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Analógico o digital: ¿importa?

Cuando nuestro director de marketing me pidió que escribiera una entrada en el blog comparando los amplificadores analógicos frente a los digitales, tengo que admitir que lo primero que hice fue girarme para ver si estaba hablando con alguien detrás de mí. Aquí en EnOrange hay una serie de músicos muy hábiles, muchos de los cuales están seriamente en sus equipos y no sólo pueden tocar sino también entender el aspecto técnico de dichas plataformas.

Yo no entro en esta categoría.

No me malinterpretes: me encanta jugar, pero la cosa es que una de esas personas que tiene que trabajar muy duro para ser mediocre y estoy realmente no me interesan todas las campanas y silbatos, sólo quiero conectar y jugar.

Lo primero que tenía que hacer era averiguar cuál era la diferencia es, así que tuve una charla con nuestros técnicos. Después de realizar una primaria (elemental) explicación a nivel escolar, empezamos a progresar y puedo resumir así:

Los amplificadores de guitarra analógicos son de estado sólido, (transistores, resistencias, condensadores, etc.) o preamplificador de válvulas que produce el tono y un estado o de válvulas, que amplifica la señal y acciona el altavoz.

Los amplificadores de guitarra digitales, utilizan algoritmos digitales (complicados matemáticas) para producir el tono y un amplificador de estado sólido para amplificar el señal y conducir el altavoz. Por lo tanto, los amplificadores digitales pueden teóricamente reproducir cualquier sonido que desee. Sólo se trata de reordenar el orden de los 1s y 0s en la señal. ¡Brillante!

Entonces, ¿por qué querría alguien un amplificador analógico? Sin duda, lo digital es mejor. Mi televisión digital es mucho mejor que la antigua señal analógica que utilizaba de mi antena de radiofrecuencia. (Si no los recuerdas, pregúntale a tus padres). Antes de cualquiera empieza, me doy cuenta de que la recepción y la calidad de la emisión son cosas diferentes, Sólo estoy haciendo una analogía. No es un juego de palabras.

Bueno, parece que en este caso lo digital no es necesariamente mejor.

Si lo piensas, la señal que llega a tu amplificador desde tu guitarra es analógica, tiene que serlo, es el sonido de una cuerda vibrando. El sonido que sale del altavoz es analógico, de nuevo tiene que serlo. Nosotros no tenemos procesadores digitales en nuestros oídos, así que necesitamos una onda sonora en el aire para vibra nuestro tímpano. Entonces, ¿qué sentido tiene convertir una señal analógica en digital y viceversa? Seguramente eso significa que lo analógico te da lo que un amplificador digital está tratando de emular?

Estos experimentos mentales están muy bien, pero hay no hay sustituto para darles una oportunidad, así que lo hice. No voy a nombrar los amplificadores que intentó, ese no es el punto de este post – como dije al principio, no no tengo ningún sentimiento fuerte de cualquier manera, pero me divertí con ambos amplificadores.

El amplificador digital fue un poco desalentador al principio. Muchos pomos y un montón de ajustes, pero una vez que me di cuenta de lo que estaba haciendo, fui capaz de marcar en un montón de sonidos diferentes y se lo pasó en grande haciendo unos maravillosos ruidos para disgusto de los vecinos. La comodidad de lo digital El amplificador no puede ser exagerado. Puedo ver cómo algo así podría atraer a músicos que actúan enormemente. Ahí tienes tu tono, (o cualquier otro que se te ocurra necesidad) allí mismo en una caja. Es mejor que tener que llevar una carga de equipo pesado. ¡Impresionante! ¿Cómo puede competir la tecnología analógica?

Resulta que está bastante bien. Por mucho que haya disfrutado de la amplificador digital escuchando el amplificador analógico me hizo ver que el amplificador digital era bastante estéril – pensándolo bien, era casi como si el amplificador estuviera dictando cosas.

Me devanaba los sesos tratando de pensar en una forma de explicar lo que quería decir con eso y lo único que se me ocurrió fue imaginar un una hermosa habitación llena de muebles caros, pero todo es blanco. El amplificador analógico coloreó algunas de las partes.

No soy revisor de amplificadores, así que no puedo usar un montón de palabras floridas pero me pareció que el amplificador analógico era tan idiosincrásico como mi forma de tocar. Había una relación entre lo que intentaba hacer y lo que salía de el amplificador, eso no parecía ser el caso con el digital. Además, pude simplemente conectar mi guitarra y tocar. No hay que perder el tiempo, no hay que trabajar nada, sólo diversión instantánea.

Realmente no soy más sabio en cuanto a lo que es mejor, todo lo que sé es lo que prefiero y preferí el amplificador analógico aunque puedo ver totalmente por qué la gente querría apostar por lo digital. La comodidad y la posibilidad de tener todo en un solo lugar es muy deseable, pero no es para mí.

Por muy mediocre que sea, la música tiene más que ver con cómo se que el aspecto técnico de las cosas y, para mí, la amplificador analógico tenía sentimiento. Pero bueno, no intento convencer a nadie. Qué ¿te parece?

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Creación de contenidos y relaciones con los artistas Las mejores elecciones de Ella Stormark en 2018

Ahora que el 2018 está llegando a su fin creo que todos estamos reflexionando sobre el año que acaba de pasar, ya sea bueno o malo. Para mí, 2018 ha sido genial. He conseguido algunos objetivos de los que estoy muy contenta, como mi primera entrevista ante la cámara con Matt Pike , que fue sorprendentemente bien a pesar de que la semana anterior la pasé sin dormir sabiendo que estaría ante la cámara por una vez, y no sólo detrás de ella. También pude entrevistar a Glenn Hughes, lo cual fue bastante irreal, ya que de niño me crié con Deep Purple. También he visto a bandas y artistas increíbles con los que llevaba años soñando, algunos de los cuales me dejaron llorando hasta la deshidratación, aunque esto también podría tener que ver con el hecho de que había 34 grados en el exterior… Sin más preámbulos, mis mejores elecciones de 2018.

Motorpsycho, Roadburn Festival

Cuando pienso en mis mejores momentos musicales de este año, Motorpsycho es siempre la banda que primero me viene a la mente. La única banda a la que se le concedieron dos horas completas en el festival, famosa por sus intensas subidas psicodélicas que siguen construyendo y construyendo y nunca se liberan, hasta que literalmente no puedes soportarlo más. Su actuación no fue más que espectacular e hipnotizante, y una pura obra maestra de actuación y perfección de principio a fin. Mis queridos compañeros vikingos noruegos, incluso ocho meses después estoy sorprendido de su rendimiento.

Hawkwind, Desertfest London & Hawkwind con Arthur Brown y una orquesta sinfónica, London Palladium

Nunca, ni en un millón de años, pensé que llegaría a ver a Hawkwind en el Roundhouse, pero lo hice. Después de pasar todo el fin de semana del Desertfest cargando con nuestra preciada cámara Orange, que probablemente podría cubrir mi alquiler durante varios meses, por lo que la custodiaba con mi vida, finalmente pude fichar y entregar las preciadas pertenencias justo a tiempo para el set de Hawkwind en el legendario Roundhouse: hora de la fiesta. Reconozco que me daba cierto reparo ver a los jóvenes Haz Wheaton en el bajo, simplemente porque tenía el pelo largo y tocaba un Rick, y tenía algunas similitudes con un joven Lemmy – ¿este chico consiguió el trabajo por su aspecto de Lemmy? No tardé en darme cuenta de lo imbécil que era por haber pensado eso, ya que Haz se robó literalmente el espectáculo, junto con la bailarina vestida de gato, obviamente. Hawkwind ciertamente me llevó a un viaje a través de diferentes dimensiones, tal como esperaba que lo hicieran habiendo escuchado religiosamente Space Rituals. Salí del recinto zumbando de emoción, si Hawkwind pueden ser así de radicales en 2018, no puedo ni imaginarme viéndolos en su apogeo de los 70, con Stacia desnuda en el escenario y todo el mundo fuera de sí por el ácido, una fiesta para todos los sentidos me imagino.

Foto vía Youtube

Estoy bastante acostumbrada a los sótanos lúgubres y a los suelos pegajosos, así que cuando mi novio me sorprendió con entradas en primera fila para ver a Hawkwind en el Palladium con una orquesta sinfónica y Arthur Brown a la voz, casi se me cae la mandíbula al suelo: ¡venden polos de champán! He recorrido un largo camino desde la cerveza tibia… En fin, Hawkwind, segundo asalto (Esta vez sin Haz que se ha aventurado en Electric Wizard) – No sé muy bien cómo describirlo, tan raro y cósmico como lo anterior, pero con ¡Una Orquesta Sinfónica y ARTHUR BROWN bailando y haciendo de vocalista invitado! La orquesta añadió un nuevo mundo de capas a algo que ya es único, lo que hizo que la velada fuera increíble, más aún cuando un agradecido Dave Brock contó la historia de cómo una vez, siendo un niño, estuvo tocando en la puerta del Palladium y fue multado por ello, sin saber que años más tarde estaría tocando con una orquesta.

Roger Waters, British Summertime Hyde Park

Tenía 13 años cuando mi padre me regaló por Navidad “Wish You Were Here” de Pink Floyd con una nota en la que decía que ya era hora de que me pusiera las pilas y empezara a escuchar música de verdad. Por esta época, también vi por primera vez el DVD “In The Flesh” de Roger Water, y esto era tan diferente a todo lo que conocía de antes, era música con mensaje, compuesta de formas tan extrañas y espectaculares. A partir de ese momento, empecé a profundizar en el catálogo de Pink Floyd y a soñar con ver tocar a Roger Waters. Cuando se anunció que tocaría en Hyde Park este verano, no tardé en conseguir las entradas y empezar a contar los días, para lo que también resultó ser uno de los días más calurosos del verano. Cuando Roger Waters subió al escenario, yo no era más que un desastre emocional, con 15 años de anticipación y emoción que por fin se hicieron realidad. Abrieron con “Speak to Me”, y rompí a llorar, a llorar hasta casi tener que aguantar la respiración para no empezar a sollozar. A continuación, “Breathe”, “One of these Days”, “Time”, “Great Gig in the Sky” y un montón de otras canciones del apogeo de Pink Floyd, así como de los álbumes en solitario de Waters – no paré ni un segundo. Lloré constantemente durante una hora hasta que pararon y se tomaron un descanso antes del segundo acto. Al comenzar, estaba de nuevo en ello. Escuchar todas estas canciones escritas hace tantos años con mensajes tan importantes y relevantes hoy en día fue la experiencia musical más poderosa que he tenido. Me sentí agotado al final, la dulce liberación de haber visto por fin a uno de mis héroes, y abrumado por los sentimientos liberados al hacerlo.

George Clinton’s Parliament & Funkadelic, The Roundhouse

Fotógrafo desconocido – Funkadelic way back when.

Lo anterior es lo más que he abierto emocionalmente en unos 28 años, así que volvamos a sumergirnos en esto con Parliament & Funkadelic de George Clinton, uno de los conciertos más locos y divertidos a los que he asistido. Me encantan los viejos Funkadelic y la época de Eddie Hazel y Bootsy Collins y tenía bastante curiosidad por ver a la banda sin ellos: Parliament y Funkadelic modernos con un puñado de caras desconocidas, ¿y sabes qué? Fue increíble. Una mezcla de soul, funk e incluso hip hop moderno y pesado, se sentía como ir a una fiesta en la casa de George Clinton, con él siendo una especie de rey del funk con traje de jazz que prosperaba en su trono, asegurándose de que cada persona allí estaba bailando. Pero, de nuevo, si alguien tuviera que hacer que los británicos se soltaran, ¿quién más podría encargarse de esa tarea que mister Clinton? “Libera tu mente, y tu culo te seguirá”, dijo una vez un sabio, y me alegra ver que el mensaje llega, incluso en tiempos como estos en los que las cosas se están yendo a la mierda: a todos nos vendría bien un poco más de funk en nuestras vidas.

Fantástico Negrito, Dingwalls

Fotógrafo desconocido – Foto a través de la página de Facebook de Fantastic Negrito

Fantastic Negrito como que apareció de la nada, lanzando el espectacular “The Last Days of Oakland” en 2017, y siguiendo rápidamente con “Please Don’t be Dead” en 2018. Sin embargo, tiene un trasfondo bastante interesante e inspirador, siendo uno de quince hermanos con un estricto padre musulmán y vendiendo drogas y portando armas a una edad temprana, hasta aprender por sí mismo a tocar música después de escuchar que eso era lo que hacía Prince. Consiguió un contrato discográfico en los años 90, pero fue abandonado tras una lesión casi mortal que le dejó en coma durante casi dos semanas. Años más tarde, poco antes de fallecer, Chris Cornell lo tomó bajo su tutela y volvió con fuerza, y ahora a la actuación. Fantastic Negrito es un contador de historias como nadie que haya visto, predicando y aullando mientras se pavonea y baila, enseñando la paz y el amor al ritmo del funk más groovy – nunca vi a James Brown, pero por lo que he oído me siento seguro diciendo que Fantastic Negrito podría haberle dado una carrera por su dinero – Rey Carisma, por decir algo.

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Desertfest Londres: Lista de control del festival

Fiesta posterior al Desertfest.

¡He aquí que el Desertfest London 2019 ya está aquí! A falta de unos días, es el momento de comprobar que tiene todo lo necesario para las fiestas de este año, no querrá presentarse sin estar preparado, ¿verdad?

Billete

Bueno, ¿ya tienes tu billete? Si no es así, será mejor que te pongas en marcha, aún quedan algunas en la web del Desertfest, uf.

Chaleco vaquero con 8000 parches

Por favor, dinos que tienes tu uniforme del Desertfest listo para salir, ¿no? Pues estás de suerte. Como ya hemos dicho, por suerte aún quedan algunos días, lo que significa que hay tiempo de sobra para hacer bricolaje de última hora, rasgando mangas y cosiendo parches al son de Sleep y Black Sabbath.

Todo a prueba de agua

Si has estado antes en el Desertfest y en The Black Heart, sabrás que los baños unisex están en su estado de 2 de la mañana. Si no es así, bueno, sólo podemos redactar esto de forma amable: entre bajo su propio riesgo y no se quede nunca con un agujero en las botas. Lleva un traje de neopreno y una botella de oxígeno para evitar ahogarte en un charco de pis. Haz tus drogas en otro lugar.

Tapones para los oídos

Muchos de vosotros, niños y mayores, pensáis que los tapones para los oídos no están bien, pero tenemos noticias para vosotros, amigo, también lo está el daño permanente a vuestra audición. Mi servidor ha cometido el error de asistir a la mayoría de los espectáculos sin protección y ahora soy una víctima constante del ruido blanco si el decibelio alcanza cierto nivel. Ahora que te hemos avisado, no nos mires cuando se te caigan las orejas por haber estado tres horas junto a un AD200.

Líneas para ligar relacionadas con la banda y la música

Un tipo ve a una chica con una camiseta de KISS “¡Hey chica qué pasa, seguro que aprietas el gatillo de mi pistola del amor!”

….lo que nos lleva a la siguiente…

Preservativos

Es una broma, nadie se acuesta en el Desertfest.

Solicita

¿Tienes preparadas tus peticiones de canciones para suplicar a los DJs de la fiesta? Apuesto a que sí. A los DJs les encantan las peticiones y al público le encanta una cara B oscura, ¡sigan viniendo!

Crema solar

Los ingleses se queman al sol en todas partes, incluso en el Underworld a las 11 de la noche, es increíble.

Dinero por Kebabs

Beber sin parar durante 11 horas seguidas pasará factura y se aconseja comer: el Woody Grill es a menudo el lugar al que se acude para sobrevivir y con razón, con pinchos increíbles y grandes opciones vegetarianas. También está convenientemente situado a un tiro de piedra de Black Heart, Underworld y Electric Ballroom – perfecto cuando todo lo que puedes soportar es un tropiezo de 40 segundos.

Tejidos

Por secarse las lágrimas de alegría cuando suena ‘Bohemian Rhapsody’ en la fiesta posterior.

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Esto es lo que yo llamo una entrevista – Rock

Me llamo Daniel y llevo casi cuatro años y medio en Orange, ¡cuando lo dices así parece una condena! A lo largo de los años he tenido el placer de sentarme a charlar con muchos artistas en mi función de relaciones con los artistas europeos en Orange. He crecido escuchando a muchos de estos artistas, por lo que soy muy consciente de que estoy en una posición muy afortunada. Así que he pensado en repasar algunas de mis entrevistas favoritas y algunos de sus antecedentes.

Tim de Prophets of Rage

Soy fan de Rage Against the Machine desde que tengo uso de razón, los vi y casi muero en el foso en el Reading Festival 2008 y sigue siendo uno de los mejores espectáculos que he visto. Así que cuando hubo una oportunidad de entrevistar a Tim de Prophets of Rage, aproveché la oportunidad, estábamos en la zona de artistas del Download Festival en 2017 y nos las arreglamos para conseguir 10 minutos de tiempo de Tim. Tim fue un caballero y un completo profesional, hablando con verdadero entusiasmo sobre su estilo de tocar con los dedos y sobre cómo cree que la llegada de YouTube está ayudando a enseñar a los nuevos jugadores. Lo que también me hizo disfrutar mucho de su entrevista fue cómo, incluso después de muchos años en la industria, seguía disfrutando tocando música en una banda. Poco después de la entrevista pude ver a la banda destrozar el escenario principal del festival y vi cómo la banda no ha perdido nada de su ritmo original cuando Tim y Brad se encierran. El hecho de que Tim utilice un AD200 en directo es para mí uno de los mejores bajistas que tenemos en nuestra plantilla.

Brian ‘Head’ Welch de Korn

Conduje hasta Nottingham para esta entrevista… o podría haber sido Birmingham, de cualquier manera no fue en el calor de Londres. Pero valió la pena, para sentarse a charlar con nuestro nuevo endosante Brian de Korn. Brian acababa de empezar a tocar el cabezal Rockerverb MKIII, después de que su técnico de guitarra viniera a charlar con nosotros en el festival el año anterior. El Rockerverb estaba en el equipo de Brian y disfruté escuchando cómo lo llamaba “tono de mantequilla” y también cómo la banda desconocida para todos nosotros en Orange ha estado usando nuestro equipo desde principios de los 90 en sus discos. Jim Root también recibe una mención de honor por parte de Brian y no sólo fue una entrevista estupenda, sino que el programa fue muy divertido. La iluminación es perfecta para el rodaje y pude conseguir unas magníficas tomas en directo. No sólo esto, sino que la banda tocaba en un cartel con ‘Madball’ y ‘Limp Bizkit’, lo cual es razón suficiente para conducir a cualquier lugar del Reino Unido para ir a verlos.

Pepper Keenan de Corrosion of Conformity

Pepper ha sido un guitarrista que he seguido a través de sus diferentes bandas y proyectos, siempre he sentido que para mí, COC fue la cúspide de su trabajo. Cuando se reincorporó hace unos años, enseguida compré entradas para el espectáculo en el Electric Ballroom, ya que no podía perdérmelo. Con Orange y mi anterior empleo, he trabajado de forma intermitente con Pepper, pero finalmente pude entrevistarle como es debido el año pasado, cuando la banda vino a la ciudad. Siempre sabes que con Pepper tendrás una gran entrevista y su descripción en entrevistas anteriores de que los amplificadores Orange son como “acariciar una serpiente” siempre me ha hecho reír. En esta entrevista se puede ver realmente su amor por Orange, que puedo decir honestamente que se hizo con un mínimo de indicaciones, realmente sólo necesité preguntar “¿qué piensas de Orange?” y dejar la cámara rodando y ¡se puso lírico!

Matt Pike de Sleep, High OnFire

Esta fue una petición de entrevista de última hora, recuerdo que me preguntaron si podía ir a Kentish Town para charlar con Matt Pike, ¡realmente no podía decir que no! En un par de horas fui una de las únicas personas en un foro vacío de Kentish Town (con capacidad para 2,5K personas) que escuchó la prueba de sonido de Sleep. Todavía es una de las cosas más ruidosas que he escuchado, estaba de pie frente a una pared de amplificadores Orange que estaban siendo puestos en marcha, mientras Matt estaba destrozando. Después de recuperarme, pude charlar con Matt sobre cómo controla exactamente esa cantidad de ruido. Su comprensión de las frecuencias de la guitarra y la retroalimentación fue uno de los puntos más interesantes de la entrevista, habló durante al menos 10 minutos sobre la introducción de diferentes amplificadores en la mezcla y cómo se pueden utilizar para proyectar diferentes frecuencias. Pensando en ello, todavía hay muchas cosas de esta entrevista que no pude incluir en la edición. El espectáculo de la banda esa noche fue una obra maestra del stoner rock y dejó todo el edificio temblando. Sigue siendo una de mis entrevistas en vídeo favoritas, ya que estoy muy interesado en el proceso de construcción de amplificadores de gran tamaño.

Jim Root de Slipknot

Jim Root ha sido un guitarrista que he estado escuchando desde el primer álbum de Slipknot y cuando entró en el portacabina del Download me sorprendió lo simpático y divertido que era pero también cómo cualquier amplificador que conectara sonaba exactamente igual que el disco. Venía a probar el nuevo Rockerverb 100 MKIII que acababa de salir al mercado y se sentó con una de sus guitarras personales y tocó durante al menos ½ hora. Sólo se detuvo a contarme cómo a principios de esa semana había estado improvisando con Josh Homme tocando el clásico ‘Better Living Through Chemistry’. Luego vino la entrevista y el playthrough, que simplemente se convirtió en cada éxito de Slipknot tocado con la nota perfecta. Después de la entrevista, Jim estaba tan enamorado del amplificador que se lo llevó para tocar esa noche ante 120.000 personas, ¡¡¡qué manera de probar un nuevo amplificador!!! Este es uno de mis vídeos favoritos porque, en primer lugar, es el más popular y, en segundo lugar, no tiene una gran calidad (¡una toma es la cámara de un teléfono!), pero sigue funcionando. La forma de tocar de Jim es genial y habla con el corazón, ¡realmente necesitamos filmar un nuevo video de Jim Root!

Sergio Vega de Deftones

Honestamente creo que Deftones es una de mis bandas favoritas, combinan tantos elementos diferentes de la música que me encanta y siento que han hecho grandes álbumes desde su primer hasta el último lanzamiento. Así que poder pasar tiempo charlando con ellos sobre el equipo, ver su equipo de gira y, a veces, verlos ensayar para los conciertos ha sido algo que he tenido que mantener frío durante estos tiempos. Creo que era la segunda o tercera vez que fotografiaba a Sergio y esto fue al final del día con la banda mientras ensayaban antes del espectáculo Meltdown de 2018 en el Southbank de Londres. Hablamos de su uso de Orange en Deftones y Quicksand, Sergio también tocó algunas de sus líneas de bajo favoritas de su carrera. La razón por la que este es uno de mis favoritos es que creo que salió muy bien, el día fue largo pero a lo largo de todo Sergio fue divertido y un completo profesional a la hora de conseguir las tomas y los sonidos adecuados.

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Desertfest Londres 2019

Como ya han pasado unos días y la resaca ha tenido tiempo de desaparecer, es hora de reflexionar sobre otro espectacular Desertfest London. Comenzamos el fin de semana en The Black Heart a las 2 de la tarde del viernes para ver a los israelíes ‘The Great Machine’, que por cierto, fueron una maravilla, antes de aventurarnos bajo la lluvia hacia Electric Ballroom, donde Old Empire había comisariado el escenario del día. Pillamos a Jaye Jayle, que fue una pequeña y agradable “calma antes de la tormenta”, ya que sabíamos que nos iban a reventar los oídos en el transcurso de las siguientes 48 horas.

Ben McLeod, All Them Witches

Tras una parada en Black Heart para tomar un ron y una coca-cola, llegó el momento de entrevistar al sueco ‘Skraeckoedlan’, donde nuestras primeras preguntas fueron: “¿CÓMO PRONUNCIA SU NOMBRE, QUÉ SIGNIFICA, DE DÓNDE VIENE Y POR QUÉ LO ELEGIÓ?”. Te diríamos las respuestas a todo lo anterior, pero preferimos dejarte colgado, así que verás la entrevista que les hicimos cuando la publiquemos dentro de unos cuatro años. Sin embargo, podemos decir que compartieron sus pensamientos sobre que tal vez no sea el nombre más beneficioso cuando se trata de dominar el mundo y llegar a un público internacional, no hay duda. Aun así, son unos tipos encantadores y unos músicos increíbles, y están totalmente de acuerdo en ser entrevistados fuera bajo la lluvia helada, hay que amar a los vikingos escandinavos.

En el Underworld, el sello discográfico de Los Ángeles, Riding Easy, presentó una selección de sus grupos, y nosotros vimos a la banda de rock pesado R.I.P, que se dirigía a los que querían un rock ‘n’ roll rápido y pesado. Más tarde, OM encabezó Electric Ballroom, Electric Citizen the Underworld y Skraeckoedlan The Black Heart, antes de que The Shrine tocara en la fiesta de medianoche de Electric Ballroom, que fue su primer concierto en Londres con el bajista Corey Parks.

Desde los años anteriores hemos sido bastante mimados con el sol y el verano durante el Desertfest, algo que tuvimos que pagar durante el sábado, ya que tuvimos tormentas eléctricas, lluvia y granizo a la vez, lo que también requirió otra gran entrevista exterior con la banda de swamp metal de Savanna, Black Tusk, que era la cabeza de cartel en el Black Heart más tarde en la noche. El sábado consistió sobre todo en ir de un lugar a otro para ver el mayor número posible de bandas, sin quedar empapado.

Isaiah Mitchell, Earthless

El domingo fue el gran final, donde nos dirigimos temprano para alcanzar a Earthless antes de su show, seguido por Witch, All Them Witches y Fu Manchu. Una vez que el cabeza de cartel de Roundhouse termina todo el mundo sabe que es a vida o muerte entrar en el Black Heart, donde milagrosamente conseguimos una mesa y pasamos el resto de la noche viendo a la gente y bebiendo hasta la hora de cierre a las 3 de la mañana, lo que de nuevo requiere otra media hora (al menos) permaneciendo fuera en la calle con la esperanza de que aparezca algún otro lugar para la fiesta, y así fue. Dos horas más tarde, con deshidratación y dolor de cabeza, fue el momento de darse cuenta de que el Desertfest London había terminado, por esta vez.

Charles Michael Parks, All Them Witches
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Record Store Day 2019: el top 10 actual de la representante de A&R Ella Stormark

En el exterior de Reckless Records en Berwick Street, en el Soho, Londres.

Un año más llega el Record Store Day, un día para celebrar la música en formato físico, al tiempo que se ayuda a los músicos a llevar la cena a su mesa. El Día de las Tiendas de Discos se puso en marcha para “celebrar la cultura de las tiendas de discos de propiedad independiente”, y ya va por su undécima edición tras su lanzamiento en 2008. Aunque me encanta el Record Store Day y la idea que lo sustenta, debo admitir que suelo hacer mis compras en momentos más tranquilos, cuando no tengo que hacer cola para entrar en la tienda. Qué puedo decir, ¡soy una dama del ocio! Prefiero que mis discos se compren tranquilamente sin que nadie espere impacientemente a que termine de hojear la sección de los 70. En honor al Día de las Tiendas de Discos de este año (como también hice en el anterior), he revisado mi colección de discos para elegir mi actual Top 10. Digo actual, ya que estas cosas cambian, y mi colección sigue creciendo. Veo un ligero patrón aquí con todos los álbumes publicados entre 1968 y 78, así que cualquier recomendación posterior también es muy bienvenida.

Gratis – Tons of Sobs
Publicado – 1968
Adquirido – Sister Ray Soho, Londres

El álbum de debut de Free, Tons of Sobs podría ser uno de mis álbumes favoritos y el hecho de que todos fueran de menos de 20 años cuando lo grabaron es algo que me supera; un Paul Rogers de diecinueve años (con letras sexys y sensuales como “You don’t need your horses baby, you’ve got me a montar, no necesitas tu cama, te mantendré caliente dentro”), un diecisiete Paul Kossoff, de un año, en la guitarra principal, Simon Kirke, de diecinueve años, en la batería y el pequeño Andy Fraser en el bajo y las teclas, a la tierna edad de sólo dieciséis años, hace uno se pregunta qué ponían en el agua en aquella época, definitivamente no los medios sociales e internet, eso es seguro. De todos modos, durante la corta carrera de la banda, se demostraron ser una de las grandes bandas de blues británicas de finales de los 60 y principios de los 70, con ‘Tons of Sobs’ demostrando por qué.

Instinto humano – Quemando años
Publicado – 1969
Adquirido – Reckless Records, Londres

Siguiendo con los sesenta blues, éste un año más tarde que el anterior y desde todo el mundo en el de los neozelandeses “Human Instinct” y su álbum de debut “Burning Up Años’. La banda destacó entre sus compañeros con su batería de pie / cantante Maurice Greer, que hasta el día de hoy sigue activo con la banda, así como el guitarrista Billy TK, que era conocido como el “Jimi Hendrix maorí”. El álbum, que también tiene elementos de psicodelia, presentó varias versiones, como la de The Kinks’ ‘You Really Got Me’ así como ‘Everybody Knows This is En ninguna parte”. El álbum nunca llegó a ser tan grande como su continuación ‘Stoned Guitar’, pero sigue siendo una joya absoluta y vale la pena escucharla.

Slade – ¡Vivo!
Publicado: 1972
Adquirido: Tienda de segunda mano

Al mencionar a Slade es es casi imposible no pensar en su canción navideña “Merry Christmas”. Todo el mundo’ y quiero decir, con razón, es una gran melodía pop y se toca un millones de veces en la radio cada Navidad. Sin embargo, Slade es mucho más que algo que su álbum en directo de 1972 ‘Slade Alive!’ demuestra. Todo el El álbum es genial, ya que combina baladas y boogie, pero el tema inicial sólo merece que este disco esté en mi top 10; una versión alucinante de Ten Years After ‘Hear Me Calling’, las armonías, las subidas y la absoluta explosiones, la canción en sí es una fuerza de la naturaleza y no puedo ni imaginar la la emoción de estar en esa audiencia.

Agnes Strange – Sabor extraño
Publicado – 1975
Adquirido – Puesto de Flashback Records en el exterior de Black Heart durante el Desertfest London 2019

El boogie rock tres de Southampton pieza Agnes Strange sólo publicó este único álbum de larga duración, y más tarde el disco recopilatorio ‘Theme for a Dream’ que incluía material inédito y demos. El “Sabor Extraño” tiene un sabor extraño pero delicioso y contiene tanto boogie como blues, así como algo de Hawkwind espaciado vibraciones durante ‘Travelling’ y jams psicológicos, solos y bonitas armonías para ‘Loved Uno”.

Rainbow – Rising
Publicado – 1976
Adquirida – Comprada de segunda mano por el escandaloso precio de 3€.

La primera vez que me presentaron a Ritchie Blackmore a través de Machine Head de Deep Purple, antes de que mi padre se sentara más tarde me bajó y puso Rainbow Rising alrededor de los catorce años, diciendo “Esto es uno de los mejores álbumes dentro de este género, escucha”, y escuché, y justo lo fue, como de costumbre. El tema inicial, “Tarot Woman”, marca el ritmo del álbum y se convirtió en un favorito personal instantáneo junto a “Starstruck”, y por supuesto, el espectáculo sinfónico de ocho minutos y veintiséis segundos del disco, ‘Stargazer”, que cuenta con la Orquesta Filarmónica de Múnich. Esto fue Arco Iris en cuando todavía estaban liderados por el difunto, gran potencia de un hombre, Ronnie James Dio,

T2 – Todo se resolverá en Boomland
Publicado – 1970
Adquirido – Alguna tienda de discos californiana

El álbum de T2 de 1970 ‘It’ll All Work out in Boomland’ es probablemente lo que se podría llamar una obra maestra progresiva, que es suave, melódico, melancólico y pesado a la vez. La T2 debería estar lista allí mientras discutía con gente como King Crimson, además de llevar a Pink Elementos tipo Floyd y algunas influencias de rock pesado. Mi primer encuentro con la banda fue a través del tercer tema ‘No More White Horses’, que fue suficiente para que inicie la búsqueda para añadir el álbum a mi colección. El registro sólo tiene cuatro canciones, siendo la cuarta y última, ‘Morning”, un 21 minuto de viaje épico a través de todos los elementos mencionados anteriormente.

Rory Gallagher – Tarjeta de visita
Publicado – 1976
Adquirido – Apollon, Bergen

Rory Gallagher primero se dio a conocer como guitarrista y miembro fundador de Taste, antes de yendo en solitario y grabando y publicando nombres con su propio nombre. Tarjeta de llamada fue el octavo álbum de estudio de Gallagher y demuestra que cada vez es mejor con el tiempo. En 1972 fue elegido por Melody Maker como el mejor guitarrista internacional de del año, por delante de Eric Clapton. También puede consultar su álbum “Live in Europe”, “I could’ve had Religion” es la canción de blues más hermosa.

Judas Priest – Stained Class
Publicado – 1978
Adquirido – Regalo de mi padre

Judas Priest fue y sigue siendo, una de las bandas de heavy metal más influyentes que ha visto el mundo y sigue siendo fuerte hoy en día. Su cuarto álbum “Stained Class” es absolutamente espectacular y preparó el camino para tantas bandas después de ellos, y también es a menudo citado como su mejor disco de la historia. Una cita ineludible para los fans del heavy metal.

Hawkwind – Ritual espacial
Publicado – 1973
Adquirido – Tienda vintage de Brighton (¡por el módico precio de 4 libras!)

El hecho de que haya conseguido para que Rising de Rainbow y Space Rituals de Hawkwind formen parte de mi disco la recogida por el coste total de 7 libras es una locura, ¡toma mi dinero! Este Dos discos de la época de esplendor de Hawkwind que incluyen a Lemmy en el bajo antes de que le dieran la patada. de la banda, y te da una pequeñísima visión de la locura que supone debió ver a los reyes del espacio en directo en los años 70, ya que se grabó en el carretera en Londres y Liverpool.

Thin Lizzy – Live and Dangerous
Publicado – 1978
Adquirido – Comprado de segunda mano

Live and Dangerous de Thin Lizzy es un álbum doble en directo grabado en Londres, Filadelfia y Toronto en 1976 y ’77 antes de ser publicado en 1978. Desde que escuché por primera vez este álbum, me ha resultado difícil volver a los de estudio, ya que la energía bruta que se muestra en este disco no es nada que pueda trasladarse del escenario al estudio. “¿Hay alguien aquí que tenga algo de irlandés? ¿Hay alguna de las chicas que quiera un poco más de irlandés en ellas?” Phil Lynott pregunta amablemente antes de romper con una versión extendida de “Emerald” de 1976, que es una de mis favoritas, así como “Suicide” y “Johnny The Fox meets Jimmy the Weed”, por mencionar algunas. En definitiva, el álbum muestra a una de las mejores bandas de rock ‘n’ roll que conozco en su mejor momento.

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¡Es un gran disco de bajos!

Este mes es la Voz del Bajo en Orange y me han pedido que recomiende algunos álbumes que celebran algunas de las mejores líneas de bajo retumbantes conocidas por la industria musical. He decidido elegir discos porque en el fondo soy un hipster que escucha vinilos y también me cuesta elegir una canción de un disco. En esta lista he escogido algunas canciones clásicas, pero también he intentado evitar las más obvias, como “Another one bites dust”, que me temo que se ha quedado fuera.

Stone Roses – Stone Roses

Para mí no se puede tener una lista sobre el bajo sin que Manny esté involucrado, he elegido mostrar su trabajo en los Stone Roses (fácilmente podría haber elegido ‘Screamadelica’) y el álbum de debut de la banda. La canción de apertura “I Wanna Be Adored” comienza con una cacofonía de sonidos, luego entra el tono retumbante del bajo y trae al resto de la banda. Podría haber elegido cualquiera de las canciones de este gran álbum, desde la línea de bajo que abre “She Bangs the Drums” hasta el riff de bajo que es el ritmo principal del final de ocho minutos del álbum, “I Am the Resurrection”. Lo que me impresiona tanto es el groove que atraviesa todo el juego de Manny y cómo está siempre encerrado con Reni. Son una de las mejores secciones rítmicas que he visto en directo.

Paul Simon – Graceland

Me prometí a mí mismo que no tendría slap bass en ninguna de estas selecciones y ya he roto mi regla (también creo que hay otra más adelante). Pero en mi defensa, esto se debe a la musicalidad que se da en todo el álbum y la parte más destacada es la del bajo, seguida de cerca por la de la batería. Tuve que elegir como ejemplo ‘You Can Call Me Al’ principalmente por el solo de bajo que se produce en el minuto 3.44, sí, ya sé que es un solo de slap bass pero a veces, sólo a veces, se pueden hacer bien. A lo largo del álbum, el bajo es el componente clave en la composición de las canciones, especialmente en “The Boy in the Bubble” y “Graceland”, donde cobra protagonismo con deslizamientos y ritmos cuidadosamente estudiados en la línea de bajo que impulsan las canciones.

Lou Reed – Transformer

Transformer” de Lou Reed es un gran disco por muchas razones, la icónica línea de bajo que compone su tema más famoso “Walk on the Wild Side” es una de las principales. El sonido icónico fue creado por líneas de bajo entrelazadas tocadas en un contrabajo y luego superponiendo una línea de bajo sobre la parte superior. Herbie Flowers, que tocó el bajo en el tema, tuvo la idea y pudo cobrar el doble por su trabajo en el tema. Herbie tocó el bajo en muchos de los temas, excepto en “Perfect Day”, “Goodnight Ladies”, “Satellite of Love” y “Make Up”, en los que tocó Klaus Voorman. Si no has comprobado este álbum (¿dónde has estado?) te lo recomiendo encarecidamente.

Alexisonfire – Old Crows/Young Cardinals

Descrito por la banda como “f**king heavy”, el último álbum de Alexisonfire antes de su parón se abre con el canoso tono del bajo de “Old Crows”. El álbum está lleno de grandes momentos de juego de bajo con Chris Steele, que se une al baterista Jordan Hastings en todo momento. Escogí este tema principalmente por el tono con el que comienza el tema, otro punto destacado del álbum es el groove encerrado de “The Northern”. Este tema, de ritmo ligeramente más lento, se sitúa en la mitad del álbum y tiene un tono de bajo y un groove clásicos.

Rage Against The Machine – Rage Against The Machine.

No podría ser una lista sin Rage Against the Machine. Pero no puede haber una lista de bajos sin Timmy C de Rage Against the Machine. Este álbum tiene tantos puntos altos para un intérprete de 4 cuerdas que es una clase magistral de diferentes técnicas. Desde el comienzo de “Bombtrack” con el staccato finger playing hasta el slap bass de “Take The Power Back” (perdón por más slap bass.) ¡Este álbum debería ser enseñado a todos los bajistas! Escogí “Know Your Enemy” porque la línea de bajo tiene mucho groove y contoneo en la introducción y luego cambia sobre sí misma a una línea de bajo andante para la estrofa con mucha facilidad. El álbum está lleno de musicalidad así, de principio a fin, no sólo es un gran disco, sino un disco de bajos excepcional.

aleta.

Así que me he dejado un montón de otros grandes discos para el bajo, lo sé, pero he tomado la decisión de elegir sólo cinco para que me comentéis y me hagáis saber más. Tal vez hayas encontrado algunos discos que se te habían pasado por alto y esto te hace revisarlos. ¡Deja en los comentarios tus recomendaciones y las revisaré!

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Hora de las pruebas.

¿Crees que tienes lo que hay que tener? ¿Crees que eres un maestro del amplificador? Hemos creado un completo cuestionario para separar las Satsumas de las Mandarinas. Pon a prueba tus conocimientos y comprueba si eres capaz de llegar al BLOOD ORANGE.

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Blues: Hasta las raíces

Vayamos al grano.

Cuando hablamos de la amplificación del blues, la manzana cayó muy lejos del árbol de sus orígenes. Sin embargo, hay algo fundamentalmente orgánico en el sonido del blues que no se ha perdido en la traducción.

Y es que la base del blues está en las raíces.

“El canal sucio Rocker ha sido el corazón de mi tono de guitarra durante 12 años. En solitario es cálido y te golpea como un muro de sonido, luego apilado corta y sostiene de la mejor manera posible. Es difícil imaginar un espectáculo sin esa firma de Orange overdrive” – Hannah Wicklund

Al igual que un árbol, las rupturas de las horas extras engendran nuevos retoños, alimentados por un linaje de antiguas raíces que siguen alimentando a los músicos. Inspirándoles a superar sus límites, evolucionando de forma casi indistinguible de sus antepasados.

Pero una vez que bajes al barro te darás cuenta de que todo lo que era, sigue siendo.

Las turbias raíces del Delta del Mississippi

Hasta cierto punto, hace falta mucha imaginación para contar la historia de la amplificación del blues. Pero lo que sí sabemos es que antes de la amplificación, teníamos el blues acústico. Un crisol de sonidos, mezcla de bandas de cuerda tradicionales, folk, criollo y canciones de teatro de Broadway.

No es de extrañar que leyendas como Robert Johnson se ganaran la vida tocando melodías americanas en Juke joints. Estos lugares eran salvajes y revoltosos, el propio nombre ‘Juke’ viene de la palabra gullah ‘joog’ o ‘jug’ que significa alborotado o desordenado. Así que la necesidad de instrumentos más fuertes era un requisito previo. Los resonadores se generalizaron para los que podían pagarlos. No muchos de estos jugadores podrían.

Blues: amplificado

Piensa en los primeros amplificadores que utilizaban estas leyendas del blues. Diseños improvisados construidos mediante la conversión de radios antiguas. Eran pura arenilla; suciedad inmunda que era la brutalidad encarnada.

El Orange Rocker 32 es el amplificador perfecto para alcanzar ese nivel de suciedad. Todo el tono de un monstruo de las válvulas dentro del espacio de un combo estéreo autónomo. Este es un amplificador diseñado para la experimentación.

AmplificadorOrange Rocker 32

Al igual que los pioneros habían recableado y reentubado las radios del ejército (a menudo los jugadores cambiaban los 6v6 más suaves por los EL34 estándar europeos) para crear bestias rugientes que normalmente se resignaban a la hora de cerrar un sábado por la noche, la Orange Rocker 32 te ofrece mucha flexibilidad.

Los 12AX7 en el extremo delantero le permiten marcar la distorsión hasta el Sr. Nasty mientras que los 12AT7 dan más espacio para la cabeza y un tono más limpio. Añade 4 x EL84 en la etapa de potencia y todo el conjunto se dispara cuando se sobrecarga.

Ahora bien, los músicos de blues de la vieja escuela no tenían lujosos retornos de efectos estéreo con etapas de salida de válvulas separadas, pero puedes estar seguro de que habrían estado fundiendo cabezas en el proceso.

Otras funciones interesantes son el modo de media potencia para no sufrir acúfenos, perfecto para los que no quieren experimentar el silencio ensordecedor de un motor de martillos durante un concierto íntimo.

Boomtown USA

Muchos de los músicos del Delta emigraron hacia el norte durante la gran depresión, hasta el Mississippi y a lo largo de la autopista 61 hacia las luces de la gran ciudad de Chicago, desde donde el blues explotó.

Cuando el dinero fluye, la tecnología crece, y con ello el diseño de amplificadores despegó. Los amplificadores clásicos que hoy simbolizan el sonido americano se convirtieron en un caballo de batalla habitual para los músicos de blues.

Sin embargo, esos amplificadores de antaño eran bestias sucias. Los actores; los innovadores. Así que cuando se trata de acercarse a esos sonidos clásicos hay que pensar en lo que ocurría allí.

Los amplificadores se modificaban y ajustaban, cada uno era único, a menudo impulsado por la necesidad de mantener el aparato en funcionamiento el tiempo suficiente para tocar en el siguiente concierto. Se dice que cuando Keith Richards y Eric Clapton rindieron homenaje a sus héroes reuniéndose con ellos en suelo americano, se esperaba que empuñaran Gibsons, pero en realidad estaban tocando Kays. Una percepción que proviene de la capacidad de tocar el infierno de cualquier cosa y hacer que suene mal.

TremLordOrange 30

El TremLord 30 es una versión de Orange de los amplificadores clásicos de los años 50. Es muy probable que este diseño vintage reforzado sea un fiel reflejo de lo que se utilizaba, optando por EL84 (nee EL34s) que rompen más que el tubo americano tipo 6v6.

Lo que esos tipos no tenían eran las cadenas de efectos contemporáneas que te dan mucha más flexibilidad sin sufrir pérdidas tonales.

Probablemente, lo más bonito que ha sucedido en el diseño de amplificadores de hoy en día es bajar el volumen pero seguir conservando la elasticidad de un amplificador de válvulas. Eso significa que no necesitas una plétora de amplificadores para mantenerte alejado de una orden de comportamiento antisocial.

El espíritu del renacimiento

Orange, como ya sabrás, desempeñó un papel en la escultura del sonido del blues desde finales de los años 60, cuando Fleetwood Mac llevó el primer equipo Orange por toda América. Esto supuso un gran paso adelante respecto a aquellos primeros músicos de blues que sacrificaban sangre y huesos para amplificar su sonido.

Se trataba de un muro de sonido, grueso con una compresión de rango medio, con bordes alquitranados y dentados que recordaban a las autopistas azotadas por el sol, donde sus orígenes se realizaban en los campamentos de los trabajadores de la carretera. Un sonido que sonaba sin cesar mientras los pájaros recogían la carroña que dejaban a su paso, y que ha evolucionado más allá de lo comprensible, pero que sigue siendo tan relevante ahora como hace 50 años.

El amplificador que encarna el espíritu del sonido británico es el Orange AD30nuestro amplificador insignia de todas las válvulas.

Así que dejaremos que la música hable:

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Divagar: Introducción

Después de apenas cuatro años trabajando como freelance para Orange, decidí que había llegado el momento de intentar dar un paso más, hasta la segunda base, se podría decir. ¿Puedo, por favor, tener una columna en la que escriba sobre todo lo relacionado con la música, y ponerle un nombre parecido al de Lester Bangs? Estaba conteniendo la respiración esperando impacientemente la respuesta: “Vamos a intentarlo”. Mierda, así que estoy haciendo esto – una columna donde comparto mis pensamientos sobre lo que sea, pero ¿cómo la llamo? Entonces, de repente, ahí estaba, claro como el día; ‘Ramble On’ – ¡es perfecto! Me quedé con este nombre porque, bueno, hablo mucho, y la canción de Zeppelin es un bombazo absoluto.

Cuando crecí conocí a Led Zeppelin por la colección de discos de mi padre, para mí eran una de esas bandas épicas de hace mucho tiempo, cuando el rock ‘n’ roll era todavía nuevo, y los gigantes caminaban por la tierra – no había nadie como ellos, excepto quizás Black Sabbath y Pink Floyd. Los tres son gigantes de épocas perdidas que ayudaron a moldear la música tal y como es hoy. Nunca soñé ni en un millón de años que tendría la oportunidad de ver a alguno de ellos en directo, bueno, a Zeppelin por razones obvias, ese barco zarpó trágicamente y se hundió el 25 de septiembre de 1980 con el fallecimiento de John Bonham.

Ozzy, foto de Fin Costello

Sin embargo, he conseguido ver a Robert Plant dos veces, la primera con Alison Krauss en 2008, y la segunda en el festival iTunes en Roundhouse en 2014. El corazón me dio un vuelco las dos veces que lloré con ‘Black Dog’ y ‘Babe I’m Gonna Leave You’: ¿cómo podía estar escuchando estas canciones en directo? También he visto otra cuarta parte de Zeppelin en carne y hueso con John Paul Jones tocando con Seasick Steve, donde tocaba una variedad de instrumentos junto al bajo, algunos de los cuales nunca había visto antes y hasta el día de hoy sigo sin saber cuáles eran. Obscura, por decir lo menos.

De alguna manera, también me las arreglé para ver a Black Sabbath dos veces antes de que todo terminara (aunque no con Bill Ward, ¡descorazonado!) – la primera vez en 2014 con Motörhead (que de nuevo para mí fue un gran sueño de la infancia hecho realidad) y Soundgarden apoyando, sin saber la importancia de lo que estaba presenciando y el final de dos eras por venir ya que tanto Lemmy como Chris Cornell, dos figuras tan masivas dentro de sus propios géneros, fallecieron en el siguiente par de años.

Pink Floyd

El verano pasado también pude ver a Roger Waters de Pink Floyd, mi hermano virgo de otra madre; me obsesionaba Waters desde que vi su DVD “In the Flesh” a los 13 años, y me regalaron “Wish you Were Here” de Floyd por Navidad ese mismo año. Avancemos unos años hasta encontrar ‘Live at Pompeii’ y el daño estaba hecho, demonios, no se consiguen esas cosas hoy en día. Las cosas que solían tener, hacer, bueno, probablemente no tenemos eso hoy en día tampoco… En fin, estoy perdiendo el hilo, como suelo hacer, y de ahí el nombre “Ramble On” (funciona bien, ¿eh?), lo que me lleva al siguiente punto, el hecho de que aún no he visto actuar a Jimmy Page; el guitarrista definitivo, y el jefe final del legado del rock ‘n’ roll. ¿Tal vez sacar ese traje de dragón de Earls Court por última vez?

A pesar de tener la suerte de haber visto a estos increíbles artistas décadas después de que todo empezara, no puedo evitar especular y soñar con cómo habría sido verlos en la gloria de su apogeo, cuando Black Sabbath gastaba más dinero en coca que en grabar, Pink Floyd exploraba la psicodelia y los visuales en el club UFO, y Led Zeppelin derretía las mentes con versiones de cuatro días de “Dazed and Confused” mientras se hacía con el título de “la mejor banda del mundo”. Hasta que se inventen los viajes en el tiempo, me limitaré a ver religiosamente “La canción sigue siendo la misma”, y a divagar.

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