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FUTURES NOIRES par Rob Blackham / www.blackhamimages.com

Pouvons-nous obtenir les informations sur les Futures Noirs ?
Space :
Nous sommes Black Futures, alias Space et Vibes, fondateurs du Black Futures Existential Expedition Club. Nous essayons de faire de la musique, des sons et des chansons comme si nous étions témoins de toute la beauté, de la violence et de l’absurdité de la vie en un seul coup gigantesque. De la musique pour repousser la terreur et nous aider à entrer dans le monde de Nice. Une musique folklorique, un futur punk pour nous aider à être collectivement MAXIMUM. Un tsunami de joie, un typhon d’abandon sauvage ! Nous sommes tous deux des compositeurs, des producteurs et des auteurs de chansons qui ont consacré leur vie à l’artisanat, à la culture et à la communauté. Nous sommes des machines à empathie pour des camarades radicaux comme Idles, Jamie Lenman, The Prodigy, Do Nothing, Libra Libra…
Nous avons voyagé de Mumbai au Népal, de Tokyo à Joshua Tree, de Tchernobyl à ∞ et au-delà, créant et documentant la culture de notre monde.
Jamais, pas rien.

Nous adorons votre mission et votre vision de la vie et de la musique. Comment tout cela a-t-il commencé ?
L’espace :
Dès mes premiers souvenirs, la musique était une nécessité et une obsession. Mes parents avaient une collection de disques épique et nous n’avions droit qu’à des jouets en bois, alors écouter des disques et être dans la nature étaient le carburant de mon enfance. Avant l’influence du monde extérieur, je suivais un régime sain de Beefheart, Grieg, Hendrix, John Martyn, Rachmaninov, Joni Mitchell, Robert Johnson, The Beatles….. C’était un régime sain ! J’étais complètement obsédé par le pouvoir transformateur et émotif de la musique.

C’est un mélange de musique et de genres très intéressant, et, chose intéressante, complètement différent de la musique que vous faites vous-même avec Black Futures.
L’espace :
J’aime penser à la musique comme à une machine à empathie. J’ai toujours été attiré par la musique qui fait bouger mon esprit et mon corps au maximum. Nous écoutons une telle quantité de musique. Qu’il s’agisse de death, de punk, de classique, de techno, de chœurs pygmées, il faut que cela ait un effet transcendant sur nous. Ma première véritable expérience en la matière a eu lieu lors de mon premier concert. Le père d’un ami nous avait emmenés voir les Ramones au milieu des années 90. Je voulais que chaque fibre de mon corps tremble violemment et perde le contrôle. J’étais terrifiée et complètement vivante. C’était comme avaler le soleil. Donc, à partir de ce moment-là, si ça me faisait ressentir du désespoir, de la colère, de l’amour, de la peur, de l’énergie, du mystère, j’étais à fond dedans.
En ce moment, nous écoutons Deathgrips, Lingua Ignota, Denzel Curry, Analogue Africa, Full of Hell, Colin Stetson, Tropical Fuck Storm, Oneohtrix Point, Bou, Turnstile, Sleep, H09909, The Clash, Lau, Bowie, Television, Mojave Lords et les Beatles.

Black Futures – comment tout cela a-t-il commencé ?
Space :
Nous avons passé environ 6 mois à concevoir et à écrire. Développer le langage, les idées et la culture de Black Futures. En gros, un couple de cinglés qui rêvent d’idées folles. La première fois que quelqu’un d’autre l’a su, c’était lors de notre premier concert. Nous avons envoyé une invitation avec un lieu, une heure et un mot de passe.
Les spectateurs avaient les yeux bandés et étaient emmenés dans un lieu secret. Une fois les bandeaux sur les yeux, nous pouvions contrôler complètement l’environnement. Nous avons créé notre propre station de radio Black Futures, avec des versions utopiques de notre disque en muzak et des animateurs générés par ordinateur. Avec l’aide de notre famille BF, nous avons construit un laboratoire secret dans un studio d’enregistrement animé par une troupe de Hazmats. C’est ici que nous avons donné notre premier concert, que nous avons appelé “A Total Display of Love”. Il s’agissait d’une expérience totalement immersive conçue pour tirer le public aussi loin que possible de sa vie extérieure et aussi près que possible de ce sentiment d’excitation, de peur et de joie.

Photo par Murry Deaves

C’est vraiment génial, quel premier spectacle incroyable ! Comment avez-vous eu l’idée de ce concept ?
Espace :
Tout est parti de l’idée d’utiliser tout notre arsenal pour créer une expérience de concert où la concoction enivrante de mystère, de peur, d’émerveillement et d’énergie est la plus puissante. L’idée est d’être si inclusif que chacun dans la pièce se sent à l’aise pour transcender la pensée consciente à sa manière. C’est pourquoi nous disposons d’un casting roulant de conducteurs de vibrations anonymes sur scène et dans la foule lors de nos spectacles. Nous visons une expression totalement immersive de joie, d’activisme et d’énergie brute pure. Une célébration du radical.

Quelle est votre histoire et votre expérience avec Orange, et que recherchez-vous dans un ampli ?
L’espace :
Le Rockerverb est le premier ampli que j’ai vraiment aimé. Il a été utilisé sur tous les disques sur lesquels j’ai travaillé, sous une forme ou une autre. J’ai été complètement conquis par le grondement qu’il émet lorsque l’on ragaillardit le canal propre jusqu’à la rupture. De même, la saturation du canal de gain, il semblait avoir ce son lourd, viscéral et violent sans être trop cassant et agressif dans le haut du spectre.
Ce que je recherche dans un ampli, c’est qu’il fasse une chose extrêmement bien, qu’il soit unique et vivant. Je ne suis pas fan de l’abondance de cloches et de sifflets ou du fait que le prix dicte la qualité. Un de mes amplis préférés est un minuscule ampli en forme de boîte à cigares que Rat Scabies a construit pour moi. Il est alimenté par une pile de 9 volts et sonne comme la plus douce des ordures.

Quelle est votre configuration actuelle ?
L’espace :
En ce moment, je joue sur une basse Musicmaster de 1977 que j’ai chargée avec un micro de style Thunderbird que Curtis Novak a fabriqué pour moi. Il est divisé et passe par deux chaînes de signaux de pédales différentes. Un côté avec un POG faisant un peu d’octave vers le bas et juste un peu d’octave vers le haut va à un profil d’un ampeg svt des années 70 sur un Kemper que j’ai pris en faisant un enregistrement. L’autre côté va dans un Rockerverb 50 à travers un 2×12 Orange à dos fermé. Les pédales varient tout le temps. Je trouve que cette configuration me permet d’utiliser la plus grande plage de fréquences possible avec une seule note ! ha ha.

Je suis vraiment intéressé par l’exploration du majordome de la basse et par les combinaisons de différents appareils de guitare et de basse biamplifiés pour obtenir un son monolithique. Egalement intrigué par le tremlord dans le studio.

Comment décrirais-tu Black Futures et votre musique à la grand-mère de ton ami ?
L’espace
: MAXIMUM ! MAXIMUM ! MAXIMUM !

Reprenons depuis le début : comment avez-vous commencé à jouer ?
J’ai commencé à jouer de la guitare à 14 ans, et je pense que c’est grâce à mon père. Il n’était pas musicien lui-même, mais il s’intéressait beaucoup à la musique, qui a fait partie de ma vie dès mon plus jeune âge ; il jouait divers disques de country et de rock classique dans la maison. J’ai d’abord commencé à jouer en acoustique, mais cela n’a duré qu’un an environ, car j’ai réalisé que l’électrique était plus mon truc. Je m’amusais à la maison et je me suis inscrit sur Youtube où j’ai commencé à partager des vidéos de reprises que je jouais. Je n’ai pas vraiment réfléchi à la question, si ce n’est que je voulais partager ma passion avec le monde entier, et la réponse a été assez impressionnante puisque j’ai fini par obtenir des millions de vues ! À l’époque, il n’y avait pas beaucoup de femmes de mon âge qui faisaient ce genre de choses, en publiant des reprises de rock classique, donc il semblait y avoir un marché pour cela et cela m’a certainement aidé à arriver là où je suis aujourd’hui !

Avez-vous toujours aimé écrire des textes ou est-ce quelque chose qui est venu naturellement lorsque vous avez commencé à faire votre propre musique ?
C’est venu plus tard, car au départ, je ne m’intéressais qu’à l’aspect musical de la chose. En fait, j’ai joué seul pendant sept ou huit ans, et ce n’est qu’en 2011 que je suis enfin sorti de ma chambre pour entrer dans le monde réel, ce dont je dois remercier mon autre guitariste, Mathieu, car c’est lui qui m’a dit de me présenter devant de vraies personnes au lieu de jouer devant ma webcam, car la musique est faite pour être partagée. Nous avons fini par monter le groupe ensemble et nous n’avons cessé d’écrire ensemble depuis. Cette façon de faire a fonctionné pour moi, mais je conseillerais à d’autres débutants de monter un groupe et de jouer avec d’autres personnes plus tôt, car c’était certainement un point faible pour moi pendant un certain temps, car il m’a fallu un certain temps pour m’y habituer après l’avoir fait seul pendant près de dix ans.

Vous avez sorti votre deuxième album ” Burning Bright ” début novembre, que pouvez-vous nous dire à son sujet ?
Tout d’abord, il est définitivement beaucoup plus sombre que mon premier album “Hard Blues Shot”. Nous l’avons enregistré en janvier après un processus d’écriture de deux ans. En fait, nous jouons certaines de ces chansons en concert depuis près d’un an et demi, bien que l’album ne soit sorti que récemment. En ce qui concerne le processus d’écriture et d’enregistrement, c’est généralement moi et Mathieu qui trouvons un riff, puis nous écrivons les paroles qui vont avec. Une fois que c’est fait, nous faisons venir les autres gars, notre bassiste François et notre batteur Antonin, et nous arrangeons le reste ensemble. La basse, la batterie et la guitare rythmique ont toutes été enregistrées en direct, avant d’ajouter la guitare solo et le chant.

Alors, passons aux choses sérieuses – quelle est votre histoire et vos expériences avec Orange?
Mon tout premier ampli Orange était le Dual Terror, simplement à cause de sa taille et parce qu’il était assez petit pour que je puisse le porter moi-même. J’en ai changé un peu au fil des ans, mais je suis resté fidèle à Orange, car c’est en quelque sorte devenu mon son.

Pouvez-vous nous parler des mises à jour et des améliorations de votre matériel ?
Au bout d’un moment, j’ai fini par vouloir une tête plus grosse, et j’ai opté pour un Rockerverb 50. Je l’ai gardé pendant des années, avant de passer récemment au Rockerverb 100, que j’adore. Mon installation dépend légèrement de la taille de la salle dans laquelle je joue. Mon installation habituelle est constituée de quatre cabines 4×12 et de deux têtes Rockerverb 100, mais si je joue dans une petite salle, j’ai tendance à diviser ce nombre par deux et à opter pour deux cabines et une tête. Indépendamment de la taille de l’installation, j’adore le look des Orangesur scène, et je ne peux pas me passer de ce grain ! Mon autre guitariste joue du Marshall, et j’apprécie que nous ayons des sonorités si différentes, car je trouve que les deux se complètent vraiment.

Il y avait beaucoup de rumeurs au sein de l’entreprise à propos de Marcus King avant son spectacle à l’Assemblée d’Islington à Londres, un concert où Cliff Cooper, fondateur et PDG d’Orange, a fait un voyage de deux heures pour se présenter et dire bonjour avant le spectacle, et où j’ai reçu d’innombrables appels téléphoniques, messages et courriels de divers collègues du monde entier avant l’interview, me mettant au courant de ce qui suit comme c’est sacrément important. Ce jeune prodige de la guitare de 22 ans m’a parlé de l’avenir de la musique et m’a dit qu’ils me renverraient chez moi par le premier vol pour la Norvège (pas vraiment…) si je ne faisais pas bonne impression – donc pas de pression… Au cours de l’entretien, j’en ai appris davantage sur son amour pour le charismatique frontman et sur le fait qu’il a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 3 ans, un âge où j’essayais encore de me faire pousser une chevelure complète. Pour en revenir au sujet, mesdames et messieurs, le toujours très intelligent Marcus King.

Trouver quelqu’un comme vous qui joue ce genre de musique et qui la joue aussi bien que vous le faites à 22 ans, me fait vraiment croire qu’il y a de l’espoir pour les générations futures. Je suppose que vous deviez être jeune lorsque vous avez commencé à jouer, puis-je vous demander à quel âge ?
Marcus King :
J’ai commencé à jouer à l’âge de 3 ou 4 ans, et je joue professionnellement depuis l’âge de 11 ans.

Je suppose que la musique a fait partie intégrante de votre éducation, puisque vous venez d’un milieu très blues, votre père étant un autre bluesman, Marvin King. En dehors de cela, il y a des éléments si forts de soul, de funk, et même quelques grooves latinos dans votre jeu. Quels autres types de musique avez-vous écouté en grandissant et en apprenant à jouer ?
Marcus King :
J’ai été très tôt inspiré par des guitaristes tels que Clapton, Hendrix et Stevie Ray Vaughn. J’ai également découvert très tôt The Allman Brothers Band, ainsi que The Marshall Tucker Band et un tas d’autres grands groupes du Sud. Plus tard, j’ai été vraiment intrigué par le “frontman”, et par des artistes tels que James Brown, Otis Redding et Aretha Franklin – tous ceux qui avaient cette certaine attitude me parlaient vraiment. Ce qui a vraiment changé la donne pour moi, c’est lorsque j’ai commencé à étudier la théorie du jazz, et que j’ai découvert Miles Davis et John Coltrane, ce qui a vraiment changé ma vie.

Vous avez votre groupe avec vous, le Marcus King Band, ici ce soir – comment travaillez-vous lorsque vous faites de la musique, est-ce que vous écrivez la plupart du temps seul et l’apportez au groupe, ou est-ce que cela se fait en tant qu’unité ?
Marcus King : La plupart des chansons que j’écris et que j’apporte au groupe pour qu’ils y ajoutent leur touche, et c’est ce qui crée une chanson du Marcus King Band, un effort de collaboration. Pour ceux d’entre vous qui ne le savent pas, le groupe Marcus King est :

Batterie : Jack Ryan – 6 ans dans le groupe
Trompette : Justin Johnson – 5 ans dans le groupe
Basse : Stephen Campbell – 4 ans dans le groupe – Utilise un AD200
Saxophone : Dean Mitchell – 4 ans dans le groupe
Clés : Deshawn “D-Vibes” Alexander – 1 an dans le groupe

Maintenant, pour vous mettre en avant face au fondateur Cliff Cooper, comment avez-vous trouvé l’utilisation d’Orange lors de cette dernière tournée ?
Marcus King : J ‘en ai aimé chaque seconde. Je n’ai jamais eu d’incident en utilisant un Orange, et c’est l’une des choses que j’aime le plus chez eux, leur fiabilité. En plus, on peut les jouer directement depuis la boîte ! Ce soir, j’ai une Rockerverb 50, qui est ma tête Orange préférée, et un baffle 4×12. J’ai toujours été un adepte de la réverbération, alors quand Pat Foley d’Orangeà Nashville m’a présenté la Rockerverb, j’ai été convaincu. Pat est génial et il est aussi devenu un ami proche de mon père.

Plongeons dans le vif du sujet et parlons de votre histoire avec Orange. Vous souvenez-vous de votre toute première rencontre avec la marque, que ce soit en jouant vous-même ou en voyant quelqu’un d’autre en jouer ?

Danko : Oui, je m’en souviens parfaitement, et c’est la raison pour laquelle je joue à Orange. Nous sommes partis en tournée avec The Supersuckers, et la seule façon de le faire était d’utiliser leur matériel, et j’ai utilisé la tête Orange de Ron, et je me souviens avoir pensé “Putain, c’est la meilleure tête que j’ai jamais utilisée !”. C’est comme ça que j’ai commencé avec Orange, avant ça, j’avais vu d’autres personnes l’utiliser et je l’avais toujours aimé, mais je jouais avec une variété d’amplis, donc ce n’est qu’en jouant avec celui de Ron que Orange a vraiment été mis sur la carte pour moi. Lorsque j’ai eu l’occasion de travailler moi-même avec Orange, cela a pris tout son sens.

Vous êtes connus pour vos tournées fréquentes –
Danko : Je veux dire – oui, oui nous le faisons, ou du moins nous l’avons fait, et je suppose que nous avons été sur la route un peu cette année aussi, même si pour moi c’est comme une année sabbatique. Nous avons fait la première partie de Skindred au Royaume-Uni au début de l’année, nous sommes revenus pour des festivals, nous avons fait un album, et maintenant nous sommes de nouveau là. Les années creuses sont toujours celles où nous faisons les albums, même si, en y repensant maintenant, cela ne nous a pas vraiment éloignés de la route.

Lorsqu’il est constamment sur la route, à quoi ressemble une journée dans la vie de Danko Jones ?
Danko :
Vous savez, pas très excitante pour être honnête. Un jour comme aujourd’hui, je me contente de traîner près de la salle. J’ai besoin de dormir pour ma voix, donc c’est à peu près tout, beaucoup de temps d’arrêt. Le mieux est de ne pas trop y penser, et surtout lorsqu’il s’agit de jouer le spectacle ; dès que je commence à penser à des choses, je fous tout en l’air sur scène. Il y a aussi ce badinage entre le groupe et le public que l’on ne peut pas prévoir, j’ai vu des groupes faire ça, écrire leur set – et quand quelqu’un leur crie quelque chose de la foule, ils n’ont pas de réponse et il n’y a pas moyen de rebondir. On répète les chansons et c’est tout, ce qui arrive arrive. La meilleure chose à faire la plupart du temps est d’y aller avec la tête et le cerveau vides. De nos jours, de nombreux groupes ont des chœurs et des voix et tout semble tellement préprogrammé qu’il y a peu de place pour la spontanéité, et je pense que le public s’en rend compte. Cela ne me dérange pas si le spectacle sort des sentiers battus, parce qu’au moins cela montre au public qu’il reçoit ce que nous pouvons lui servir le soir même, et il y a quelque chose à dire pour cela. On y va assez discrètement, on joue les chansons et on voit où elles nous mènent.

Vous avez mentionné que les années creuses sont des années d’album, écrivez-vous toujours quand vous êtes sur la route ougardez-vous cela pour quand vous êtes de retour à la maison ?
Danko :
Non, nous nous accordons suffisamment de temps à la maison pour écrire à ce moment-là. Nous avons passé du temps à cette époque de l’année dernière, ainsi qu’avant et après l’été, à nous plonger dans l’écriture, et grâce à ces séances d’écriture, nous avons pu déterminer ce que nous voulions, et choisir 11 ou 12 favoris pour l’album. Depuis que Rich Knox (batterie) a rejoint le groupe, je n’ai jamais été nerveux avant aucune sortie, j’ai surtout été excité et impatient que les gens entendent ce sur quoi nous avons travaillé, ce qui signifie que je suis confiant dans les chansons. L’album que nous allons sortir en est un autre. J’admets que pour certains albums, j’étais un peu inquiet de savoir si les gens allaient l’aimer ou non, et chaque fois que j’ai eu ce genre de doutes, ce sont toujours les albums qui ont eu des critiques mitigées. J’ai toujours aimé cet album, mais il peut ne pas plaire à tout le monde. Les deux derniers albums que nous avons sortis, Fire Music (2015) et Wild Cat (2017), je n’étais même pas nerveux, et les critiques étaient vraiment bonnes, et notre nouvel album est tout aussi bon que les deux, si ce n’est meilleur.

Pour replonger dans l’univers d’Orange pour cette dernière question, quel est votre programme pour ce soir ?
Danko : J’ai une tête Rockerverb 50, et vous savez quoi, je ne suis pas un fan de matériel, je suis une créature d’habitude – tout ce que je trouve et aime, c’est ce que je garde. Je ne peux pas vous dire ce que j’aime dans la tête, il faut juste qu’elle sonne comme ça (bruit de riff), ce qui est un son que je fais depuis que j’ai sept ans. Si c’est le cas, tant mieux. Je ne cherche pas de nouveaux produits et, en général, si je passe à autre chose ou si j’essaie quelque chose de nouveau, il faudra que cela soit présenté et mis sous mes yeux. Pour moi, les amplis ne sont pas des possessions précieuses ou des objets de collection, ce sont les outils de mon métier, les outils dont j’ai besoin pour faire mon travail, et je dois être honnête, Orange est le meilleur outil que j’ai jamais utilisé.

Peter, merci mille fois d’avoir pris le temps de faire cette interview, moi et le reste de l’équipe d’Orange sommes de grands fans de toi et de ta musique – pourrais-tu te présenter au lecteur, et nous parler un peu de toi et de la musique que tu fais ?

Bonjour à tous les amateurs d’amplificateurs d’Orange! Ou est-ce l’après-midi, le soir ? Quel que soit le moment, quel que soit l’endroit où vous vous trouvez sur ce rocher en orbite autour du Soleil tout-puissant alors que nous filons à toute allure dans l’espace, permettez-moi de me présenter. Je suis Peter Hughes, l’humain et le guitariste que vous connaissez peut-être des groupes de hard rock tels que Sons of Huns et Danava. Outre le fait que je joue sur mon amplificateur Orange à des décibels excessifs, que j’aime écouter le style baroque du seul et unique J.S. Bach à la guitare classique, je suis un mycologue amateur – ou j’aime les champignons. Si vous êtes vraiment dans l’ignorance de tout le royaume des organismes, sans lesquels les plantes ne pourraient pas pousser et encore moins être décomposées, et avec lesquels nous partageons une grande quantité d’ADN, ce qui fait de nombreuses espèces de grands médicaments. Je souffre également de la maladie de Lyme et de maladies apparentées transmises par des tiques, à cause d’une tique du cerf de Virginie, mon État natal. Cela m’a conduit sur un chemin difficile mais finalement gratifiant vers la guérison, la composition et l’interprétation de la musique étant une part importante de ma médecine et de ma thérapie.

C’est plutôt calme du côté des Fils de Huns ces derniers temps, qu’est-ce qui se passe là-bas ?
Sons of Huns a été mon premier projet musical sérieux et ma première expérience d’enregistrement, de sortie de disques et de tournée. Nous avons eu un grand succès et je sourirai toujours en repensant aux souvenirs que j’ai eu avec mes frères Shoki Tanabe, Ryan Northrop et Aaron Powell, en jouant la musique que nous aimions fort et avec le cœur. Nous sommes maintenant en hiatus indéfini et même si j’ai été, il est vrai, bouleversée lorsque j’ai réalisé que nous allions tous passer à autre chose, je respecte mes pairs et je suis fière de ce qu’ils ont accompli et des familles qu’ils construisent depuis, grâce à rien d’autre que leur détermination et leur volonté inébranlable.

Et Danava, vous travaillez sur de nouveaux titres ?
Danava travaille en effet sur une nouvelle musique ! La joie que je ressens lorsque j’enregistre de la nouvelle musique en studio n’a d’égal que celle de jouer fort lors des concerts. Tee Pee Records a sorti un single 7″ de notre tout nouveau ripper vertueux non-stop, “At Midnight You Die”, il y a un peu plus d’un an, en octobre 2016. Mon matériel pour cette session était mon fidèle Gibson SG Standard en ébène relié à un Ibanez TS808Tube Screamer utilisé lorsque nécessaire pour pousser les tubes dans l’overdrive supplémentaire de ma tête d’amplificateur OR-100 bien-aimée associée à un seul OR-PPC 4X12. Nous avons enregistré la chanson en direct dans le studio, en ajoutant seulement les voix et le lead flamboyant de Greg comme overdubs. Je pense que cela a été crucial pour capturer la performance magique de ce morceau de hard rock à grande vitesse : nous quatre dans la même pièce, frappant fort sans rien retenir. Les riffs de guitare mélodiques en duo dans le style de Maiden, qui volent ensemble en harmonie pendant les couplets, le refrain et le pont implacable jusqu’à ce que le morceau se termine de manière explosive, sont une approche que les fans peuvent s’attendre à entendre davantage sur notre prochain album.

Comment travaillez-vous ensemble de manière créative en tant que groupe ?
Gregory Meleney est la force motrice de Danava et notre leader intrépide. Il a composé la majorité des morceaux depuis les débuts du groupe jusqu’à aujourd’hui. Greg est un musicien naturel avec une grande oreille pour la mélodie, l’harmonie et le rythme et ses riffs jetés feraient pleurer la plupart des guitaristes qui abandonneraient ou rentreraient chez eux pour s’entraîner. La section rythmique, composée de Matt Oliver à la batterie et du bassiste Dominic Casciato, qui, tout comme moi, a une formation classique, et moi-même, sommes tous de la dernière constitution et, en tant que tels, nous avons grandi en tant que musiciens et nous pouvons maintenant assimiler les idées de Greg rapidement, ce qui facilite un processus d’écriture plus rapide. La plupart des grands musiciens sont des perfectionnistes qui doutent d’eux-mêmes, et je pense qu’une façon dont j’ai aidé notre processus est de renforcer quelle itération d’un riff est la plus forte et dans quel ordre elle a le plus d’impact. En fin de compte, Greg est aussi le chanteur et c’est donc lui qui prend les décisions concernant la tonalité et le registre. Je dois noter que Danava, Sons of Huns dans le passé et mes compositions en solo, utilisent une hauteur de référence légèrement inférieure à la norme actuelle. A=432 Hz par opposition à A=440Hz, le livre The Cosmic Octave offre un éclairage sur cette modification apparemment minime, mais intentionnelle et incroyablement significative.

Vous mentionnez des compositions en solo, est-ce quelque chose sur lequel vous avez travaillé récemment et que nous pouvons nous attendre à entendre bientôt ?
Oui, avec un peu de chance, ce sera plus tôt que tard ! J’ai fait des enregistrements de démos à la maison, j’ai parcouru et enrichi ma bibliothèque de riffs et j’ai joué beaucoup de basse et de batterie ces derniers temps afin de réaliser les chansons suffisamment bien pour que les choses se mettent en place de plus en plus rapidement et que des musiciens ayant un réel talent pour ces instruments puissent amener mes compositions au niveau de puissance brute que j’entends dans ma tête. Tant que nous continuons à nous entendre comme nous l’avons fait depuis notre rencontre récente, et qu’elle ne déteste pas les démos… J’ai préparé le grondement des basses et la puissance écrasante, et les batteurs, enfin les bons jouent généralement dans au moins trois groupes, mais j’ai lancé des pistes et mon compagnon du groupe de batterie de Danava, Matt Oliver, doit jouer sur au moins une chanson, qu’il l’ait réalisé ou non. Le titre provisoire de ce projet est ” “, gardez les yeux ouverts et procurez-vous un exemplaire dès qu’il sera disponible ! La composition de base est l’instrumentation classique du Power Trio (guitare, basse, batterie), mais comme je prévois qu’il s’agira d’un projet d’enregistrement, je ne m’imposerai pas autant de limites en termes de composition pour pouvoir le jouer sur scène. Je m’amuse à mettre en œuvre des timbres différents et des sons plus psychédéliques par moments, et à ajouter de multiples couches et harmonies qui gonflent et se développent jusqu’à un son orchestral de nombreuses guitares.

Vous utilisez Orange depuis un certain temps maintenant, quelle est votre configuration actuelle et votre histoire avec la marque ?
Je l’ai fait ! J’ai longtemps désiré un ampli Orange et j’ai finalement acheté un combo Rockerverb 50 à l’été 2007. Je venais d’obtenir une licence de musique en guitare classique à l’université de Willamette et je m’étais installé à Portland, dans l’Oregon, pour me consacrer à la musique. J’ai utilisé le combo RV50 pendant plusieurs années et j’ai acquis un Orange PPC4X12 pour l’ajouter à mon installation. Cet amplificateur Orange de 50 watts fonctionnant avec des haut-parleurs 6X12 et un SG était l’épine dorsale de mon son pendant les premiers jours de Sons of Huns. J’ai été ravie et honorée lorsque je suis devenue ambassadrice d’Orange à l’hiver 2013 ! J’ai célébré cette réussite par l’acquisition d’un amplificateur OR100 et d’un autre baffle PPC4X12, afin de pouvoir faire fonctionner ma nouvelle tête d’amplificateur tonitruante à travers une véritable pile 8X12 de la beauté sonore et frappante d’Orange. Les amplificateursOrange sont la base de mon son sur scène et en studio. J’utilise quelques amplis combo à lampes de faible puissance, mon arme secrète, en studio pour les overdubs et à la maison pour des enregistrements à faible volume mais à saturation totale. Ceci étant dit, je pense que ces amplis seront mis hors service si/quand je m’empare d’une de vos têtes d’amplificateur OR15 que j’avais à l’œil. Je n’ai jamais été un pousseur de pédales à la recherche de chaussures, préférant brancher ma guitare sur un amplificateur à tubes de qualité supérieure avec un gain magnifique et abondant, comme vous, les gens d’Orange craft. J’utilise quelques autres pédales pour enregistrer à la maison, celles qui comptent le plus d’heures étant un MXR MicroAmp, pour booster ces petits combos à lampes de faible puissance, un MXR Phase 90 pour les tourbillons, et un compresseur JHS Pulp n’ Peel. Dans Sons of Huns, j’utilisais une CryBaby Wah-Wah dans ma tête d’ampli OR-100 et une pile de PPC4X12. Actuellement, dans Danava, je joue sur plusieurs guitares, ma fidèle Gibson SG Standard en ébène, une Guild S-100 des années 70 et, plus récemment, une Gretsch Corvette de 1963 qui est la guitare la plus sexy que j’aie jouée à ce jour, dans un Ibanez TS808 Tube Screamer pour pousser le front de mon OR-100 lorsque je joue les parties les plus sophistiquées !

Je dois te demander, quelle est l’histoire derrière la jolie photo de toi et de tes piles d’Orange dans le désert ?
Cette photo a été prise par Tyler Cox de Light Science Productions dans le désert de Show Low, en Arizona, alors que Sons of Huns était en pause de deux semaines entre une tournée aux États-Unis avec nos frères allemands Kadavar, puis une autre avec les légendes du doom Saint Vitus. Ce n’est pas une mise en scène, nous avons sorti un générateur et allumé nos amplis, et bien que nous n’ayons que Tyler pour prendre des photos et des vidéos, notre cantonnier Nat, et la vaste étendue du désert de l’Arizona comme public, nous avons joué des versions à haut volume de plusieurs chansons, notamment la toute nouvelle “Powerless to the Succubus”. Ce titre se trouve sur la face A de l’album 7″ Kiss the Goat, réalisé en collaboration avec la brasserie locale Gigantic de Portland, qui a coïncidé avec la mise en bouteille et la distribution de leur bière noire dopplebock Kiss the Goat. Je dois également remercier le fil Instagram d’Orange Amps pour avoir su psychiquement quand poster cette photo un jour où j’avais le plus besoin d’être rassuré.

Alors, pour tous ceux qui n’ont pas encore expérimenté le bonheur de se brancher sur un Orange, prenez-en un, vite !


Merci à Ella pour l’intérêt et l’interview, et merci à Orange de me permettre de faire de mon mieux pour contribuer à maintenir le Rock & Roll en vie !

Quelques remerciements aux personnes qui ont aidé les Fils de Huns tout au long du chemin ;
Je tiens à remercier Devin Gallagher, fondateur de High Scores and Records, qui a publié le premier EP éponyme de Sons of Huns, ainsi que Toby Tanabe pour la superbe pochette, Kelly “Gator” Gately, de Powerblaster Records, qui a publié l’album 7 pouces “Leaving Your Body”, Adam Burke, de Nightjar Illustration, qui a réalisé la pochette de l’album et Matthew Thomas Ross, qui a réalisé le seul et unique clip de la chanson titre, Daniel Hall RidingEasy Records qui a sorti notre premier album L/P en vinyle “Banishment Ritual” (encore une fois Adam Burke pour la fantastique pochette de l’album) ainsi que l’album suivant “While Sleeping Stay Awake”, Gigantic Brewing pour la collaboration et la sortie de l’album 7″ “Kiss the Goat” et le brassage et la mise en bouteille correspondants de leur album “knock-you-on”. de leur bière brune “knock-you-on-yer-ass”, Pat Kearns pour avoir enregistré et mixé la majorité de votre discographie dans son studio PermaPress de Portland (R.I.P.) ainsi que pour avoir été un véritable ami et mentor – Love You Pat, Toshi Kasai pour son habileté à la console de son studio Sound of Sirens à LA et pour avoir fait fructifier la graine en moi pour ‘Double That Shit!’, les soeurs STUMP aimantes et attentionnées et DC lui-même pour leur hospitalité et leur soutien, et je dois dire merci et envoyer mon amour à mon pote Wino pour être venu et avoir chanté avec moi sur le titre SOH ‘An Evil Unseen’ de l’album ‘While Sleeping Stay Awake’. Je voudrais également embrasser et remercier nos familles, amis et fans qui nous ont soutenus au fil des ans en venant aux concerts, en achetant des disques ou des t-shirts et ceux qui continuent à soutenir notre musique et notre miséricorde via Bandcamp. Que puis-je dire de plus ? Moi et les garçons avons le triangle des Fils de Huns tatoué sur notre chair humaine malade.

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la tête de 50W à deux canaux, mieux