et nous avons décidé de nous concentrer sur Austin, au Texas – il n’y a pas besoin d’aller ailleurs, sauf pour les festivals. Soyons réalistes, les gens ne vont plus aux concerts locaux, alors autant les rencontrer au milieu, à un endroit où ils sont déjà, comme… Desertfest NYC.

Nous avons encore d’autres grands événements à annoncer, et si vous voulez que nous jouions le vôtre, écrivez-nous à [email protected].

Vous jouez au Desertfest NYC en mai. Quelles sont vos réflexions et vos attentes à ce sujet ? Connaissiez-vous l’édition britannique du festival ?
Je suis un grand fan de Desertfest depuis un moment. Mon objectif a toujours été de faire une tournée en Europe et de participer au Desertfest, mais jouer au Desertfest ici en Amérique est un honneur. Il bénéficiera du même engouement que le premier Psycho Las Vegas, sauf qu’il se tiendra dans l’ancienne capitale mondiale du rock’n’roll, New York-Effin’-City ! Cela va être un pour les livres de records !

Que peuvent attendre les participants au festival d’un spectacle HDT ?
Vous obtiendrez l’expérience Heavy Rock. Un culte de l’amplificateur à haute énergie et à plein régime ! Du rock’n’roll pur et dur. Vous pouvez vous attendre à voir sur scène trois gars qui se donnent à fond, jouant comme si le monde allait s’écrouler le lendemain ! Du sang, de la sueur, des larmes et du feu !

Si vous vous êtes déjà demandé à quoi ressemblait un spectacle du Holy Death Trio, regardez simplement notre vidéo White Betty:

Quelles sont vos configurations actuelles d’Orange?
J’utilise actuellement le Rockerverb 100 MKIII et un Dual Dark 50 avec deux PPC 4×12, le tout en noir. Faites le grand saut ou rentrez chez vous.

À quoi ressemblerait la plate-forme Orange de vos rêves ?
J’ai le matériel orange de mes rêves avec le Rockerverb 100. C’est tout ce dont j’ai besoin dans un ampli, mais si je pouvais avoir un stack complet enveloppé de Purple des deux côtés de la scène, je pourrais pleurer un peu.

Kryptograf par Olav Vikingstad.

En l’honneur de leur dernier album “The Eldorardo Spell”, nous avons parlé avec Vegard Bachmann Strand, guitariste de Kryptograf, de l’enregistrement et de la collaboration avec Iver Sandøy (Enslaved) et Gaahl (Gaahls Wyrd, anciennement de Gorgoroth), de ses premières influences en tant que guitariste et, bien sûr, de son choix d’Orange.

Kryptograf, pouvons-nous avoir quelques informations sur le groupe ?
Nous jouons ensemble dans différents groupes depuis 2016. Nous nous sommes tous rencontrés lorsque nous étions dans la même école à Trondheim. Je suppose que tout a commencé quand Odd et moi sommes devenus colocataires en 2015 et avons commencé à faire de la musique ensemble. Nous avons décidé de lancer Kryptograf en 2019 parce que nous voulions un nouveau départ après avoir joué pendant des années dans un autre groupe avec la même composition plus un chanteur. Nous voulions un groupe avec une direction claire où nous pourrions vraiment creuser dans les trucs proto-doom.

Kryptograf vient de sortir son deuxième album, “The Eldorado Spell”, que peux-tu nous dire à son sujet ? nous en parler ?
Lorsque nous avons commencé à écrire notre nouvel album, nous ne voulions pas faire deux fois le même album. Alors que notre premier album était plutôt axé sur l’ère plus primitive du hard rock et du rock psychédélique de la fin des années 60, “The Eldorado Spell” fait monter les choses d’un cran. Cet album est plus proche du heavy metal du milieu des années 70 et contient plus d’éléments progressifs et de tournures mélodiques. Il y a aussi une certaine inspiration des groupes de folk rock des années 60 comme Pentangle et Fairport Convention. L’album a été enregistré en direct, mixé et masterisé au studio Solslottet par notre producteur Iver Sandøy en 2021. Il a également réalisé notre premier album et nous aimons vraiment travailler avec lui. Il y a également quelques apparitions d’invités sur cet album. Le chant est assuré par Kristian Eivind Espedal (Gaahl) et la trompette par Ørjan Hammer Volvik.

Comment avez-vous fait pour que Gaahl participe à l’album et comment s’est passé le travail avec lui ? Il est évidemment un musicien très en vue, non seulement sur la scène musicale norvégienne, mais aussi dans la communauté black metal à l’échelle mondiale.
La participation de Gaahl au disque est en fait une idée spontanée qui nous est venue lorsque nous étions en studio pour enregistrer les voix. Nous avions besoin d’une voix sombre et effrayante pour les paroles de la chanson titre. Notre producteur Iver Sandøy a beaucoup travaillé avec Gaahl et le connaît bien. Soudain, Iver nous a envoyé le master terminé de The Eldorado Spell et il était là ! Je me souviens que j’ai eu des frissons dans le dos quand je l’ai entendu pour la première fois ! Malheureusement, je n’ai pas eu l’occasion d’être là quand cela s’est produit, mais je suis très reconnaissant qu’il ait voulu se joindre à nous !

Vous avez sorti vos deux albums sur le label Apollon Records, basé à Bergen, comment vous êtes-vous retrouvés avec eux ?
Nous avons commencé à travailler avec Apollon lorsque nous avons sorti notre premier album. Ils avaient l’air de gens très honnêtes et cool. Ils ont fait un excellent travail avec notre premier album et nous voulions continuer à travailler ensemble sur celui-ci.

Le morceau d’ouverture “Asphodel” est une surprise progressive par rapport à votre travail précédent, était-ce un changement de direction intentionnel ou simplement le résultat de vos jams et de votre écriture ?
Je pense que c’est juste le résultat du fait que nous jammions ensemble dans notre salle de répétition. Nous n’aimons pas trop réfléchir quand nous écrivons nos chansons, les choses se font toutes seules. Nous avons vraiment aimé l’ambiance folklorique de la dernière partie et nous avons décidé de travailler un peu là-dessus en ajoutant des guitares acoustiques et autres.

Votre premier album éponyme est sorti juste au début de la pandémie, et vous n’avez pas vraiment eu l’occasion de jouer ces chansons en concert. Pour celui-ci, vous avez été en jouant des spectacles à guichets fermés, sans restriction. Qu’est-ce que ça fait de pouvoir retourner à… ça ?
C’est génial ! Nous venons de terminer une tournée norvégienne qui comprenait deux concerts à guichets fermés à Oslo et Kristiansand et nous allons également jouer au festival Sonic Whip aux Pays-Bas en mai, ce qui sera très cool !

Quels artistes ont, selon vous, joué un rôle majeur en tant qu’inspiration. quand vous étiez jeune ? Y avait-il des musiciens ou des guitaristes en particulier qui vous a donné envie de prendre la guitare, ou peut-être une certaine chanson ?
Je pense que je dois dire que Black Sabbath a été la plus grande inspiration pour moi ! Je me souviens que ma mère m’a emmené les voir en concert à Bergen quand j’étais enfant en 2005. J’étais complètement abasourdi ! En grandissant, j’ai aimé toutes sortes de musique rock des années 70, mais mes guitaristes préférés ont été Tony Iommi, Angus Young et Ritchie Blackmore.

Tu es un gars d’Orange, te souviens-tu de ta première rencontre avec nos amplis ? nos amplis, que ce soit en les voyant jouer sur scène ou dans une vidéo, ou en les jouant vous-même ?
Je pense que la première fois que j’ai découvert les amplis Orange, c’est quand j’ai vu Black Sabbath les utiliser dans une émission de télévision de 1970. Je suppose que c’est un peu ironique puisque Tony était normalement un joueur Laney, mais ces amplis orange avaient l’air et sonnaient si bien ! Je me souviens aussi avoir vu Matt Pike utiliser ses gigantesques murs d’amplis orange et j’ai vraiment aimé leur son.

Quel est votre matériel actuel, et comment en êtes-vous arrivé là ?
Mon équipement actuel est un Orange OR50 et un PPC212. J’adore ce matériel !

Si tu pouvais ajouter des amplis Orange à ton matériel, lesquels seraient-ils, et pourquoi ?
J’adorerais posséder des amplis Orange vintage. Par exemple, un de ces vieux amplis à photos ou un OR80. J’aime aussi le son d’un Rockerverb. Des amplis vraiment polyvalents et géniaux.

Découvrez ci-dessous la session Orange Jams 2021 de Kryptograf :

En 2009, pendant la “Grande récession”, je me suis retrouvé à la croisée des chemins. Je travaillais chez Orange depuis deux ans et, pour la première fois, j’étais inquiet pour mon emploi. Nous vivions la pire récession économique que ma génération ait jamais connue. La sécurité du travail était une préoccupation majeure. Jusqu’à ce moment-là,Orange avait tout déchiré, mais je n’étais pas sûr de l’avenir.

En réponse, j’ai créé le Facebook, le Twitter et l’Instagram d’Orange. C’était ma façon de dire “Je ne partirai pas en silence dans la nuit”. En fait, j’ai essentiellement créé un nouveau poste pour moi-même : Responsable des médias sociaux. Plus d’une décennie plus tard, nous avons une équipe entière qui joue ce rôle. Je suis incroyablement fier de ce que nous avons accompli.

Entrez dans 2020 : la pire année de tous les temps. Si cette année était un pet, ce serait le genre de pet qui n’arrive que lors d’un rendez-vous à l’aveugle, où vous êtes assis sur une chaise blanche, où il s’infiltre dans votre pantalon et où vous n’arrivez pas à décider si vous devez vous lever et aller aux toilettes parce que si vous le faites, vous ne pourrez pas revenir parce que la chaise sera tachée de merde et votre rendez-vous le postera sur son TikTok et personne ne vous aimera plus jamais.

2020, c’est de la merde. Alors comment faire pour en tirer le meilleur parti ? Certains d’entre nous ont adopté un nouveau passe-temps. D’autres se sont concentrés sur la réalisation de leur grand “pivot” vers un autre secteur d’activité. Mais un petit nombre de personnes, en tout cas celles qui se complaisent dans l’égocentrisme, ont pris le chemin des interviews en livestreaming. Je me compte parmi ce groupe.

Voici un échantillon de mes interviews “Artist Relations Corner” préférées jusqu’à présent. Oui, c’est le nom que j’ai choisi. C’était une erreur mais maintenant le référencement est allé trop loin pour que je puisse le changer. Maintenant je dois vivre cette honte pour toujours. Profitez-en, et pour tous les coins de relations avec les artistes, cliquez ici!

Épisode 1 : Une présentation de qui je suis, de ce que fait un gestionnaire d’AR, et un commentaire sur la vidéo originale “drôle” d’Orange, qui mettait en scène Troy Sanders de Mastodon face à un chien.

Episode 5: Une interview de VMAN de Slipknot avec son technicien, Darren Sanders (oui, le frère de Troy de Mastodon et de Kyle de HELL YEAH).

Episode 6 : Thomas Jager de Monolord. Il n’y a rien de mieux que de parler de stoner doom avec un Suédois sarcastique !

Episode 7 : Rekti Yoewono de THE SIGIT et Mooner. Cet épisode m’a permis de découvrir tout un monde de rock psychédélique d’Indonésie dont j’ignorais l’existence. Il y a aussi des jams en direct !

Episode 9 : Kellindo Parker est le guitariste de Janelle Monae et un artiste solo accompli. Mais ce n’est pas tout. Il a aussi de belles histoires sur Prince.

Episode 15: J’ai interviewé le légendaire producteur et ingénieur, celui qui est considéré comme “le 5e Ramone”, M. Eddie Stasium. Ses histoires sont incroyables.

Episode 16 : Brian Diaz est un technicien de guitare assez célèbre… et l’une de mes personnes préférées dans le secteur. Il a travaillé avec Fall Out Boy, Primus et Guns N Roses (pour n’en citer que quelques-uns). Cet épisode m’est cher, principalement parce que nous nous faisons rire les uns les autres tout en étant de vrais trous du cul.

Quels sont vos plus anciens souvenirs liés à la musique ?
Rekti :
Mon premier souvenir est d’avoir écouté “Thriller” de Michael Jackson, j’avais environ 3 ou 4 ans. Je me souviens très bien du sentiment que j’éprouvais en appuyant sur le bouton “play” du magnétophone de ma mère, alors que j’attendais les rires de l’intro de la chanson, avant de courir vers elle parce que j’avais peur. Ma mère avait aussi cette compilation de rock britannique des années 70 avec les Beatles, les Rolling Stones, les Yardbirds, Zeppelin, etc. et je me souviens aussi l’avoir écoutée en boucle.

Du côté de ma mère, on a toujours aimé la musique, écouté des disques et échangé des mixtapes. La plupart d’entre eux ont également joué de la musique à un moment donné de leur vie. L’un d’entre eux, mon défunt oncle, a quitté l’école dans les années 60 pour devenir un musicien professionnel, et son groupe, The Rollies, est considéré comme légendaire de nos jours, ce qui est plutôt cool. Je me souviens aussi d’avoir été chez ma grand-mère dans les années 90 et d’avoir écouté un groupe de punk local, et mon oncle m’a dit que si j’aimais ce genre de musique, je devrais aller voir les Stooges.

C’est vraiment cool que toute ta famille t’ait influencé, toi et tes goûts musicaux, et que cela fasse partie intégrante de ton éducation. Encourageaient-ils aussi votre jeu ?
Rekti :
Je crois que ma grand-mère a toujours eu une guitare acoustique, mais je n’ai pas remarqué, ou peut-être pas réalisé, le genre de formes et de sons qu’elle pouvait produire, et ce qui m’a vraiment déclenché, c’est à l’âge de 11 ou 12 ans, quand j’ai vu Lenny Kravitz jouer “Are you gonna go my way” sur un flying V, le son me rappelant la compilation Brit Rock de ma mère quand j’étais enfant. À ce moment-là, j’étais convaincu et je voulais une guitare électrique comme la sienne. Je suis allé dans un magasin de guitare avec mon père peu de temps après. Ils n’avaient pas de Flying V, mais ils avaient cette merveilleuse Gibson SG, qui était bien sûr très chère. Mon père, un conservateur, m’a dit d’apprendre d’abord les bases et m’a fait commencer par une guitare acoustique fabriquée localement, qui a fini par façonner ma façon de jouer, puisque c’est sur cette guitare que j’ai appris Led Zeppelin et Bad Religion. Je suis donc toujours prudent avec ma main droite et j’ai développé un sens de la dynamique dans mon picking. Mais parfois, je gratte un peu trop fort, et je casse souvent des cordes à cause de cela aussi.

A 17 ans, j’ai enfin eu ma première guitare électrique, j’ai fait des économies en vendant des t-shirts. Le temps d’économiser suffisamment, la récession a frappé et les prix ont explosé. Je n’ai pu m’offrir qu’une Epiphone Les Paul, que j’ai ensuite échangée contre une Epiphany SG. En 2009, à 27 ans, The Sigit a commencé à gagner de l’argent en jouant des concerts, et j’ai enfin eu une Gibson SG, mais je n’ai toujours pas la Flying V des années 60, haha.

En guise d’avertissement poli de la part de l’intervieweuse, votre serviteur Ella Stormark – si vous ne connaissez pas The Sigit, ou si vous n’avez pas vu leurs concerts – regardez cette vidéo, c’est génial.

En tant que guitariste, y a-t-il quelqu’un qui vous a influencé plus que d’autres ?
Rekti :
Probablement Jimmy Page, en raison de sa vaste palette de sons. C’est peut-être dû à sa guitare et à ce qu’il a réussi à en faire, mais il n’empêche que peu de joueurs de Les Paul ont pu reproduire ce que Page a fait. Il en va de même pour Eric Clapton, d’ailleurs. Je ne sais pas mec, peut-être que c’est juste le son du matériel des années 50/60. Je n’ai pas eu la chance de le découvrir de première main. Mais j’ai toujours aimé ce genre de son.

Vous avez clairement un amour pour la musique ancienne, quelles sont les influences mutuelles qui vous ont rapprochés lors de la formation de The Sigit ?
Rekti :
Cela a commencé par notre intérêt mutuel pour la Brit Pop, qui était très à la mode à l’époque. Nous étions tous dans le même lycée, et parfois nous séchions les cours pour aller chez les disquaires ou les vendeurs ambulants à la recherche de nouveaux groupes pop britanniques excitants, et nous finissions souvent par trouver de la musique rock britannique plus ancienne comme Roxy Music, T-Rex, Genesis, Black Sabbath, etc. Ensuite, nous sommes allés chez notre bassiste pour essayer d’apprendre ces chansons en utilisant le matériel de son père, et nous les avons jouées au festival de l’école une fois par an. Il avait aussi un mixeur et un magnétophone, alors de temps en temps, nous essayions d’enregistrer des chansons que nous faisions sur place. On expérimentait avec des pistes de ping-pong et des overdubs, très rudimentaires et garagy. Lorsque nous avons obtenu notre diplôme, nous avons commencé à obtenir des ordinateurs pour les travaux de collège et nous avons commencé à apprendre les DAW, à composer des chansons et à faire des démos que nous avons remises à des amis ou à des magazines locaux.

Quelle est votre histoire personnelle et votre expérience avec Orange?
Rekti :
Ma première rencontre avec Orange s’est faite à travers Oasis ou Jimmy Page, peut-être vers le collège. Personne autour de moi ni aucun musicien de ma région n’en possédait un, alors j’étais assez curieux de cet ampli guitare au nom mystérieux et aux couleurs vives.Au moment où nous avons commencé à enregistrer notre premier album, je traînais dans le studio et regardais les autres groupes enregistrer.

Certains groupes avaient leurs propres amplis, et ont eu la gentillesse de me laisser les essayer pour m’aider à décider ce qui me convient et ce qui ne me convient pas. La plupart de ceux que j’aimais étaient des amplis vintage. Cependant, même s’ils sonnaient bien, la plupart d’entre eux étaient vieux et instables et n’étaient ni bon marché ni faciles à réparer, ce qui m’a fait hésiter à me procurer du vieux matériel. Cela dit, j’ai également été impressionné par un AD140 que j’ai essayé, et par sa polyvalence, et le type qui le possédait m’a dit qu’il l’avait acheté neuf dans un magasin de Jakarta. Je suis allé au magasin et ils avaient un Rockerverb dont j’aimais le son, et il était aussi polyvalent que l’AD140. Le lecteur a un très bon son, et il réagit très bien à mes choix – et à la couleur ! J’étais déjà convaincu lorsque j’ai vu l’Orange de Noel Gallagher il y a longtemps, elle était très accrocheuse et on la remarquait immédiatement. J’ai pensé que ce serait génial de l’avoir sur scène aussi, donc après l’avoir essayé avec succès, j’ai décidé d’opter pour le Rockerverb 100.

Quels sont les éléments clés que vous recherchez dans un ampli de guitare ?
Rekti :
J’aime l’overdrive, être capable de contrôler la quantité de drive avec ma main en utilisant les boutons de la guitare ou par mon picking de la main droite, et la force avec laquelle je gratte la corde. Je veux aussi pouvoir apprivoiser la présence, je veux qu’elle me gifle l’oreille, pas qu’elle la pique. Le bas de gamme doit également être serré, et je veux sentir le son me frapper par derrière lorsque les amplis sont placés dans mon dos sur la scène. J’ai mon Rockerverb depuis 2009, et j’utilise toujours ce même ampli à ce jour. Je le couple avec le PPC412 angulairePPC412), qui me convient parfaitement.

Qu’écoutez-vous actuellement ?
Rekti :
J’écoute généralement des disques, ce qui me limite à ce que j’ai, mais pour ce qui est des nouveautés, la dernière vidéo que j’ai vue sur Youtube était Idles – Grounds et Once & Future Band – Problem Addict.

Grandma’s Ashes, pouvons-nous avoir un peu d’informations sur le groupe ?
Myriam :
J’ai rencontré Eva sur internet et j’ai rejoint son groupe de punk-rock/noise et nous avons joué avec différents batteurs avant de décider que nous voulions jouer une musique plus heavy. Nous avons recommencé et trouvé Edith en ligne. Nous avons jammé, et ses influences math-rock nous ont fait prendre une direction plus progressive. C’est ainsi que nous avons fini par mélanger des riffs lourds, des parties progressives et des mélodies puissantes. Nous jouons ensemble depuis trois ans maintenant.

La plupart de vos chansons sont-elles le résultat de jams, ou travaillez-vous à partir d’idées structurées ?
Myriam :
L’un d’entre nous trouve généralement un riff ou une mélodie qui correspond à une émotion particulière, puis nous jammons autour et nous obtenons différentes parties que nous assemblons.
Eva : J’écris beaucoup de mélodies de voix quand je suis à la maison, et j’arrive souvent en répétition avec des lignes de voix et des lignes de basse simples, puis Myriam va trouver quelque chose à faire avec, apporter des riffs lourds avant qu’Edith n’arrive avec ses rythmiques complexes.

Y a-t-il des artistes en particulier qui vous ont inspiré en tant que joueurs, ou quelqu’un qui vous a encouragé à prendre vos instruments pour commencer ?
Myriam :
Mon père joue de la guitare et m’a appris les bases du blues avec Muddy Waters et Buddy Guy quand j’avais 9 ans. Cependant, ce n’est qu’après avoir découvert Led Zeppelin à l’âge de 13 ans que je suis devenu obsédé par la guitare. Je dirais que Jimmy Page, Eddie Van Halen et Matt Bellamy ont été mes premières inspirations quand j’étais adolescent. J’ai ensuite découvert QOTSA et Frank Zappa, qui m’ont inspiré les tons que j’utilise avec le groupe et les gammes modales que j’utilise parfois lorsque j’improvise.
Eva : Mon père a été ma première source d’inspiration, il est multi-instrumentiste et jouait dans différents groupes de différents genres quand je grandissais, jazz, rock, punk et blues. J’étais entouré d’instruments quand j’étais enfant et il m’apprenait. À 11 ans, j’ai découvert The Stranglers et j’ai tout de suite été très intéressé par le son de basse lourd, claquant mais gras de l’incroyable J.J Burnel ! J’ai commencé à jouer de la basse juste après ça. Après cela, j’ai découvert Flea, et Chris Squier de Yes, tous deux avec des lignes de basse plus compliquées. J’ai commencé à travailler sur mon son parce que je voulais réaliser un mélange entre deux styles emblématiques, le style incisif et punk, et le ton groovy et mélodique de mes idoles du prog rock.

Vous sortez votre premier EP ‘The Fates’ en janvier, que pouvez-vous nous dire à son sujet ? Nous avons enregistré ‘The Fates’ il y a un an à “Ferber”, un célèbre studio d’enregistrement français où Zappa et Black Sabbath venaient dans les années 70. Nous avons décidé de tout enregistrer en direct, sans overdubs, afin d’essayer de capter l’énergie de nos performances live. Nous avons travaillé avec le producteur Mario Caladato Jr. (The Mars Volta, Beastie Boys etc.) qui nous a aidés à trouver un équilibre entre les atmosphères aériennes des voix et les parties plus lourdes.
Eva : En l’enregistrant en direct, nous avons réussi à capturer la synergie que nous ressentons tous les trois lorsque nous jammons. Nous voulions qu’il soit aussi fluide que possible et qu’il mette en évidence l’implication émotionnelle de chaque chanson lorsqu’elle est jouée en direct. Nous l’avons baptisé “Les Parques”, d’après les trois Moirai de la mythologie grecque, connues comme les sœurs qui déterminent l’origine du monde et des êtres humains. L’un donne la vie, en filant la laine, l’autre déroule le fil et le dernier le coupe, apportant la mort. Nous aimions cette allégorie très symbolique de nos rôles dans le groupe.

Quelle est votre histoire et votre expérience avec Orange?
Myriam : Ma toute première rencontre a eu lieu lorsque je cherchais un ampli à lampes qui pouvait être agressif et rond en même temps, et un de mes amis m’a laissé essayer leur TH30, le son était à la fois croustillant et rond. J’aime aussi beaucoup la scène desert rock, et quand j’ai vu Sleep en concert avec le mur de Rockerverbde Matt Pike, j’ai pensé que c’était le son de guitare le plus profond qui soit !
Eva : J’ai remarqué les amplis Orange dans les festivals et j’ai été très intriguée par leur design coloré, et lorsque Myriam en a acheté un, j’ai immédiatement aimé sa puissance !

Myriam, je sais que tu joues sur le Dual Terror, pourquoi as-tu choisi ce modèle et qu’en penses-tu ?
Myriam :
C’est le premier ampli que j’ai acheté avec mon tout premier salaire : j’avais besoin d’un ampli à deux canaux parce que nous avons des parties éthérées dans notre musique où un bon son propre est nécessaire. Le petit canal du DT a ce son clair qui claque. J’utilise principalement le canal gras avec le son crunch typique d’Orange et j’y ajoute de la fuzz ou de l’overdrive. J’ai également opté pour la double terreur en raison de son aspect pratique. Il ne pèse pas lourd et est également commutable de 30w à 15w, ce qui est vraiment utile en studio ou en répétition pour pousser les tubes sans avoir un son trop fort.

A quoi ressembleraient les riggs / stacks Orange de tes rêves ?
Myriam : J’
aime jouer avec une configuration sèche/humide, donc mon stack Orange de rêve serait le Orange Rockerverb 50 MKIII associé à un PPC 412. Comme il dispose d’une boucle d’effets et de deux canaux séparés, il me permettrait d’avoir des effets de modulation plus propres, comme le phaser, les délais, etc. que ceux que j’ai actuellement sur le DT. L’autre ampli serait un Tiny terror sur un PPC 212. Je l’aime avec un son crunchy et un délai slap très léger. Il fonctionne également bien avec les fuzzs et les overdrives en raison de sa réponse en fréquence étroite.
Eva : J’aimerais diviser mon son sur deux cabines, et je cherche la meilleure pour aller avec ma Sunn O))) Concert Bass, donc je dirais un OBC410, ou OBC212 et OBC115 jumelés avec un OBC115. Terror Bass. Je rêve secrètement d’un AD200, mais malheureusement c’est un peu lourd à ramener après une répétition dans le métro parisien…

Si vous pouviez partir en tournée avec un groupe ou un artiste, qui ce serait, et pourquoi ?
Monolord ! Nous les avons découverts avec leur dernier album, No Comfort. Leurs riffs sont si lourds que c’est une véritable claque pour les écouter jouer en live. Nous aimerions tourner avec eux parce que nous sommes à l’aise dans la scène stoner rock en général, et les gens ont l’air vraiment enthousiastes à leurs concerts.

Photo par : Pedro Hernandéz / @picfromthepit

Nos adeptes et nos fans te connaissent déjà grâce à ton travail au sein de Deep Purple, Trapeze, California Breed (la liste est longue…) et à ta carrière solo, mais ils ne connaissent peut-être pas tous The Dead Daisies, pouvons-nous avoir une présentation du groupe ?
Glenn : Les Dead Daisies sont un collectif musical, une famille si vous voulez. Je connaissais le groupe depuis longtemps, nous avions participé à un circuit similaire en Europe. J’ai été contacté par leur management en 2019 au sujet d’une rencontre avec les gars à NYC pour une petite “jam session”. On a tout de suite accroché. Bien sûr, j’avais déjà tourné avec Doug Aldrich (guitariste de The Dead Daisies), puisqu’il faisait partie de mon groupe de tournée en 2016, donc c’était déjà gravé dans le marbre. David Lowy est un guitariste solide et Deen Castronovo est un batteur fantastique avec beaucoup de flair. C’était une progression naturelle d’écrire ensemble et d’aller en studio pour enregistrer.

Vous venez de sortir votre single ” Bustle and Flow “, que pouvez-vous nous dire à son sujet ?
Glenn :
Nous avons enregistré aux studios La Fabrique dans le sud de la France, en décembre 2019. Le studio est un ancien château situé dans une belle partie de la campagne. Nous avions enregistré la musique et j’avais écrit la plupart des paroles. Le cadre du studio était très inspirant, je ne pouvais qu’être influencée en y vivant et en y travaillant. Trouvez-le ici.

Cette année a été assez mouvementée pour la plupart des gens, comment vous êtes-vous adapté à la “nouvelle normalité”, et comment restez-vous créatif et inspiré dans les moments difficiles ?
Glenn :
J’ai essayé de maintenir mes propres routines et rituels quotidiens autant que possible. Je médite au réveil, j’aime marcher, boire beaucoup d’eau et lire beaucoup. Personnellement, j’ai pu rester créatif dans mon propre sanctuaire intérieur.

Bien sûr, dans une interview d’Orange, nous devons parler un peu de matériel ! Vous utilisez Orange depuis un certain temps, quelle est votre histoire et votre expérience avec nos amplis ?
Glenn :
J’utilisais les AD200 tête en live et en studio, mais depuis 18 mois, j’utilise les têtes de lecture. Terror Bass têtes. Ils ont vraiment un son incroyable. J’en utilise 2 en même temps via la pédale Orange ‘Amp Detonator‘ d’Orange. Je n’utilise pas de pédales de distorsion, j’utilise la structure de gain des amplis, ce qui me permet d’obtenir un crunch beaucoup plus naturel…

Vous êtes dans le jeu depuis longtemps, et vous avez influencé beaucoup de gens et de musiciens au fil du temps. Y a-t-il quelqu’un en particulier dont le style de jeu, la façon d’écrire ou de jouer vous a inspiré, ou continue de vous inspirer en tant qu’artiste ?
Glenn :
Je pense que comme beaucoup de gens de ma génération, les Beatles ont eu une grande influence dans ma jeunesse. Leur écriture est toujours difficile à battre toutes ces années plus tard. Pour ce qui est de la basse, mes racines se trouvent dans les premiers enregistrements de la Motown, James Jameson était vraiment la référence en matière de groove. Bien sûr, plus près de chez nous, nous avions des gars comme Andy Fraser qui était un bassiste incroyablement soul, il savait quand laisser un espace ou deux. Je lis aussi beaucoup de livres et l’un de mes auteurs préférés en ce moment est Eckhart Tolle. J’ai toujours un ou deux de ses livres avec moi lorsque je voyage.

Quel conseil donneriez-vous aux musiciens en herbe qui commencent à jouer ?
Glenn :
Mon conseil serait d’aimer ce que vous faites, de profiter de chaque instant et de ne rien considérer comme acquis. Vous devez consacrer votre temps à apprendre votre métier et à être le meilleur que vous puissiez être. Traversez la peur.

Heavy Temple au Psycho Las Vegas par Dante Torrieri

Nighthawk : Mon histoire avec la musique remonte aussi loin que je puisse me souvenir. Mes parents avaient une collection de disques assez variée et ils m’ont encouragé à jouer très tôt. J’ai commencé par le piano et suis passé au violoncelle en tant que musicien de formation classique, même si j’admets que je détestais m’exercer. J’ai étudié la musique pendant un an, puis j’ai réalisé que je n’étais pas faite pour ça. J’ai abandonné mes études, j’ai acheté ma première basse et j’ai découvert que jouer de la guitare était beaucoup plus naturel pour moi. J’étais chez un ami qui se défonçait et il a mis le premier album de Black Sabbath (pour ceux qui se posent la question, oui, je n’ai pas entendu ce disque avant mes 20 ans). C’est là que j’ai su ce que je voulais faire. Je fais aussi des flyers pour nos spectacles, et j’en avais fait un paquet pour notre tournée qui vient d’être reportée. J’aime vraiment faire tout ce qui est créatif en matière de musique, qu’il s’agisse d’écrire, de jouer, de faire des prospectus, de vivre l’expérience de toutes les manières possibles. Vous pouvez consulter mes dépliants ici.

Que peux-tu nous dire sur ton groupe Heavy Temple ?
Nighthawk :
Je me suis retrouvé sans groupe en 2012 et j’étais plutôt déprimé. Je suis passé par la phase “Je vais vendre tout mon matériel et arrêter la musique pour toujours”. Puis un jour, je me suis assis dans la cave et j’ai commencé à enregistrer quelques riffs qui me trottaient dans la tête. Avance rapide jusqu’à 2 disques, 6 lineups et 8 ans plus tard. J’ai l’impression que nous commençons vraiment à atteindre notre vitesse de croisière en ce qui concerne les performances live et l’écriture collective. Nous avons tous une île déserte différente, mais nous avons aussi une base solide dans le rock lourd. Nos influences personnelles vont du punk au black metal en passant par le psy et le doom. Les ouvertures sabbathiennes sur les deux premiers disques sont évidentes mais pas directement intentionnelles. Avec ce troisième album, vous entendrez plus de vibrations comme Black Angels, Queens of the Stone Age, Acid King, si je devais mettre un doigt dessus. Nous devions le sortir cette année sur un label, mais comme c’est la fin du monde, nous allons peut-être le sortir nous-mêmes.

Y a-t-il un artiste qui vous a influencé ?
Nighthawk :
J’ai toujours du mal à répondre à cette question de manière succincte. Si je dois citer des héros de la basse, je dirais Nick Oliveri (en tant que bassiste de Queens of the Stone Age), Bootsy Collins et Lemmy. Le jeu de basse que j’apprécie le plus est basé sur le groove et est plus complexe qu’on ne le pense, comme Captain Beyond, les premiers Scorpions, Grand Funk. Dans l’ensemble, je suis influencé par beaucoup de choses. En gros, tout ce qui me semble bon. Ça pourrait être High on Fire, ça pourrait être Interpol. Ça pourrait être Tchaïkovski.

Vous avez récemment reçu l’OB1-500 , comment vous en sortez-vous ? Les voisins se sont-ils déjà plaints ? Nighthawk : Oh. Mon. Dieu. Je ne peux pas croire que je n’ai pas joué à ça avant. Le son que je suis capable d’obtenir directement de la tête est fou. Honnêtement, ça a vraiment changé la donne pour moi. Le fait qu’il divise le signal de façon à ce que vous puissiez régler le son propre avant d’ajouter la distorsion par-dessus est génial. Et pour être honnête, j’aime les images faciles à discerner sur la plaque frontale pour les personnes qui, comme moi, boivent parfois un verre de tequila de trop avant de jouer. Quant à nos voisins, ils sont en fait plutôt cool. On n’arrête pas de nous demander quand on va sortir un nouveau disque, alors on a ça en notre faveur.

Tu viens également de sortir un album solo, que peux-tu nous dire à propos de celui-ci et des influences qu’il contient ?
Nighthawk :
Eh bien, j’aime les films d’horreur italiens et les musiques de films. J’aime aussi beaucoup le processus de composition, et l’album que je viens de sortir,“The Dimensionaut” (à écouter ici), est vraiment un hommage à tout cela. Il s’agit de près d’une décennie de musique que je voulais sortir depuis très longtemps, alors je me suis dit que je devais me lancer. J’aime ce que vous pouvez accomplir avec les synthés. Il y a tellement d’ambiance que vous pouvez obtenir. Mes morceaux préférés ont une sorte de son de synthé éthéré avec une piste de guitare à réverbération massive par-dessus. Nous sortons également un split Funkadelic EP sur Riff Merchant Records avec nos amis de Wolf People dans quelques jours, le 31 mai, ce qui nous enthousiasme.