昨年のHøstsabbatフェスティバルで、GraveyardのベーシストTruls Mörckをノルウェーの教会の外でインタビューしました。 現在、今年のDesertfest Londonの準備中で、金曜日にはElectric Ballroomでヘッドライナーを務める予定です。 そこでお会いできるでしょうか? チケットはこちら

OrangeアンバサダーであるElectric CitizenのRoss Dolanに 、バンドについて、ギタリストとしての初期の影響、そしてOrange愛についてインタビューしました。

“One of the biggest things that you learn from 50-odd years of experience,” begins Cliff Cooper, founder and CEO of Orange Amps, “is the ability to listen to something and just say no to a sound—and to keep saying no until you can truthfully say yes.” Although that seems, on the face of it, like a fairly simple requirement, Cooper, who started Orange Amps in 1968 with modest means and an exacting personality, is only too aware of the pratfalls of such pickiness: “But the problem with saying no to a sound or a product is that it costs time and money”, he explains. “Each time, you’ve got to work out why you’re saying no, and go back to the drawing board to fix it—and that’s the difficult part.”

That iterative loop—of listening and tweaking, pouring over schematics and components, then listening again, each time getting slightly closer to that resounding “yes”—has been a pattern played out throughout Orange’s history, and is perhaps the cornerstone of its success, with musicians returning again and again for the past five decades, knowing they’re going to get a piece of equipment that sounds perfect and is built to last.

Today, however, for the first time in the company’s history, Cooper is explaining that development process not in the context of a new guitar amp or effects pedal, but of a product built for both musicians and non-musicians alike: a premium Bluetooth wireless speaker called the Orange Box, which is also an Orange first—specifically, the first consumer-facing product designed entirely in house by Orange’s engineering wizards, from the ground up.

Since the initial blueprints were drawn up back in 2017, Cooper and the team have said “no” to a lot of Orange Box sounds. Now, however, they’ve given it a yes, and the Orange Box is available from tomorrow, starting a new chapter in the history of Orange Amps. Accordingly, this is a story of how over half a century of guitar-amp expertise can be adapted to something more universal; a story of trial, error, patience and success; and a story of what Cooper describes as one of the most important products Orange has ever made.

The new Orange Box: the premium Bluetooth speaker was designed 100% in-house, and is manufactured in the same factory as its guitar-amp cousins

“When we had the first prototype back for testing,” recalls Cooper of the early days of Orange Box development, “it just wasn’t better than anything else. It was fine—good, even—but it just didn’t stand out, and one of the things Orange has always been proud of is that anything we do has to be better than what’s already out there.

“So that’s why it took so long,” he continues, with a wry smile, knowing not only how six years stretches out in the world of research and development, but also knowing now that the Orange Box really does stand out. And it was clearly time well spent: listening to that initial prototype—then nicknamed the Juicebox—at Orange’s development laboratory is simultaneously a revelatory and lacklustre experience, with all three test songs of various genres selected for this article to put the unit through its paces sounding tepid and distant. Only Madonna’s ‘Hung Up’ has the faintest flicker of life (Bowie’s ‘Modern Love’ and Led Zep’s ‘Black Dog’ are pale imitations of their true selves), but the reality is that this particular Juicebox contained a far-too-diluted, watery recipe.

The second and third versions fared slightly better. For these, the R&D team experimented with weight-saving neodymium speakers and a more lozenge-shaped form-factor, and as a result, all three songs started to resemble their imperious selves. There was still something off, though—a sort of drab fizziness, like day-old soda water, with strangely scooped mids and muffled bass.

Thankfully, the fix was at hand: “After several prototypes,” explains Cooper, “we decided that the only way to improve the sound was to use active electronic crossovers, which other companies weren’t doing.”

The active crossover in a unit like the Orange Box splits the incoming audio signal in two based on frequency range, with the different signals being sent to different amplifiers specific to those ranges, and then on to appropriate speakers custom-tuned to those frequencies. An active crossover has the advantage of perfectly matching the respective specialist amplifiers and speakers, making sure all parts of the path work together holistically, and each part of the sound is dealt with by the most appropriate equipment. An active crossover also prevents loss of information in the splitting process, meaning that all the audio in your favourite records is retained, all the way to the speakers’ cones.

Getting that split-point right, however, is always the key, and this is where the expertise that Orange technical director Adrian Emsley, amp-design genius and brains behind virtually every Orange product for the past 25 years, shone through: “Frank and I changed the crossover so that just the amp dealing with the bottom end was Class D,” explains Emsley of his work on the Orange Box, alongside colleague and Cambridge academic Frank Cooke of JPF Amplification. “Then, the two amps dealing with the midrange and treble, on the left and right, were Class AB, which ends up much more musical in the area it needs to be.”

And musicality is exactly the watchword here. Listening again to those same songs on the first Orange Box prototype to implement such a crossover is a lightbulb moment, like a jump from black and white to colour: suddenly, Bowie’s vocals carry genuine anguish and Jimmy Page’s guitar a tangible bite. The arpeggiating synths on ‘Hung Up’, too, sound almost three-dimensional.

“Unlike a different guitar amp company’s wireless speaker, which is only stereo above around 3 or 4 kHz,” continues Emsley, referring to a frequency range in the very highest octave of a concert piano, “our version is stereo above 300 Hz [the middle of the piano], which works especially well with AC/DC-style guitar music, where Angus is on the left and Malcolm is on the right.

“Those other wireless speakers all sound pretty bad with AC/DC,” adds Emsley, ever the rock purist, “which I think is a very poor result.”

Rogue’s gallery: an assortment of Orange Box prototypes, each of which made progress towards the sound that got the “yes”

“The other thing, of course,” continues Cooper, “is that we use a wooden box. We could have used a plastic cabinet, to make it a bit more cost-effective, but it just sounded dreadful. Putting the speakers inside a wooden cabinet sounds much better, and we spent a lot of time making sure that the actual wood resonates correctly given the internal volume. If the cabinet resonates at the wrong frequencies, it just doesn’t sound right, you know.”

This level of perfectionism is evident upon examining the works-in-progress: each rejected test model had a different shape and heft, some including holes covered with rubber plugs, others with curved sides. Myriad porting options were clearly investigated, auditioned and tweaked. Every possibility was covered, it appears, before landing on the finished design. Then, finally, Emsley hit on the idea of making the crossover itself interact with its surroundings: “I put a hole in the active crossover at the frequency of the enclosure,” he reveals. “This ‘de-boxed’ the box, if you like, and gave the whole thing a more balanced frequency response.”

The result? Genuinely a sonically startling piece of kit, delivering the sort of audio quality you’d normally hear from speakers five times the size and price. All three test songs now leapt from the speakers, but not in the obnoxious, attention-grabbing way that has become the hallmark of a lot of more artless Bluetooth speakers, all booming bass and fool’s-gold glittery highs. Instead, the rasp of the sax lines on ‘Modern Love’ became almost tangible, and the undulations and throbs on ‘Hung Up’ were subtle and seductive, just as you’d imagine the producers of those records intended. ‘Black Dog’ growled with all the the verve and thrust as the first time you heard it.

In short, it made you want to play these songs again and again, and this repeat playability—that potential for long-term listening—has become an obsession of Cooper’s over the years: “One thing we kept an ear out for when testing was controlling for ‘listening fatigue’, which is when you listen through a product for a long time, and after a while it just doesn’t sound nice,” he explains. Any music lover will recognise the condition, and although exact causes of listener fatigue are still being explored, the latest research suggests that imperceptible sonic artefacts arising from non-musical aspects of a song’s reproduction, such as compression or artificial spatialisation, can cause listeners to lose interest.

“It’s difficult to design an amplifier or a speaker to control for listening fatigue specifically, because there are so many factors to take into account,” confesses Cooper, “but with the Orange Box you really can play it for ages—I have done!—and it doesn’t grate on your ears to the point where you think, I need to turn that thing off.”

A level of product testing this meticulous and drawn out, coupled with a love of making something that’s built to last, feels a long way from other bigger manufacturers’ approaches, which so often involves buying an off-the-shelf design from a Chinese third party, slapping their badge on it and releasing it without a second thought. But Cooper wouldn’t have it any other way: “It’s important that anything we bring out is fully researched by us and at the top of its range, and I think everybody in the company accepts that—Adrian in particular is fussy about everything!” he laughs of his colleague for nearly half of Orange’s entire existence. “It not only has to be really good, but it has to be bulletproof, and everything has to be built to last in terms of the components.”

The Orange Box’s control panel features and all-analogue EQ and an innovative warning light to show when the speakers are being driven too hard

Indeed, product longevity is another characteristic that Cooper and the team have carried from guitar-amp manufacturing over to the Orange Box: in a Bluetooth speaker marketplace saturated with disposable gadgets destined for landfill before the end of the summer festival season, Cooper was insistent that the Orange Box had to have premium staying power. That means the rechargeable battery had to be replaceable, and all components be made available for replacement well into the next decade, therefore also ensuring that the box was as green as it was Orange.

On top of that, the Orange Box comes with a unique audio-safety feature designed to lengthen the lifespan of the product: a tiny circuit between the crossover and the amps continuously monitors the volume of the signal going in, prompting a small LED to light up whenever the speakers are being driven too hard and potentially harming them. “It’s there to tell you when you should back off the volume so you don’t damage it, sure,” acknowledges Cooper, “but it’s also there to improve sound quality, to help you listen without any distortion, which in turn lessens listener fatigue.”

This audio-limiter light is a simple innovation that will keep the Orange Box in its prime for years, but it’s also a dead giveaway of a product designed not with the bottom line in mind, but with a genuine and enduring love for music, and for building innovative tools for spreading that love. After all, no one would ask for such an attentive add-on, but plenty will be grateful once it’s there.

It’s a feeling that sums up Cooper’s attitude, too: “Within the company,” he explains, “there’s an old-fashioned need to do things properly that’s run for 50 years, and if we can put it over to consumers that when they buy something with the Orange brand on it, it’s going to sound good, then that’s an achievement, and I think the Orange Box can do exactly that.

“After all, we don’t have any shareholders or venture capitalists to answer to,” he continues, proudly. “I’m the only shareholder! so any money that we earn goes straight back into developing new products—and I love doing that.”

It’s an approach that’s stood Cooper, and Orange Amps, in excellent stead since the 1960s, with countless iconic guitar amps—and world-famous fans—to show for it. As the company branches out into the middle of the 21st century, and to music connoisseurs, players and non-players alike, it’s also an approach, you sense, that will future-proof it too. 

OrangeアンバサダーであるWishbone Ashは、1972年の代表的なアルバムArgusの50周年を記念して、明日から5週間の英国ツアーに出発し、その後EUツアーと来年初めに米国での公演を予定しています。 全公演のリストはこちらでご覧いただけます。 周年を記念して、フロントマン兼ギタリストのアンディ・パウエルに、バンドのキャリアを大きく変えたこのアルバムについて話を聞いた。

アーガスのレコーディングについて、またこのアルバムがバンドのキャリアに与えた影響についてお聞かせください。

アーガスの レコーディングは、8トラックから16トラックにアップグレードされたので、エキサイティングでした。 そのため、アレンジされたギターラインとボーカルをダブルトラックで収録することができ、それがとてもよく際立っています。 当時はエフェクターもなく、残響効果はプレートエコーで、ギターのチューニングやイントネーションは音叉を使って耳で聞いていたんですよ。 ファンも批評家もこの作品を受け入れてくれたので、私はこのリリースをよく覚えています。ローリング・ストーン誌はArgusを「本質的に優れた」アルバムと評し、Soundsは「アルバム・オブ・ザ・イヤー」の栄冠に輝いた。 ディープ・パープルの『マシン・ヘッド』やジェスロ・タルの『シック・アズ・ア・ブリック』などのアルバムと競合していることを念頭に置いています。 当時、私たちは皆、この評価をとても誇りに思っていました…そして今でもそうです。 バンドのキャリアを完全に変えてしまったのです そのおかげで、英国で自分たちのツアーのヘッドライナーを務めるようになり、大舞台に立つことができたんだ。 それ以前は、ロリー・ギャラガーのテイストやモット・ザ・フープルといったバンドのオープニング・アクトを務めていたんだ。 その後、アメリカに渡って、ザ・フーのツアーの前座を務めることになったんだ。 最初の公演は、ミシシッピー・リバー・フェスティバルで35,000人の観客を前にしたものだった。 サウンドシステム、人の多さ、野外ステージには出演者用のエアコンまであり、驚かされました。 あのバンドと至近距離でツアーをすることで、私たちは多くのことを学びました。 Orangeバックラインを初めてアメリカに出荷し始めたのもこの頃です。 Orange機材は、大きなステージでもそのパワーと透明感でいつも音響担当者を感心させていましたし、ギターの音の多くはOrangeバックラインから得ていました。 一時期は、ライヴで200WのOrangeヘッドを2台使っていたこともありますよ。

50年後のアルバムについて、どのように感じていますか?

バックカタログの王冠に宝石を飾るような、贈り物のようなものです。 私たちは素晴らしいレコードをいくつか作ってきましたが、このアルバムはロックの歴史の中で完璧な時期に作られたもので、そこが違いです。 アルバムもそんな感じです。 バンドが生きている時代を切り取ることができる、私たちにとって『Argus 』はまさにそういうアルバムでした。 このアルバムのリフ、イントロ、アウトロは時代を超えたものとなっています。 The King Will ComeWarrior Blowin’ Freeなどの曲は、50年経った今でもとても温かく受け止められています。 私は今でも自分の曲「Leaf and Stream」や反戦歌「Throw Down the Sword」を楽しんで演奏していますが、このアルバムの中でソロイストとして最も素晴らしい瞬間の一つです。また、「Sometime World」も私のソロが入った曲で、本当に誇りに思っている。 私たちが開発したアレンジされたツインリードのギターハーモニー・サウンドが、シン・リジィ、アイアン・メイデン、オーペスなど、ロックやメタルの分野で多くのバンドのインスピレーションとなるとは思いもよりませんでした。 シン・リジィのスコット・ゴーハムは、シン・リジィがロンドンに移ってライシアムでウィッシュボーン・アッシュを見たとき、ベースのフィル・ライノットがその後に「ウィッシュボーンは自分たちが必要としている音を持っている」と言っていたことを教えてくれた。 アイアン・メイデンのベーシスト、スティーヴ・ハリスは2011年にGuitar Worldに、”もし誰かがメイデンの初期のもの、特にハーモニー・ギターを理解したいのなら、ウィッシュボーン・アッシュのアルバム『Argus』を聴けばいいと思うんだ “とまで発言している。

私もそう思います。これはまさに「ギフト・ザ・キープ・オン」であり、時の試練に耐えているのです。 新しい世代と共有できること、そしてライブで幅広い年齢層が見られることは、どのように感じていますか?

ライブで観客の中に子供連れのお母さんやお父さんがいるのを見ると、とても嬉しくなります。 もちろん、昔はお客さんの8割が若者だったのですが、今では私たちの音楽が時代を超えて普遍的な魅力を持っていることを証明してくれています。 それが好きなんです。 ウォーリア 』の大合唱を聴きながら、私たちの音楽が新しい世代のファンの想像力をかきたてることを確信しました。 最近、若い負傷兵がショーの後で私のところにやってきて、ウォーリアーが いかに闘病中の集中力を持続させてくれたかを話してくれました。 それはとても謙虚なことで、音楽と歌詞の力を再確認することができます。 特に「A slave I couldn’t be」は、ウクライナの闘争に通じるものがあり、何度か現地で演奏した経験から、今でもこの曲を頼りにしている若い戦士が実際にいることは間違いないだろうと思います。

フアン・フランシスコ・アヤラ、通称パコ・アヤラは、メキシコのロックバンド「モロトフ」のベーシスト兼ヴォーカリストとして知られるメキシコ人ミュージシャンです。

ラテンアメリカでの販売代理店であるレガート・セールスのダニー・ゴメス氏とエド・ナバロ氏とのインタビューで、パコは自身のキャリア、パンデミック時代、そしてバンドの計画について話してくれた。 また、OrangeAmpsでどのように自分のサウンドを見つけたのか、そのリグの詳細についても語っています。

近々、パコによるリグランダウンビデオが公開される予定です。

ホーリーデス トリオ by Rene Dominguez / @renphotogs

ジョン! ご自身のバンド「Holy Death Trio」について教えてください。
ホーリーデス・トリオは、2019年にテキサス州オースティンで結成されたハイエナジーなヘヴィロック・クリエイティブ・フォースである。 私たちは、ロックで魂に気持ちの良いものすべてを融合しています。 リストやモーツァルトからモータウンやビートルズ、60年代、70年代、80年代、そしてなぜヘアメタルが失敗する運命にあり、シアトルがノーシットレボリューションを巻き起こすのかなど、現在の音楽業界について研究開発を行い、自分たちの音楽の歴史を知っていることに誇りをもっているのです。 私たちは音楽史の話が大好きです。これを読んでいる人は、私たちと一緒に討論しましょう

パンデミック中にデビューアルバム「Introducing」をリリースされましたが、そのことについて少し教えてください。
ファーストアルバムのレコーディングは一生分、セカンドアルバムのレコーディングは1年しかないと言われていますが、このアルバムは2013年に書いた曲も入っていて、一生分の音楽が入った感じです。 それに加えて、エゴとの戦いや批判的な人々への対応など、私たちが経験したことが混ざり合っています。 このアルバムは、愛と狂気の労働だった。 他のSleepのカバーバンドにはなりたくなかったので、自分たちらしさを出すことにしました。

とはいえ、私たちはチャールズ・ゴドフリー(スケアリー・アメリカン)という本当にすごい本物の男に会いました。彼は伝説のソニックランチスタジオで10年間働き、素晴らしいアルバムをいくつか録音し、さらに彼自身がエンジニアとプロデュースをしたビルボードチャート1位のアルバムも持っていました!彼は、そのような素晴らしいアルバムを作ることができるのです。 ナンバーワン・アルバムを作った人とレコーディングしたと言えるバンドがどれだけあるでしょうか?

才能あるバンド、才能あるプロデューサー、そして素晴らしいアルバムを作ろうという意欲、これが私たちの成功のレシピでした。 自分たちでプレスキャンペーンに資金を出してリリースすることを決意し、そうすることでブラスコ(オジー・オズボーン、ロブ・ゾンビ、ダンジグなど)を誘致したのです。 彼のおかげで、リップルミュージックとレコード契約を結ぶことができたんだ。 ということで、イントロダクションが誕生しました。

ホーリーデス トリオ by Levi Guzman / @dreamthorp.

Ripple musicと契約することになった経緯と、彼らとの共同作業はいかがでしたか?
私たちは、バッキーブラウンという親友に見出されました。 彼は、ヘビーブルースのヒット曲「The Killer」のライブバージョンを演奏したビデオを見て、リップルミュージックのトッド・セヴェリンに送りましたが、私たちはレーベルと契約することを渋っていたんです。 私たちの音楽は誰のものでもない! 私はいつもそう言っているのですが、幸いなことにリップルはミュージシャンを騙すような商売はしていません。

1ヶ月以上電話鬼ごっこをして、リップルはすごく合うとわかっていたので、結局、2020年の大晦日、アルバム全曲のレコーディングを終えた直後に、トッドとバンドとの完璧な電話を宇宙が許してくれたんです。 少なくともブラスコットと話をして、それでも契約するのが不安なら、心配するな、いつでもサポートするから、と言ってくれたのだ。

しかし、ブラスコは信じられないような取引をし、私たちの音楽の100%を所有し、アルバムのプレゼンテーション(アートワーク、ジャケットデザイン、フォーマット)をすべて引き受けてくれると確約してくれました。

世界が再び開かれつつある今、ようやく旅に出られた気分はいかがですか?
それは呪いであり、恵みでもある。 アンダーグラウンドのストーナー・ロックの世界でバンドをやっていると、必ずしも大きな報酬が得られるとは限らない。 私たちはできる限りどこでも演奏するようにしていますが、ガソリン価格が高騰しているため、路上で演奏するのはビジネスとして成り立ちません。 1000円のライブでも500円以上はガソリン代で食われてしまう。

もちろん、戦場は選びますが、テキサス州オースティンに決めました。フェスティバルの日程がない限り、他の場所に行く必要はないのです。 正直に言うと、人々はもうローカルのショーには出かけなくなってきています。だから、その中間地点、たとえばDesertfest NYCのように、すでに彼らが来ている場所で会うのがいいでしょう。

まだ発表する大作があります。もし、あなたの曲を演奏してほしいなら、[email protected] まで連絡してください。

5月にDesertfest NYCに出演されますね。 それに対して、どのような考えや期待を持っていますか? イギリス版の映画祭はご存知でしたか?
私は以前からデザフェスの大ファンでした。 僕の目標はヨーロッパをツアーしてデザートフェストに出ることだったけど、ここアメリカのデザートフェストで演奏できるのは光栄なことだ。 このイベントは、かつて世界のロックの中心地であったニューヨーク・エフィン・シティで開催されることを除けば、最初のサイコ・ラスベガスと同じくらいの宣伝効果があるでしょう。 記録的な一枚になりそうです。

映画祭の参加者は、HDTのショーに何を期待するのでしょうか?
Heavy Rock Experienceを手に入れることができます。 ハイエナジー、フルスロットルのアンプ・ワーシップ! ストレート・イン・ユア・フェイスのロックンロール。 ステージでは、3人の悪党が全力で、翌日には世界が終わってしまうような演奏をするのが見られるはずです 血と汗と涙と炎!?

ホーリーデストリオのライブってどんな感じなんだろうと思っている方は、ホワイトベティのビデオを見てください。

現在のOrangeセットアップをお聞かせください。
現在、Rockerverb100 MKIIIとDual Dark50、2台のPPC 4×12を使用していますが、すべてブラックで統一しています。 大きくなるか、家に帰るか。

あなたの夢のOrangeRigはどのようなものですか?
私はRockerverb100で夢のオレンジリグを手に入れました。 アンプに必要なものはすべて揃っていますが、ステージの両脇にPurpleに包まれたフルスタックがあったら、ちょっと泣けるかもしれませんね。

Kryptograf by Olav Vikingstad.

最新アルバム「The Eldorardo Spell」を記念して、KryptografのギタリストVegard Bachmann Strandに、Iver Sandøy (Enslaved) & Gaahl (Gaahls Wyrd, 元Gorgoroth) とのレコーディングや仕事、ギタリストとしての初期の影響、そしてもちろん、Orange選んだことについて話を聞いてみた。

Kryptograf、バンドの背景を聞かせてください。
2016年から別のバンドで一緒に演奏しています。 私たちは皆、トロンハイムの同じ学校に通っていた時に出会いました。 2015年にOddとルームメイトになって、一緒に音楽を作り始めたのがきっかけかな。 同じメンバー+シンガーの別バンドで何年も活動してきたので、心機一転したいということで2019年にクリプトグラフをスタートさせることにしました。 プロト・ドゥーム的なものを本当に掘り下げられるような、明確な方向性を持ったバンドが欲しかったんだ。

クリプトグラフはセカンドアルバム「The Eldorado Spell」をリリースしたばかりですが、どんな作品ですか? について教えてください。
新しいアルバムを書き始めたとき、同じアルバムを2度作りたくなかったんだ。 ファーストアルバムは、60年代後半のハードロックやサイケデリックロックの原始的な時代にかなりフォーカスしていましたが、「The Eldorado Spell」では、さらに一歩踏み込んだ内容になっています。 このアルバムは、よりプログレッシブな要素とメロディックなひねりを含み、70年代半ばのヘヴィ・メタルのような雰囲気を持っています。 また、ペンタングルやフェアポートコンベンションなど、60年代のフォークロックグループからのインスピレーションもある。 このアルバムは、2021年に私たちのプロデューサーであるIver SandøyによってSolslottetスタジオでライブ録音、ミキシング、マスタリングされました。 彼は私たちのファーストアルバムも手がけてくれていて、彼との仕事は本当に好きなんだ。 また、このアルバムにはゲスト参加もある。 ヴォーカルはKristian Eivind Espedal (Gaahl)、トランペットはØrjan Hammer Volvikが担当しています。

Gaahlをレコーディングに参加させた経緯と、彼との共同作業はいかがでしたか? 彼はノルウェーの音楽シーンだけでなく、世界的なブラックメタル界でもかなり著名なミュージシャンであることは明らかです。
Gaahlの参加は、実はスタジオでボーカルを録音しているときに自然に思いついたものなんです。 タイトル曲の話し言葉には、怖くて暗い声が必要だったんだ。 プロデューサーのIver Sandøyは、Gaahlとたくさん仕事をしていて、彼のことをよく知っています。 突然アイバーから『エルドラドの呪文』の完成したマスターが送られてきて、そこにいたのです。 初めて聴いたとき、背筋がゾクゾクしたのを覚えていますよ。 残念ながら、その場に立ち会う機会はありませんでしたが、彼が参加したいと言ってくれたことにとても感謝しています

ベルゲンを拠点とするApollon Recordsから2枚のアルバムをリリースしていますが、どのような経緯で彼らと契約することになったのでしょうか?
アポロンとは、ファーストアルバムをリリースしたときから一緒に仕事をするようになりました。 とても誠実でカッコいい人たちだと思いました。 彼らは私たちのファーストアルバムで素晴らしい仕事をしてくれたので、今作でも引き続き一緒に仕事をしたいと思いました。

オープニング・トラックの「Asphodel」は、これまでの作品と比べるとかなりプログレッシブな驚きですが、これは意図的に方向転換したのでしょうか、それともジャムって書いた結果なのでしょうか?
これは、リハーサル室で一緒にジャムった結果だと思うんです。 曲作りではあまり考え込まないようにしていて、物事は成り行き任せです。 最後の部分のフォーキーな雰囲気がとても気に入っていて、そこにアコースティックギターなどを加えて少し工夫することにしたんだ。

セルフタイトルのデビューアルバムは、ちょうどパンデミックの始まりの時期にリリースされましたが、それらの曲をライブで演奏する機会はあまりなかったのではないでしょうか? 今回、あなたは フルキャパシティ、ノーリターンのライブを行う。 に戻ることができましたが、いかがでしたでしょうか。 あれ?
すごいことになっていますね。 ノルウェーのオスロとクリスチャンサンでソールドアウトした公演を含むツアーを終えたばかりで、5月にはオランダのSonic Whipフェスティバルで演奏する予定なんだ。

インスピレーションの源となったアーティストを挙げるとすれば? 若いころは? 特に印象に残っているミュージシャンやギタリストはいますか? ギターを弾くきっかけとなった曲は?
ブラック・サバスに一番影響を受けたと言わざるを得ませんね。 2005年、子供の頃、母親に連れられてベルゲンのライブを観に行ったのを覚えています。 完全に頭が真っ白になりました 私は子供の頃から70年代のロックが大好きでしたが、好きなギタリストはトニー・アイオミ、アンガス・ヤング、リッチー・ブラックモアだったでしょうね。

あなたはOrange派ですが、初めてOrangeに出会った時のことを憶えていますか? ステージやビデオでライブ演奏をご覧になったり、ご自身で演奏されたりして、当社のアンプを体験されましたか?
Orangeアンプを知ったのは、1970年のテレビ番組でブラック・サバスが使っているのを見たのが最初だったと思います。 トニーは普段からレイニーを愛用していたので、ちょっと皮肉な話ですが、あのオレンジ色のアンプは見た目も音もとてもかっこよかったです また、マット・パイクが巨大な壁のようなオレンジ色のアンプを使っているのを見て、その音がとても気に入ったことを覚えています。

現在の機材とその経緯について教えてください。
現在の機材はOrangeOR50とPPC212キャビネットです。 その装備は絶対に気に入る

Orangeアンプを追加するとしたら、どのアンプにしますか?
Orangeヴィンテージアンプをいくつか所有したいです。 例えば、昔の写真だけのアンプやOR80のようなものです。 Rockerverb音も好きです。 本当に多機能で素晴らしいアンプです。

Kryptografの2021年OrangeJamsのセッションは以下よりご覧ください。

Hey guys, what’s up I’m Scott Middleton and I play in Cancer Bats. So we just dropped an album called The Spark That Moves. It’s our 6th studio album. We kinda did a surprise thing – right now we’re celebrating our 10 year anniversary of our 2nd album Hail Destroyer which has been really cool and everyone’s been really excited. While the focus has been on that, we’ve been secretly making a new record and we just dropped that the day of our first show for the 10th anniversary as just kinda like, to give back to all our fans that have supported us through the years. It’s like, “hey it’s for you guys” it’s not about hype, we worked really hard on these songs and we hope everyone really enjoys this just as much as our past stuff – the reception has been amazing and all the reviews that have been coming in have been way better than what we could have hoped for.

It’s exciting to celebrate the old Cancer Bats and user in the new era of the band. I think our band, when we first stared out was was a bit, um, a bit more simplistic in terms of arrangements and idea’s I think. Things were a little bit faster, a little bit knarlier – we were pushing different styles for the bands and trying to be creative. It’s like how do you make a heavy interesting for 2018? Because so much of it has been done before. Yeah, we’ll always have classic elements of rock, punk and metal in our band but we’re always going to try and thing forward and see where we can push boundaries forward too.

The Bag Bangeetar is a pedal that I got a couple months before we actually went into to record and I mean, that pedal blew me away the second I tried it. I threw it in front of my little crapp practise amp that I’ve had since I was 15 – this terrible thing, but it’s something that I’ve used to write riffs on when I was home. I just plugged it in and it just sounded like a monster stack – it was crazy. Just the flexibility of the EQ – the Baxandall EQ… it just has a crazy amount of range and it’s all about sounding good. Because there’s a parametric mid-range band, i’m able to take out of any nasty frequencies that a certain guitar pickup might push through too much and I can take that out or I can add stuff that’s missing. The other thing that I notice is that the pots on it are the highest quality – it’s all de-tended to it’s easily recallable so if there’s a setting you just take a photo or write it down and it’s easy to go back and find that place again. As I experimented and wrote a bunch of song idea’s with the pedal, I had to bring it with me to write the new album. The Orange sound is becoming an important part of Cancer Bats in the new direction that we’ve been going in. I bought that pedal with me and I was able to just plug it into the effects return of a loud amp and there it was. There was the sound. When we track the guitars, we do yto9u know passive left and right, and we stereo pan them and entirely one side is the Bax Bangeetar and into an amp that is cranked up and it sounded amazing. It was like ‘holy shit, this is just what we’ve been looking for’!

The other thing that I’ve been doing lately – I don’t know if everyone knows about it – but I’ve been producing a lot of records at my studio at home. What I found was super great with that pedal is that I can use it as a way to have guitarists track live in a room with a drummer. So when we’re tracking drums, I don’t have to have an amp that’s cranked up that bleeding into the drum microphones. It was a Cab Sim out which sounds awesome and gives the guitarists the a comfortable and accurate tone that’s inspiring. One of the drawbacks to headphones is how do you give the guitarist enough gain and tone so when he’s playing alongside a drummer, he’s giving it his all, and that in turn inspires the drummer to hit even harder. That’s been an indispensable studio tool. I had a band come in with the OR120 and you know, it was crazy how close I was able to dial in the Bax Bangeetar pedal to sound like a real Orange Amp – that’s the real difference with so many other distortion pedals out there… we’ve all used them and tried them! This pedal, really feels and sounds like a real amp.As a pre-amp pedal, it’s inspiring to play, so when I’m trying to convince other guitar players to try something they’re like “you want me to plug into a pedal? Shouldn’t I be using a guitar amp or something?” and they’re like “oh, no, that’s good!”.

For me it’s been a revolutionary tool for studio work. I can plug in and go direct, that’s one thing, but I can plug into any amplifier and get that Orange sound that I’m looking for which is really cool.

If you think about the Bax Bangeetar in terms of a traditional pre-amp… what I would normally do is, run any other pedal I’m using before it. So I’d put my wahs, compression, any boost or fuzz – I’d run that into the Bax Bangeetar and I’d run any modulation or delay effects, post that pedal so it all kinda ties and again, because it has such an amp-like feel, I don’t need to think too much. It just compliments it really well. That pedal itself is a game machine. It’s not meant for clean tones really, you’re either putting it into a lcean amp or the effects return and turning it into a monster sound – and that’s what I love about it and what I’m always looking for. There’s so many amps out there with a million differnt knobs and six different channels and everyones trying to add extra features and such, but this is just everything you need, it is the high-gain channel that you want. That’s the difference for me. The simplicity with the pots, being easy to recall in a live setting, it’s flexible in it’s EQ – it can work with so many different amps, guitars and pedals… that’s why it’s kind of become the secret weapon for me.


To learn about the Bax Bangeetar click here 


グルートル 
ノルウェーのヘビーメタルバンド、Enslavedのボーカル兼ベーシスト、Grutle Kjellsonです。

適切なアンプを探すのに時間がかかり、いくつかのブランドを試しましたが、ベースの音が自分の思うように溶け込まず、満足することはありませんでした。 個々では良くても、2人のギタリスト、キーボード、ドラム、ボーカルとなると収拾がつかなくなるはずです。

バンドで5人のメンバーが全員演奏する場合、ライブでもスタジオでも、サウンドマンのためにすべての楽器を分けるのはもちろん難しいです。 アンプとの相性も重要です。 Orange他のものとブレンドしやすいアンプでしょう。アタックはそのまま、音色もそのまま、厚みもそのままです。 2本のヘビーメタルギターのアタックや、重厚なオルガン、ヘビーメタルドラムのパウンディングなど、他の音の暴力に囲まれていてもだ。

Orange、ブラックメタルやデスメタルの爆音には必ずしも向かないが、少しダイナミックでグルーブ感を加えると、間違いなくOrange ポップスやロックからエクストリーム・メタルまで、音楽のダイナミクスを生かし、ただ全開にするのではなく、全開にすれば、何を演奏してもいいということです。

今のところ、私のライブのセットアップは、AD200BアンプヘッドとOBC410キャビネットで、これで十分すぎるほどです。 今回のツアーでは、レンタル会社が810しか持っていなかったので、私はその前に立っています。 かなり重厚感がありますね!本当に効きます。 小さいステージでは410の方がいいですね。

この機材には本当に満足しています。Orange一緒に何度かツアーを行いましたが、彼らは本当に働き者です。 アンプやキャビネットに問題が発生したことはありません。アンプヘッドは常に2台、予備も1台用意していますが、予備を使わなければならなかったことは一度もありません。 本当に頼りになるし、毎晩同じで素晴らしい音を出してくれる。

Orange名簿に載るのは素晴らしい気分です。15年前のゲディ・リーや他の偉大なミュージシャンたちと同じ名簿に載るなんて想像もできませんでした。 本当に素晴らしい、かっこいいミュージシャンがいっぱいで、乗れることが光栄です。

 

DrengeはDerbyshire出身の3ピースバンドで、EoinとRoryが2010年にバンドを始め、2015年に元Wet NunsのRobを招聘した。 Robはこの2年間Orange演奏しており、現在はAD30 PPC212キャビネットを使用しています。 ロブは、この組み合わせが彼の多くのペダルのための完璧なプラットフォームを提供し、どのようにOrangeAmpsの多用途性に感銘を受けたかを説明します。

こんにちは、僕はロブです。Drengeと一緒にOrange演奏しています。

私が初めてギターを始めたのは90年代で、その影響を受けて時代を遡っていった感じです。 特にFugaziは、アンプに直接繋いでギター1本、ペダルや複雑な機材は一切使わないというバンドに初めて出会ったんだ。 その音と、実際のギターで自分のエフェクトのボリュームコントロールを使うこと、これは今でもやっていることなんです。

Orangeアンプがどんな音なのか、自分の中でイメージがあったんだと思う。確かにストーナー・ロックのような全体の音は好きだけど、このバンドにふさわしい音ではないんだ。 だから、このギターを手に入れて、彼らと一緒に演奏し始めたとき、その音を出す必要がないことに、ちょっと驚きましたね。 すごくいい音で、すごく大きな音で、これ以上何を望むんだ?

両方のチャンネルの音が好きなので、両方のチャンネルを使ってスイッチングということをしたいのですが、今まで声のきれいな方のチャンネルでやっていました。 今はアグレッシブなものをペダルでやっている感じですが、近いうちにチャンネル切り替えを探ってみたいと思っています。

私は常に音を優先しています。素晴らしいサウンドを持つことで、常に諦めたり、動かなくなったりする心配はありませんし、本当によくできたもので、とても満足しています。

それで、このアンペグを弾いているんだけど、ダン・アームストロングが作った60年代の古いギターの復刻版みたいなもので、プラスチックでできているんだ。 これはブラックフラッグのギターのグレッグ・ギンのようなもので、多くのかっこいい人たちの中で彼が弾いたものです。 ギターからBOSSのチューナー、そしてOctave TCに繋いで、レコーディングでは2本のギターをダブルトラックしている曲もあるんだ。 1つはリフを弾き、もう1つはリフをオクターブ上で弾き、それらの部分を演奏するだけです。

それから、メロトロンペダルも持っていて、アルバムにはメロトロンのパートがある曲もあるので、キーボードに持ち替えて演奏するよりも、メロトロンペダルだけで演奏しています。 それは、フルウェット、ストリングス、コーラスのものです。 Orange Amp Detonator使用していますが、これはまさに想定通りの働きをするエースで、非常にうまく、ノイズもなく、素晴らしいものです。 その後、Stone DeafのPDFに入るんだけど、これはワウサウンドのセットとして使っていて、ホンキーリードソロのようなもので、カットスルーするために、かなりブルータルなセッティングにしている。 それから、Ratは最も歪んだ状態で、Micro Ampはアンプクランチーセッティングの後、次のステージで、Ratはあなたの顔を切り裂き、PDFはあなたの顔を切り裂きますが、非常に特殊な中域で行います。

それから、Melekkoディレイペダルは素晴らしいもので、かなり型破りなサウンドのディレイで、高振動のフィードバック系が多く、クールなものです。 チャンネル1は、あまり攻撃的でなく、ゲインも高くないチャンネルで、かなり大きな音量で、低音はフルに、中音はかなり大きく、高音はこのAmpegの明るさのためにほんの少しロールオフされています。 だから、それが全体のベースになっていて、セットの中にはそれだけで、常にペダルがついているわけではないポイントもたくさんあります。 ギターのボリューム・コントロールをフルに使ってアグレッシブに、そしてクリーンなサウンドにしたいときは少しボリュームを落とすというように、アンプだけで演奏することもあります。