Interview : Ken Rose de Hero Jr

Hero Jr – pour ceux qui ne connaissent pas le groupe, pouvons-nous avoir un aperçu du contexte ?
Hero Jr. est un groupe de rock influencé par le rock britannique classique des années 70, le Grunge vintage américain et le punk. Nous sommes Evan Haughey au chant et à la guitare, Dave DuBrava à la basse, Ryan Keyes à la batterie, et moi-même à la guitare. Nous venons tous les quatre de différents milieux et générations de rock, mais nous sommes fans de groupes de tous genres qui peuvent à la fois écrire des chansons de qualité et les interpréter férocement sur scène. Nous sommes tous sur la route et nous nous lançons dans le live. Nous ne sommes pas un groupe d’improvisation, mais nous ne jouons jamais nos chansons de la même manière et nous changeons toujours nos sets car nous avons deux heures et demie de matériel original. La façon dont nous abordons le passage de nos chansons du disque à la scène est inspirée par et dans l’esprit de Zeppelin et Hendrix. Nous sommes sur la route depuis le premier jour et avons joué plus de 800 concerts nationaux dans toutes les incarnations du groupe depuis 2010.

La façon dont le groupe a évolué et dont nous avons grandi est incroyable, et nous sommes devenus une famille à travers notre musique. Nous avons une grande éthique de travail, et nous nous sommes occupés nous-mêmes de nos réservations et de notre gestion depuis le début. Il est évident que nous devons écrire et jouer à un haut niveau, mais ce n’est qu’une petite partie de ce que nous devons faire en tant que groupe pour monter dans la chaîne alimentaire, et le lien que nous avons solidifié en travaillant ensemble en tant qu’entreprise inspire notre musique et est une énorme partie de l’attrait de nos fans. Nous sommes très bricoleurs et nous aimons être créatifs et travailler ensemble. Que nous soyons devant 10 personnes dans un club ou des milliers lors d’un festival, Hero Jr. est le groupe dans lequel j’ai toujours rêvé d’être.

L’histoire de la formation du groupe est unique et sera racontée en détail dans le numéro de mars du magazine Music Mayhem. Elle sera également disponible sur le site internet du groupe dès aujourd’hui.

Vous êtes sur le point de sortir un nouveau single “Deep End Price Tag” – que pouvez-vous nous dire à son sujet ?
“Deep End Price Tag” est l’une des neuf chansons qu’Evan et moi avons écrites en une semaine que nous avons bloquée pour écrire le nouvel album. Nous nous sommes assis dans le salon avec des guitares acoustiques, de manière très organique et sans stress, et tout a coulé de source. Evan et moi avons une grande chimie, même si nous sommes bruyants et électriques, nous écrivons à l’ancienne. Si les chansons sont bien ficelées, on peut les écraser quand on les branche. À ce stade, nous introduisons les chansons dans le groupe et peaufinons les arrangements pendant que nous trouvons tous nos rôles. Nous répétons toujours trois jours par semaine si nous ne sommes pas sur la route, ce qui nous laisse le temps d’expérimenter. Nous n’avons jamais de plan, mais nous savons ce qui ne fonctionne pas et nous savons nous arrêter lorsque la chanson est terminée.

Nous avons installé un petit studio dans le salon et nous enregistrons totalement en direct, voix comprises, sans casque. On n’a pas fait d’overdub. Nous contrôlons les voix comme nous le faisons en répétition et lorsque nous bouclons une prise, le débordement est minimal et joue un rôle dans l’ambiance des enregistrements. Dans un espace aussi restreint, et avec un volume sonore aussi élevé, c’est un peu aléatoire. Nous expérimentons donc le placement des microphones jusqu’à ce qu’il nous convienne. Tous nos albums préférés ont été réalisés de la même manière, la vibration primant sur la pureté de l’enregistrement. Tout, y compris la nouvelle vidéo pour le premier single, a été réalisé en direct dans le salon, avec le seul ajout “hors de la maison” du processus d’enregistrement est notre ingénieur de mastering de longue date et le wiz du sud de Londres Ed Woods.

Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur vous et votre parcours musical ?
J’ai commencé à jouer de la guitare quand j’avais 12 ans. Pas pour avoir voulu jouer d’un instrument, mais parce que mes parents m’ont dit que je devais le faire au nom de la “culture”. Je faisais du sport et ma première expérience de la guitare a eu lieu dans un groupe, avec un gros manche en nylon et un cercle de filles. Je l’ai détesté. On m’a “offert” le même choix l’année suivante et j’ai eu un professeur privé extraordinaire dans un magasin de musique près de chez moi. Il avait un classeur de chansons populaires avec des grilles d’accords et je pouvais en choisir une par semaine pour l’apprendre, avec mes exercices de notes. Bien que je ne le recommande pas, il m’a aussi fait planer. Inutile de dire que c’était la fin de ma carrière sportive.

Mon premier appareil électrique était une vieille Gibson SG que j’ai achetée dans la section des occasions du premier Guitar Center à W. Hollywood à L.A. Je suis resté dans ma chambre et j’ai pratiqué jusqu’à ce que mes doigts n’en puissent plus. Même si j’ai fini par oublier la plupart de ma “théorie”, j’ai étudié le jazz et joué dans l’orchestre de l’école et dans les comédies musicales de l’école. Mes premiers amours musicaux purs et durs ont été Jimmy Page et Neil Young, et je pourrais jurer que Page me parlait à travers son jeu. J’ai compris tous les endroits où il allait, surtout quand il allait chercher des choses et qu’il a failli tomber de la falaise. L’énergie de Zeppelin était comme une drogue pour moi, la meilleure pochette jamais vue pour le heavy rock. Neil Young avait la même chose, et était aussi un conteur incroyable et un déchiqueteur indompté. Cortez le tueur a toujours été un favori. J’ai toujours été attiré par les chansons bien écrites et les dynamiques grandioses. Mon autre grand amour est le blues et le R&B classique, ainsi que le funk des années 70, Sly, The Meters, BB King – il y a tellement de vibrations et de créativité incroyables là-dedans.

À Los Angeles, je travaillais avec beaucoup d’Européens et j’ai fini par signer chez Warner Music en Allemagne. Je n’avais pas vraiment ma place dans le monde de l’écriture pop munichoise, mais je n’avais pas non plus de groupe pour faire du rock, alors j’ai continué à écrire et à apprendre à écrire en le faisant. Je dirais que le tournant majeur de ma carrière a été de travailler avec Andre Lewis (Zappa, Buddy Miles, Johnny Guitar Watson, Mandre et des tonnes d’autres).

Lorsque mon contrat avec Warner a pris fin, il y avait une période d’un an pendant laquelle mon contrat ne me permettait pas de signer ailleurs, alors j’ai accepté un concert de blues avec Dre. J’étais nul. Il traversait une période difficile, il avait besoin d’argent et avait des concerts. Au début, je n’étais qu’un corps avec une guitare pour pouvoir payer son habitude de faire la fête. Mes compétences en matière de rock et mon volume sonore n’étaient pas suffisants dans les bars d’hôtel et les lieux plus jazz, et Dre me battait à plate couture. Quand il m’a traité de “petit blanc sans poche et sans dynamique”, il ne mentait pas. Dre était mon pote et il m’a relié à tous mes héros blues/rock britanniques via la culture de toutes leurs influences de la scène blues américaine des années 50-70. Cela a pris un an et des changements, mais il a réussi et mon jeu de guitare a commencé à changer et j’ai commencé à développer mon style. Dre était un enfant prodige et un génie du funk/blues, jouant d’une sangle de clavier à travers des amplis, comme une guitare, c’était un enfoiré. Malheureusement, peu de ses enregistrements solos lui rendent justice, car il était comme Prince, Sly et tous ces gars de la vieille école en un seul homme… jusqu’au fedora violet. Il me manque beaucoup et j’ai une dette de gratitude pour sa patience, son mentorat et son attitude de dur à cuire qui ne pardonne pas. RIP frère !

Alors que je vivais à Munich, j’ai commencé à me rendre à Londres pour travailler. En tant qu’auteur, je commençais à avoir plus d’opportunités, alors j’ai mis la guitare au repos et je me suis remis à écrire des chansons pour obtenir des réductions. J’en ai eu quelques-uns, mais je n’étais jamais satisfait et j’avais toujours envie de musique rock. En plus de Dre, j’ai travaillé sur des projets avec des artistes qui avaient une vraie crédibilité rock et ces projets m’ont ramené à ma guitare. La première a été de travailler avec Henry Small (Prism, John Entwistle’s Rock, Burton Cummings) qui était, et est toujours, un mentor et un ami important, et ensuite Tony Carey (Blackmore’s Rainbow). Les albums de Tony Carey et Planet P que nous avons faits ont indirectement conduit à ma rencontre avec Evan. J’ai finalement déménagé à Londres, où je suis resté pendant dix ans. J’adore l’ambiance musicale britannique et j’ai trouvé très inspirant d’y vivre. À part Nashville, Londres est la seule ville où j’ai la chair de poule dès le départ de l’avion. C’est peut-être l’esprit des Stones, Zeppelin, Floyd, Sabbath, et de beaucoup de mes groupes préférés. À Londres, j’ai commencé à travailler avec des écrivains indépendants et alternatifs.

Quelle est votre relation et votre histoire avec Orange?
J’ai été présenté à Orange par mes camarades de studio de Livingston, Romeo et Michele Stodart, de Magic Numbers. Je jouais des combos 50 watts Marshall JMP vintage et des AC30, mais je ne voulais pas les emmener sur la route en Amérique. J’ai fini par être introduit chez Orange USA à Atlanta et j’ai commencé à utiliser un OR50 et un baffle PPC212. Vous m’aviez garanti que j’allais adorer mon Orange et je n’ai pas joué au Marshall depuis. Parfois, j’utilise un Rockerverb 50 MKIII et, à l’occasion, un Dual Terror. Le RV50 à travers un PPC112 est génial pour les sessions en extérieur et j’adore la façon dont tous mes Orangeprennent les effets, surtout les sales. C’est le seul ampli que j’ai utilisé qui peut supporter mon Green Russian Muff des années 90 en plus du gain de l’Orange. J’adore l’équipement Orange et il correspond à mon style. Le PPC212 a le meilleur fond et il complète le matériel d’Evan à tel point qu’ensemble, nous sonnons souvent comme une grande guitare. Les pédales Orange sont également excellentes et j’utilise toujours la Kongpressor et la Fur Coat lors de mes sessions. Je garde toujours une Mini Crush sur la route et j’adore cette chose. Le driver Getaway est une autre pédale qui tue, surtout la sortie du simulateur de haut-parleur. C’est une super ambiance “backstage” avec des écouteurs. Tout le matériel Orange est bien construit et sonne chaud et gras. A-1 rock tout autour ! Orange fait désormais partie de Hero Jr.

Quelle est votre configuration actuelle ?
Tout est Orange dans le département des amplis. Principalement l’OR50 / PPC212 et parfois je sors le RV50. Ces combos tuent les grandes et petites pièces comme des demi-piles. Je suis un gars de Gibson et je joue avec une Les Paul Standard de 72 comme numéro un. Les Pauls et Orange sont les meilleurs ! Gibson vient de m’envoyer une réédition Custom Shop 60s Standard qui a une sensation similaire à celle de ma 72. Je ne suis pas un vrai technicien et je me fie surtout à mon intuition. Je joue toujours la même guitare, sauf si je casse une corde, ce qui ne m’arrive jamais depuis que j’ai adopté les cordes DR (11-50). Changeurs de jeu ! C’est la première fois que j’ai remarqué une différence spectaculaire dans les cordes et tout sonne mieux avec elles, et elles ne cassent JAMAIS (je touche du bois). J’utilise rarement des effets mais parfois un Dunlop Echoplex Delay, Echopark Harmonic Boost, vintage Phase 90, Memory Man et Green Russian Muff, et une CAE Wah. Si la guitare et l’ampli ne peuvent pas le faire par eux-mêmes, rien n’y fera.

Quelle est la prochaine étape pour Hero Jr ?
Quatre hommes de rock and roll qui veulent dominer le monde et faire découvrir notre salon au plus grand nombre.

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