Glenn Hughes – bassiste extraordinaire et chanteur d’une autre dimension, un musicien qui a joué un rôle essentiel dans le heavy rock britannique et a initié Deep Purple au funk, a brièvement dirigé Black Sabbath dans les années 80, a sorti un album avec Pat Thrall et a joué avec des musiciens tels que Joe Bonamassa, Joey Castillo et Jason Bonham, pour n’en citer que quelques-uns. Le plus récent est l’aventure“Glenn Hughes joue Deep Purple“, où il revit ce qu’il a fait avec MK III et MK IV au cours de deux grandes tournées mondiales.
Tout d’abord, permettez-moi de dire que je trouve merveilleux que vous fassiez cette tournée, pas seulement pour moi, mais pour beaucoup de gens qui ont peut-être connu Deep Purple par leurs parents, et aussi pour les fans de longue date de Purple – c’est un immense plaisir et même un privilège de pouvoir entendre ces chansons qui reviennent à la vie des décennies après avoir été écrites – homment cela a-t-il été de jouer ces concerts et de faire découvrir cette musique à une nouvelle génération ?
Glenn : En 2017, des promoteurs du monde entier m’ont demandé si je serais intéressé à faire ces spectacles d’héritage avec ce que j’ai fait avec MK III et MK IV. Si vous me connaissez, vous savez que j’ai déjà joué certaines chansons dans mes spectacles, ainsi que d’autres chansons de mes anciens groupes comme Trapeze. Je n’ai jamais fait un spectacle complet de deux heures de cette musique, ce qui signifie que j’ai dû revenir en arrière et creuser profondément pour déterminer quelles chansons, quels arrangements, comment je les jouerais et si je serais capable de le faire avec la même angoisse et la même énergie que lorsque j’avais 23 ans.
Lorsque cette tournée est devenue une réalité, j’ai dû me mettre en forme, ce que j’ai fait, et tu sais, Ella, et tu pourras me le dire plus tard après le spectacle, je ne ferais pas ça si je ne pouvais pas tenir mes promesses. Il ne s’agit pas d’un type qui arrive, prend une guitare et reste immobile, mais d’un homme qui est entré dans son personnage. Quand je suis là-haut, je ne veux pas avoir 23 ans, mais je me sens effervescente, je me sens jeune, et quand je chante ces chansons, on ne voit pas vraiment la différence. J’ai fait pousser mes cheveux, et j’ai les tenues. Pas les originaux, car beaucoup d’entre eux ont été perdus en cours de route, et certains sont même exposés au Rock ‘n’ Roll Hall of Fame. Par chance, je suis amie avec des créateurs incroyables, et la mode est un sujet pour lequel j’ai toujours eu un vif intérêt, que je tiens de mon père. Mais bien sûr, c’est la musique qui est le centre de mon univers, ce pour quoi je vis.
Ces dernières années, vous avez également été très occupés à sortir de nouvelles musiques, la dernière en date étant le quatrième album de Black Country Communion, BCCIV, l’année dernière, avez-vous prévu autre chose, seul ou avec d’autres ? Glenn : Le plan pour l’instant est de faire ça pendant deux ans, faire deux fois le tour du monde. Je reviendrai ici dans lesJe ferai trois tournées américaines, dont une que je viens de terminer il y a deux semaines. Quand le moment sera venu, je trouverai la suite, mais quelque chose se présentera à moi parce que je suis resté assis trop longtemps – je veux dire, j’ai une belle maison à Los Angeles et un style de vie formidable, mais je commençais à m’agiter, et les gens qui me connaissent savent que je suis un chanteur de scène, je ne suis pas quelqu’un qui peut se contenter de passer tout son temps en studio, j’ai besoin de me produire sur scène.
Maintenant, soyons un peu plus techniques et parlons d’amplis, d’amplis Orange. Évidemment, quand vous êtes à ce stade de votre carrière, vous pouvez choisir parmi tous les fabricants d’amplification du monde entier, comment avez-vous fini par utiliser Orange? Glenn : Disons qu’avant de commencer à utiliser Orange il y a cinq ans, j’étais dans d’autres entreprises. De grandes entreprises. Alors que je marchais au NAMM à L.A., j’ai été approché par Orange qui m’a demandé si je voulais venir essayer certains de leurs amplis, ce que j’avais toujours voulu faire, sincèrement. Quand je suis arrivé au stand, il y avait une basse P devant moi, et un ampli Orange avec quatre boutons. “C’estfacile pour moi“, ai-je pensé. Quand j’ai commencé à jouer, j’obtenais ce son qui était très, très similaire à celui que j’avais avec Purple dans les années 70, et c’était quelque chose dont je voulais faire partie. Ce jour-là, j’ai oublié tout ce qui n’était pas Orange. Je veux que vous entendiez le son que j’ai ce soir, c’est un son tellement dynamique, un son dynamique et vraiment sauvage, qui dit Orange, et qui dit Glenn Hughes. Cliff Cooper, il croit en moi en tant qu’artiste, et il croit que j’aime sa compagnie, ce qui est le cas.
Je ne peux pas parler pour Cliff, mais je pense pouvoir dire sans risque de me tromper, au nom de la société, que c’est très excitant de vous compter parmi nos artistes, quelqu’un qui a joué un si grand rôle dans l’histoire de la musique britannique et du heavy rock, et j’ose même dire qui a apporté le funk au hard rock britannique. Glenn : Le funk pour moi, viendra de mon amour de la Motown que j’ai depuis que je suis jeune. J’ai grandi en Amérique, et j’ai connu beaucoup de grands musiciens noirs. Puis, tout à coup, je me retrouve dans Deep Purple, en tant que rock star et icône, mais aussi en me rappelant que je suis originaire de Détroit. Non seulement j’ai changé quand j’ai rejoint le groupe, mais le groupe a changé. Je suis entré, et ils ont senti le mouvement de ce que je jouais et écrivais. Je ne les ai pas retenus sous la menace d’une arme, ils m’ont accompagné, et ces travaux que nous avons réalisés ensemble sont très importants pour moi.
Avant de vous laisser partir, revenons aux détails techniques. Comment se déroule la tournée de Deep Purple ? Glenn : J’ai quelques installations, peut-être deux ou trois, mais celles que j’utilise en ce moment sont deux 8×10 et l’AD200. C’est principalement ce que j’utilise, c’est parfait pour ce que je fais maintenant, et le 8×10 fonctionne très bien pour moi.
Du point de vue des relations avec les artistes, l’ampli basseAD200 est l’une des meilleures armes de mon arsenal. C’est un ampli avec un son de basse extrêmement pur, beaucoup de clarté peu importe comment vous avez réglé les boutons, et son overdrive est un mélange parfait de classique et de moderne. J’ai vu des centaines d’artistes passer de “l’autre société d’amplis de basse standard qui restera sans nom” à l’AD200.
Les artistes l’adorent parce qu’il est produit au même niveau que la plupart des amplis basse à lampes vintage. Ils ont également tendance à faire le changement lorsque leurs amplis basse classiques sont prêts à quitter la route pour devenir des pièces réservées au studio.
Voici l’histoire d’une poignée d’ambassadeurs d’Orange qui utilisent l’AD200(que nous appelons communémentAD200″) :
C’est peut-être difficile à croire, mais c’est grâce à Slipknot que Geddy Lee joue de l’AD200.
Rush et Slipknot enregistraient l’un à côté de l’autre dans un studio de Nashville. Sur un coup de tête, Geddy a entendu le son de la basse qui sortait du studio de Slipknot et a jeté un coup d’œil à l’intérieur pour découvrir ce qui produisait ce son glorieux. Martin, le technicien de Jim Root à l’époque, lui a dit que c’était l’AD200.
Il nous a fallu environ CINQ MINUTES NÉGATIVES pour décider que Geddy pouvait faire ou défaire les amplis de basse Orange. Une fois que nous avons obtenu cette photo désormais iconique de lui en train de se détendre au sommet de ses AD200, nous avons commencé à acheter une tonne de publicités pleine page dans des magazines de guitare. C’était en fait une année entière de promotion de Geddy. Le résultat ? Une augmentation de près de 100 % des ventes de basses (et elles ont augmenté chaque année depuis lors).
Geddy a utilisé l’AD200 pour ¼ de son son de basse sur scène. Il a monté le gain et les aigus à fond et a baissé tout le reste au maximum. Donc, en fait, l’AD200 était son son d’overdrive. Cependant, le son de la basse de l’album Clockwork Angels de Rush (2012) est rempli d’AD200 (regardez).
J’étais au Winter NAMM en 2011 quand, soudain, j’ai été attiré dans notre salle de démonstration par un Cliff CooperOrangefondateur et PDG d’Orange) extrêmement enthousiaste. Il m’a dit que Glenn Hughes était passé et avait demandé à essayer l’AD200. Nous nous sommes entassés dans cette salle de démonstration comme des sardines. Glenn s’est branché, a joué pendant 10 secondes, puis s’est arrêté et nous a tous regardés. Son visage avait une expression d’incrédulité.
“C’est le ton que j’ai essayé de trouver pendant des décennies… c’est mon son”.
Depuis lors, Glenn utilise l’AD200 à 99% de ses spectacles sans faillir. Quand je ne trouve pas de backline pour lui dans une ville quelconque, disons en Afrique, il s’assure que je sais à quel point cela le rend triste. Il est récemment passé d’une combinaison de haut-parleurs OBC115 et OBC410 à une configuration pyramidale comprenant 3 cabines OBC810 tournées latéralement.
Tout le monde sait que Tom change constamment de matériel, mais depuis 7 ans, l’Orange est devenu un élément essentiel du son de Tom. Tom joue des guitares basses à 12 cordes (ce pour quoi il est célèbre) et son équipement est un mélange d’amplis de basse et de guitare.
Le premier ampli Orange qu’il a ajouté au mélange était l’AD200. Puis il a commencé à ajouter des amplis de guitare Orange, en particulier l’AD50 à fil manuel, maintenant abandonné, l’AD30, et plus récemment le Custom Shop 50 à fil manuel. Pendant près d’un an, son matériel était entièrement Orange, mais, à la manière de Tom, il a commencé à y remettre du Fender. Honnêtement, tant que Tom Petersson du groupe Cheap Trick a Orange sur sa scène, je suis d’accord avec n’importe quoi !
Je place Jason Narducy, l’une de mes personnes préférées au monde, juste en dessous de Tom Petersson, car c’est grâce à lui que Jason a pris une basse. Je vais laisser Jason vous dire ce qu’il pense de l’AD200:
“La première fois que j’ai joué sur un AD200, c’était dans un local de répétition à LA en 2006. C’était la première répétition avec le nouveau groupe de Bob Pollard et on devait apprendre 357 chansons ou quelque chose comme ça. On a aussi appris à nos foies à quoi ressemblaient les 357 bières. Malgré la bière et l’avalanche de chansons, j’ai tout de suite su que l’Orange AD200 était spécial.
J’ai remarqué que l’ampli était orange, tout comme le nom du fabricant. Ils ont réussi. Mais le plus important, c’est qu’il avait le meilleur son pour ma basse P. Il n’y avait pas de fréquences creuses comme celles que l’on obtient avec un appareil de basse loué commun. L’AD200 a de la présence et du muscle. C’est ma chose préférée à part la bière. Et ma famille, je suppose.”
Si vous avez suivi Orange de près au cours de la dernière décennie, vous savez qu’il y a un type franco-canadien super fou nommé SEF, du groupe Your Favorite Enemies, qui a fait des critiques de produits pour nous. Le SEF est comme la version humaine de l’échange de bonbons. Cependant, nous avons également travaillé avec le bassiste du groupe, Ben Lemelin, pendant la même période, et il est tout aussi doué pour faire des démos qui déchirent.
Ben aime l’AD200 pour sa sonorité de basse très pure et pour sa capacité à devenir très saturée quand c’est nécessaire.
https://orangeamps.com/wp-content/uploads/2018/05/geddy-lee.jpg28302439alexhttps://orangeamps.com/wp-content/uploads/2018/04/Orange-Pics-logo-307px.pngalex2022-04-22 12:01:342022-04-22 12:01:34L’amplificateur de basseAD200et les artistes qui l’apprécient
J’ai été un peu en retard dans l’enregistrement des disques – très en retard pour être honnête, mais il y a une raison derrière tout cela. Mon père était un grand collectionneur de disques dans les années 70, 80 et au début des années 90. Il possédait une collection impressionnante de disques de Led Zeppelin, Black Sabbath, Slade, KISS, Ramones, Uriah Heep et Aerosmith, ainsi que de tous les autres grands groupes à guitares de ces décennies. Pour certains disques, il obtenait même deux copies, une pour l’écoute et une pour la conservation. Il les faisait écouter à ma mère et lui faisait deviner de quel groupe il s’agissait, ce qui l’a amenée à avoir une certaine connaissance de la musique, mais aussi à faire des déclarations comme “C’est comme Woodstock là-haut chaque fois que tu es à la maison !” quand j’écoute les Sex Pistols dans ma chambre, et à décrire Jimi Hendrix comme “le gars avec les gros cheveux”. Bien sûr maman, le gars avec les gros, uhm, cheveux…
Puis, les années 90 sont arrivées et les CD ont fait leur apparition – les vinyles prenaient beaucoup de place et, soyons honnêtes, rendaient les déménagements difficiles, alors mon père, comme tant d’autres, a donné sa collection de disques. Les premières versions et les premières éditions de presque tous les groupes qui m’obsèdent depuis toujours – disparues. C’est évidemment un sujet qui me préoccupe depuis longtemps, ce qui m’a amené à refuser d’acheter des disques, pour la seule raison que je savais que cela me rendrait fou que mon père possède pratiquement tous les disques des années 70 et 80 que je voudrais avoir, et qu’il les a donnés à quelqu’un d’autre que moi. Il y a quelques années, il a ressorti ceux qu’il avait réussi à garder et me les a donnés – les plus précieux de tous, toute sa collection de Ramones, toutes les premières éditions. À ce moment-là, je n’avais toujours pas de tourne-disque, alors je les ai ramenés à la maison et je les ai gardés comme une sorte de sanctuaire de la jeunesse de mon père et de son influence musicale sur moi, et comme un rappel constant de mon enfance et de mon enfance en les écoutant. Nous rappelons également qu’ils auraient pu être accompagnés d’environ 1 500 disques de plus, bon sang de bonsoir.
Quoi qu’il en soit, j’ai passé un certain temps à hésiter sur la question du tourne-disque, et après avoir acquis quelques disques supplémentaires ici et là auprès d’amis et de groupes en tournée qui logeaient chez moi, j’ai décidé qu’il était temps de mordre la balle et de m’en procurer un. Après l’avoir fait, j’ai passé ma première soirée et presque toute la première nuit à écouter les disques que j’avais, à les classer par ordre alphabétique à plusieurs reprises pour ma propre satisfaction, à m’inscrire et à obtenir un compte Discogs et à en ajouter plusieurs à ma liste de souhaits, tout en acceptant lentement le fait que je m’étais complètement planté financièrement et que je n’aurais plus jamais d’argent, Parce que s’il y a une chose pour laquelle j’ai toujours réussi à justifier mes dépenses, c’est la musique et les concerts, et si acheter des disques pour les ranger par ordre alphabétique avant de les écouter cérémonieusement n’est pas un investissement dans mon propre bonheur, alors je ne sais pas ce que c’est – le rituel de retourner le disque et de laisser tomber l’aiguille tout en caressant doucement la pochette… Ah, oh mon dieu. C’est à ça que ressemble le crack ? Depuis que j’ai acquis un tourne-disque il y a environ cinq mois, j’ai ajouté une bonne quantité de disques à ma collection qui ne cesse de croître (le dernier en date étant le ‘Rising’ de Rainbow pour seulement £3 hier chez Reckless Records à Soho, Londres – comment ? !), et en l’honneur du record store day de cette année, qui a lieu aujourd’hui, j’ai décidé de choisir mon disque actuel, et je ne peux pas insister assez là-dessus, Les 10 meilleurs vinyles de ma collectionactuelle – tous dans un ordre complètement aléatoire car Dieu sait que cela me tuerait de devoir choisir un favori. Donc, sans plus tarder, voici le top 10 non chronologique des vinyles de ma collection :
Hällas – Extraits d’un passé futur Année : 2017 Acquis : Crypte du sorcier
J’ai entendu Hällas pour la première fois il y a environ trois ans, Mais ce n’est que l’année dernière que je leur ai vraiment accordé du temps, un jour après être tombé par hasard sur un article concernant leur premier album “Excerpts From a Future Past” – j’ai regardé l’album en ligne et j’ai été convaincu – deux secondes plus tard, j’ai parcouru Instagram parce que je suis un esclave des médias sociaux comme la plupart des gens dans cette triste société, et j’ai vu que le magasin de disques heavy metal “Crypt of the Wizard” avait quelques premiers pressages en stock – je me suis précipité et j’ai réussi à mettre la main sur une copie. Cet album, que j’adore, vous emmène dans un voyage cosmique à travers le Moyen Âge, flottant dans le temps et l’espace, entouré d’harmonies de guitares à la Thin Lizzy, d’orgue à la Uriah Heep et parfois même de synthés des années 80. Un banger absolu, et presque garanti que votre père va l’aimer – le mien l’a fait.
Motorpsycho – Behind the Sun
Année : 2014 Acquis : Amazon
Aah, doux, doux Motorpsycho, compatriotes norvégiens et connaisseurs de jams psychédéliques si intenses qu’elles franchissent presque la frontière entre douleur et plaisir. Bien que Motorpsycho existe depuis avant ma naissance, ce n’est que plus tard dans ma vie que j’ai réussi à me faire une idée de ce groupe, qui, j’ose le dire, est l’une des meilleures exportations norvégiennes aux côtés de Kvelertak, Turbonegro, oil et Black Metal, et je ne les aurais pas découverts sans Eirik, le guitariste de Shaman Elephant, qui ne pouvait pas supporter l’idée que je vive ma vie sans le plaisir que procure Motorpsycho, alors merci, Eirik. Dès que j’ai entendu cet album, j’ai su que j’en avais besoin, et que j’en avais besoin tout de suite, alors quand mes magasins de disques locaux ont échoué, je me suis tourné vers Amazon et leur livraison le lendemain, je me suis assis près de la porte et j’ai attendu impatiemment. Ce disque vous emporte vraiment, commençant par des morceaux doux avant d’émerger soudainement de morceaux adoucis avec des jams psychédéliques explosifs, si intenses que vous oubliez de respirer – mon morceau préféré étant le morceau de clôture “Hell, Part 7 : Victim of Rock”, qui est tout à fait ce dernier ; un morceau qui se construit jusqu’à ce que vous n’en puissiez plus, avant de tomber dans le plus beau et chaotique désordre organisé auquel vous pouvez même penser, vous laissant haletant parce que vous n’avez pas expiré pendant six minutes.
Robin Trower – Deux fois plus loin qu’hier
Sortie : 1973
Acquis : Sister Ray Records
On pensait tous que ce type serait la prochaine grande révélation après la mort d’Hendrix”. Mon père m’a raconté la première fois qu’il m’a fait écouter Robin Trower, qui, après les beaux jours de Procol Harum dans les années 60, a formé un trio et a commencé à sortir et à jouer de la musique sous son propre nom, “Twice Removed from Yesterday” étant le premier album. Après avoir acheté l’album et l’avoir écouté, il ne m’a pas fallu longtemps pour faire la comparaison avec Hendrix, tant la similitude de leur son et de leur façon de jouer est troublante. L’album commence lentement mais sûrement, avec trois ballades incroyablement fortes qui mettent en valeur le jeu de guitare phénoménal de Trower, avant de démarrer et de devenir funky dans “Man of the world”, suivi de la version la plus sordide de “Rock me baby” que j’ai jamais entendue – ce disque est intemporel. J’ai eu le plaisir et le privilège de voir Robin Trower il y a quelques mois et c’était étonnant, de pouvoir observer l’un des plus grands guitaristes d’une époque où des géants marchaient sur la terre, quelqu’un dans la lignée de Hendrix lui-même, Jimmy Page et Eric Clapton.
GNOB – Démon du rêve électrique
Année : 2018
Acquis : Donné par le groupe
Depuis que j’ai découvert GNOB au Bird’s Nest dans le sud de Londres il y a deux ans, ils sont rapidement devenus l’un de mes groupes préférés de la scène musicale underground londonienne, ainsi que de très bons amis à moi. Leur psychédélisme d’inspiration orientale est une bouffée d’air frais sur la scène, qui a longtemps été dominée par des groupes de stoner plus lourds. L’album “Electric Dream Demon”, leur premier album, est un véritable bijou. C’est un mélange parfait de heavy et de mélodique, tout en étant incroyablement doux et trippant, avec des voix magnifiques, étranges et floues, ainsi qu’un tas de jams instrumentaux, dont je suis friand.
En 1979, Lemmy s’est fait virer de Hawkwind et sa période trippante dans l’espace est terminée – il a réussi à former le groupe le plus bruyant du monde et à faire suivre leur premier album éponyme de 1977 de ce qui pourrait bien être le meilleur album de Motörhead jamais enregistré ; Overkill. J’aurais aimé être là en 1979 quand il est sorti, pour pouvoir le mettre sur ma platine sans savoir à quoi m’attendre, pour ensuite être frappé par le morceau d’ouverture le plus explosif de l’histoire. Le rock ‘n’ roll a parcouru un long chemin depuis Elvis, c’est certain, et voilà que “Overkill” vous arrive à 150 miles par heure, alimenté par du Jack Daniels et de la vitesse. À mes yeux, cet album est un hit après l’autre, mettant en valeur le meilleur de Motörhead. Il n’est pas facile de choisir un morceau favori de l’album, mais avouons-le, ” Stay Clean ” est un morceau sacrément agréable, Lemmy ne fait pas souvent de solo, mais quand il le fait, il le fait de manière spectaculaire. Un album incroyable du début à la fin, jouez-le à fond, entouré de vos amis, et applaudissez trois des plus grands hurleurs d’enfer et rockeurs que le monde ait jamais connus : Lemmy, Fast Eddie Clarke et Phil “Philty Animal” Taylor.
Deep Purple – Machine Head Sorti : 1972 Acquis : Cadeau de Noël de mon père
Je suis un fan de Deep Purple depuis aussi longtemps que je me souvienne, et j’ose dire que l’époque de Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Gillan, Ian Paice et Roger Glover n’était rien d’autre que sensationnelle – je veux dire que vous avez entendu leur album Made in Japan de 1972 ! C’est tout simplement étonnant, à la fois politique, funky et sordide. Ils étaient les rois de leur temps, il n’y a aucun doute là-dessus. L’un de mes préférés de cette formation est l’album Machine Head de 1972, un autre album rempli d’un banger après l’autre – ‘Pictures of Home’, l’un de mes préférés, offre tous les solos que vous pouvez désirer ; basse, guitare et même les clés. Ah, ne me lancez pas sur les claviers de cet album, Jon Lord vous a couvert de A à Z. L’intro clé de “Lazy” ? Putain de merde, épique. Merci Jon Lord pour ce doux rythme Hammond.
Earthless – Black Heaven Sortie : 2018 Acquis : Concert au Islington Assembly Hall, Londres
Oh ! Sans Terre, par où commencer ? Bien qu’ils aient créé toute une vague d’une nouvelle génération de groupes psychologiques émergeant de San Diego, il n’y a vraiment aucun autre groupe comme Earthless. Musicalement, ils sont à un niveau différent de tous les groupes que j’ai vus, et ils ne cessent de m’étonner avec tout ce qu’ils font, qu’il s’agisse de jams psychologiques instrumentaux de 20 minutes ou, comme sur ” Black Heaven “, de chansons structurées avec un chant incroyable, dont aucune ne dépasse les neuf minutes. Cet album, bien que très différent des précédents albums d’Earthless, reste un album d’Earthless, mettant en valeur les compétences de certains des meilleurs musiciens de notre génération. Pour ce qui est de voir Earthless en concert, ces gars sont probablement les plus proches que vous aurez jamais de voir quelque chose du genre de The Jimi Hendrix Experience.
Neil Merryweaher – Space Rangers Sorti : 1974 Acquis : Discogs
Le bassiste canadien Neil Merryweather a joué pendant des décennies avec des artistes tels que Steve Miller, Rick James et Wilson Pickett, mais c’est son album solo de 1974, “Space Rangers”, qui m’a fait craquer. Ma première rencontre avec Merryweather s’est faite par le biais de chansons d’autres artistes : il a repris le single des Byrds de 1966, “Eight Miles High”, et je dirais même qu’il l’a fait de manière spectaculaire, et “Sunshine Superman” de Donovan, également sorti en 1966, où il apporte le funk comme peu de Canadiens l’ont fait avant lui. Merryweather étant un bassiste de cœur, la basse est très présente dans la mélodie et pas seulement dans le rythme, prenant presque la place d’une seconde guitare pour se brancher sur des solos. Space Rangers ” touche à plusieurs genres différents, avec le morceau d’ouverture ” Hollywood Blvd ” qui frise la chanson pop, avant de s’aventurer dans le space rock, le funk et le psychédélisme, et il est rapidement devenu l’un des favoris de ma collection de disques depuis que j’ai mis la main dessus.
Truth & Janey – Topeka Jam
Sortie : 2018, enregistré en 1974
Acquis : Rockadrome
Ce trio explosif tire son nom de l’album “Truth” de Jeff Beck et du guitariste Billy Lee Janey, et pourrait bien être l’un des meilleurs trésors cachés de l’Iowa des années 70. Inspirés par les grands guitaristes de blues des années 60, ils étaient lourds comme Pentagram, avaient le funk de Grand Funk et le côté brut des Stooges. Topeka Jam est composé d’une série de chansons inédites enregistrées pendant plusieurs nuits à Topeka, Kansas, en 1974, et voit le groupe s’aventurer dans des harmonies floues et des jams sans fin, avec le morceau d’ouverture (et j’ajouterais, le seul morceau de la première face) ” Midnight Horsemen ” (sorti à l’origine en 1972 sous la forme d’un single de 3 minutes) qui s’enfonce dans l’abîme pendant 22 minutes complètement psychédéliques. C’est un choix audacieux pour un morceau d’ouverture, mais il place la barre haute pour le reste du disque, qui ne fait que s’améliorer.
Ramones – Ramones
Sorti : 1976
Acquis : De la vieille collection de disques de mon père
Lorsque mon père a donné la plupart de sa collection de disques, il en a gardé quelques-uns pour lui, ses biens les plus précieux qu’il a gardés en sécurité jusqu’à ce qu’il me les transmette il y a quelques années : ses disques des Ramones. J’ai grandi en écoutant religieusement les Ramones, dont j’aimais la simplicité, l’énergie, mais aussi la vulnérabilité. J’ai aimé Joey le plus, il était le grand cas de l’espace et j’aimais penser que je pouvais m’identifier à ça. Les Ramones ont innové en faisant ce qu’ils ont fait, même si c’était “simple” par rapport à beaucoup d’autres groupes de l’époque – ils ont inventé le punk et créé toute la scène des CBGBs, et ont fait des tournées et des concerts sans relâche jusqu’à la fin. Leur premier album éponyme est un parfait exemple de ce qu’étaient les Ramones : des chansons rapides, accrocheuses et courtes, certaines sur ce qu’ils veulent faire, d’autres sur ce qu’ils ne veulent pas faire, et d’autres, assez nombreuses, sur l’amour.
https://orangeamps.com/wp-content/uploads/2018/04/back-in-the-day.jpg6391470Ella Stormarkhttps://orangeamps.com/wp-content/uploads/2018/04/Orange-Pics-logo-307px.pngElla Stormark2022-04-22 12:01:322022-04-22 12:01:32Record Store Day : Mes 10 meilleurs disques (actuels)
Ce samedi, c’était l’heure du Stone Free Festival annuel à l’o2 de Londres, et la nouveauté de cette année était la scène Orange Amps dans le foyer de l’arène, qui a offert aux festivaliers des morceaux qui claquent dès la première seconde où ils ont mis les pieds dans la salle.
LA SCÈNE DES AMPLIS ORANGE
Evil Blizzard : 18.00 – 18.45
Buck & Evans : 17.00 – 17.30
Massive : 16.00 – 16.30
Wagons massifs : 15.00 – 15.30
Chevaliers de la Vallée de la Mort : 14.00 – 14.30
Tequila Mockingbyrd : 13.00 – 13.30
Riff Rath : 12.00 – 12.30
Evil Blizzard a livré un set génial sur la scène des Amplis Orange. Quand un seul bassiste ne suffit pas…
Quant au reste du festival, il a vu défiler des groupes et des artistes tels que The Crazy World of Arthur Brown et Blue Oyster Cult (entre autres), qui ont joué leur premier album éponyme de 1972 dans son intégralité dans un Indigo2 en sueur et bondé.
Blue Oyster Cult à Indigo2 – Photo via la page Facebook de Stone Free
Dans la salle principale, nous avons assisté à la prestation des Sweet, groupe de rock glam des années 70, qui nous ont livré un tas de bangers tels que Ballroom Blitz, Teenage Rampage, Fox on the Run et Hellraiser. Après la performance de Sweet, il y a eu une pause d’une demi-heure, ce qui vous laissait juste assez de temps pour aller aux toilettes et courir au bar pour acheter des pintes assez chères à renverser sur vous-même et sur tout le monde tout en essayant maladroitement de vous frayer un chemin à travers la foule pour regagner votre siège, avant qu’il ne soit temps pour la tête d’affiche du jour, où la légende vivante M. Ritchie Blackmore a apporté son Rainbow en jouant les hymnes rock classiques de Rainbow et Deep Purple.
Ritchie Blackmore – photo via la page Facebook de Stone Free
Faire une tournée de chansons de Rainbow et Deep Purple sans Ronnie James Dio et Jon Lord est une entreprise risquée, mais le Rainbow du 21e siècle de Ritchie Blackmore a livré une performance absolument incroyable, jouant des chansons telles que I surrender, Man on The Silver Mountain, Mistreated, Child in Time, Black Night et Burn. Je vais à des concerts plusieurs soirs par semaine la plupart du temps, et je pense que l’on peut dire que celui-ci est l’un des meilleurs auxquels j’ai assisté depuis très, très longtemps. Tous saluent le roi Ritchie Blackmore !
Glenn Hughes – bassiste extraordinaire et chanteur d’une autre dimension, un musicien qui a joué un rôle essentiel dans le heavy rock britannique et a initié Deep Purple au funk, a brièvement dirigé Black Sabbath dans les années 80, a sorti un album avec Pat Thrall et a joué avec des musiciens tels que Joe Bonamassa, Joey Castillo et Jason Bonham, pour n’en citer que quelques-uns. Le plus récent est l’aventure“Glenn Hughes joue Deep Purple“, où il revit ce qu’il a fait avec MK III et MK IV au cours de deux grandes tournées mondiales. 
