2016 a été une année faste pour le promoteur musical de l’est de Londres, Fluffer, connu pour ses ” Fluffer pit parties “, dont le concept est simple : un groupe au milieu et une foule de 360 personnes. L’idée derrière ces soirées est de ramener le concert vers les fans et de briser les barrières entre le groupe et le public.
Après une série de soirées dans des entrepôts secrets, ils ont terminé en beauté au Shapes de Hackney Wick, dans l’est de Londres, avec des groupes tels que HECK, Bo Ningen et les Black Lips. Après avoir fait une pause, les Fluffer Pit Parties sont de retour en force, avec de nombreuses pit parties à venir, dont la prochaine sera animée par le duo californien Lindsey Troy et Julie Edwards, Deap Vally.
Le duo qui s’est rencontré à l’origine lors d’un cours de crochet (c’est ainsi que tout groupe de rock commence, non ?) dans la vallée de San Fernando en Californie en 2011, a depuis lors effectué de nombreuses tournées au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis, avec des groupes et des artistes tels que Marilyn Manson, Red Hot Chili Pepper, Wolfmother, Garbage et Blondie, pour n’en citer que quelques-uns. Sans oublier, la sortie de deux albums avec leur début en 2013 “Sistrionix”, suivi de “Femejism” en 2016.
Le duo, connu pour ses performances live énergiques et sans concession, joue un rock ‘n’ roll garage imprégné de blues, et peut rappeler d’autres groupes tels que The White Stripes ou Bass Drum of Death. Vêtue de paillettes, de pompons, de justaucorps ou de tout cela à la fois, la chanteuse Lindsey Troy se pavane sur scène, tandis que la batteuse Julie Edwards ne fait qu’un avec les tambours, les cheveux sauvages partout, tandis qu’elle pousse le rythme du groupe au maximum. Les pit parties étant axées sur l’énergie, nous comprenons parfaitement pourquoi Fluffer est si enthousiaste à l’idée de les organiser – nous sommes très heureux d’y participer !
Ils seront rejoints par les Danois de Baby in Vain et le groupe britannique Yassassin, ce qui fait de cet événement une bouffée d’air frais dans un monde majoritairement dominé par les hommes. Trois groupes féminins féroces qui prennent des noms, bottent des culs et jouent du rock ‘n’ roll – nous serons là avec des cloches, et vous devriez aussi. Achetez vos billets pendant qu’il en est encore temps, ça va être un bon moment.
Vous avez sorti votre dernier album “Near to the Wild Heart of Life” en janvier, un disque que je trouve – pas nécessairement plus soigné, mais plus poli que beaucoup de vos précédents albums.
J’ai l’impression que lorsque nous avons créé le groupe, nous voulions être un seul type de groupe et faire un seul style de musique, et c’est un peu ce que nous avons fait. Nous écrivions un certain type de chanson, l’enregistrions d’une certaine manière, jouions un certain type de spectacle, et nous avons fait cela pendant plusieurs années, deux disques et environ 500 spectacles. Je pense qu’au moment où nous l’avons terminé, nous étions tous deux plus âgés et nous avions fait ce métier depuis un certain temps, nous avions découvert de nouvelles musiques et nous commencions à vouloir faire les choses un peu différemment. Nous cherchions un moyen de faire vivre le groupe, mais aussi de rester très enthousiastes et de nous y intéresser. Il est facile, quand on a du succès avec un certain son ou un certain type de chanson, de continuer à le faire indéfiniment. La plupart des gens sont heureux que les Ramones ou AC/DC n’aient jamais changé radicalement leurs chansons ou leur style de jeu, car ce sont deux groupes qui font ce qu’ils font incroyablement bien et dont on ne veut pas qu’ils s’en écartent, mais il y a d’autres groupes tout aussi géniaux, dont une partie de la grandeur vient du fait qu’ils ont décidé de changer les choses et d’explorer des territoires sonores avec différents types de chansons, et ces groupes ne seraient pas aussi géniaux s’ils ne le faisaient pas. David Bowie ne serait pas qui il est, s’il avait continué à faire le même disque pendant 40 ans. Il y a cette nature aventureuse et rebelle dans la création musicale qui peut mener à des échecs spectaculaires, mais aussi à des succès spectaculaires, et je pense que nous nous sommes regardés et avons décidé que pour le troisième album, nous pouvions aller dans l’une ou l’autre de ces directions, mais nous étions dans le jeu depuis assez longtemps pour nous sentir à l’aise pour prendre ce risque.
Nous avons commencé à trouver très intéressantes des choses qui ne nous intéressaient pas auparavant, en changeant la façon dont nous écrivons les chansons, dont nous les enregistrons – en expérimentant davantage. Essayer de sortir de nos zones de confort. C’est notre troisième disque, mais à bien des égards, il ressemble à notre premier disque, parce que nous avons décidé d’ignorer notre passé et de faire ce qui nous semblait bon, ce qui sonnait bien et ce qui nous intéressait, et dans ce processus, il y a eu beaucoup d’apprentissages, bons et mauvais, mais je pense que c’est ce qui a gardé l’intérêt pour nous. Maintenant qu’on a eu ce disque où on a commencé à s’éloigner de ce qu’on faisait avant, c’est bon d’explorer un peu plus. Nous jouons dans un groupe de deux, et quand beaucoup de gens pensent à un groupe de deux, je pense qu’ils pensent typiquement au minimalisme, que les chansons et l’enregistrement seront faits d’une manière très minimale, et je pense que nous avons toujours eu cette attitude opposée où nous avons toujours voulu voir à quel point nous pouvions faire sonner les choses, même si nous n’étions que deux, et je pense que c’est là où nous en sommes maintenant, avec la manière dont nous enregistrons ces chansons. On a fait le truc minimal et lo-fi pendant un moment et c’était génial, mais pour nous, il n’y avait plus d’aventure dans tout ça. Nous savons comment le faire, et il n’y a aucun risque.
“Il y a cette nature aventureuse et rebelle dans la création musicale qui peut conduire à des échecs spectaculaires, mais aussi à des succès spectaculaires, et je pense que nous nous sommes en quelque sorte regardés, nous et le groupe, et avons décidé que pour le troisième disque, nous pouvions aller dans l’une ou l’autre de ces directions, mais nous étions dans le jeu depuis assez longtemps pour nous sentir à l’aise pour prendre ce risque.” Brian King, Japandroids
Avec cet album, nous savions qu’il aliénerait certaines personnes qui aimaient vraiment les anciens disques, mais en même temps, la plupart des grands artistes aliènent les gens en cours de route. C’est ce qui rend leur carrière si formidable, ce sont des artistes audacieux et aventureux, et c’est le genre de société dans laquelle nous voulons être. Je pense que ce que je veux dire, c’est que nous ne voulons pas être ce genre de groupe où l’on peut réduire notre son à une simple chanson ou un simple enregistrement. Comme je l’ai mentionné précédemment, avec David Bowie, non pas que je nous compare à lui de quelque manière que ce soit, mais avec lui – vous ne pouvez pas simplement faire écouter une chanson à quelqu’un et lui dire “c’est David Bowie”, vous devez lui faire écouter au moins vingt chansons car il a couvert beaucoup de terrain.
Tu parles d’explorer de nouveaux territoires musicaux – je sais que tu as récemment joué avec At the Drive In, un groupe dont le son est assez différent du tien. Est-ce un de ces sons nouvellement trouvés ou quelqu’un que tu écoutes depuis un moment ?
At The Drive In est un groupe que Dave et moi aimions beaucoup il y a longtemps, lorsqu’ils existaient déjà, alors jouer avec eux était vraiment cool, car c’est un groupe que nous avons toujours admiré et idolâtré. Même si notre musique est très différente de la leur, nous partageons une idéologie similaire derrière la musique et la façon dont nous la jouons. Les deux groupes montent sur scène et essaient de jouer aussi intensément que possible. Dave et moi montons toujours sur scène et essayons de donner tout ce que nous avons à donner, et ces gars font la même chose, la différence est qu’ils sont cinq, et quand vous avez cinq gars qui donnent tout à leur instrument, et qui le donnent aussi fort que ces gars-là, c’est sacrément spectaculaire. Il y a une sorte de libération qui se produit lorsqu’ils jouent, ils se laissent physiquement aller et donnent tout leur corps pour interpréter cette chanson et ce set, et c’est ce que nous avons en commun avec eux.
Photo par Joao Machado via Fluffer Pit Parties
Comme vous n’êtes que deux, il y a beaucoup de pression sur vous en tant que guitariste – que recherchez-vous lorsque vous choisissez vos amplis, et que prenez-vous en considération ?
Lorsque nous avons commencé à jouer ensemble, nous avions une batterie, une guitare, un ampli et deux microphones, très minimalistes, mais c’est en quelque sorte tout ce dont vous avez besoin. Les White Stripes ont prouvé que l’on pouvait être très minimal tout en écrivant de grandes chansons et en offrant un grand spectacle, et devenir l’un des plus grands groupes du monde en leur temps, et c’est ainsi que nous avons commencé. Comme je l’ai mentionné plus tôt, en changeant notre son et ce que nous faisons, nous avons décidé qu’au lieu d’embrasser ce minimalisme, nous voulions sonner plus grand que ce dont nous étions réellement capables. D’abord, on a ajouté un deuxième ampli, puis un ampli de basse. Après ça, un troisième ampli. Ce que vous commencez à faire, c’est créer ce monstre de Frankenstein d’amplificateurs, et l’idée est que chacun d’entre eux crée un son différent qui, en soi, n’est pas forcément spécial, mais qui, dans son ensemble, devient quelque chose de très grand, de très massif. Une autre chose que nous prenons en considération est si les amplis peuvent survivre à une tournée avec nous, car nous traitons notre matériel assez durement. Nous utilisons les taxis d’Orange depuis un certain temps maintenant et ils sont vraiment très résistants.
Dans quelques heures, vous allez jouer l’une des Fluffer Pit Parties, un spectacle complètement différent d’un concert normal, avec la scène et le groupe au milieu de la pièce et la foule à 360°, quelle est votre approche de la chose ? Dans 99,99999% des concerts que nous donnerons cette année, nous serons face à la foule, donc le fait que nous devions repenser la façon dont nous nous installons et la façon dont nous nous produisons signifie que ce ne sera pas un concert typique. Il y aura des gens qui ne nous ont jamais vus auparavant et qui n’auront peut-être jamais l’occasion de le faire, alors nous essaierons d’apporter notre expérience “normale” et appropriée de Japandroids, puis il y aura des gens qui nous verront peut-être chaque fois que nous serons en ville, alors nous voulons aussi leur donner une expérience différente de ce qu’ils ont vu de nous dans le passé. Nous allons installer les amplis sur le sol et la scène sera assez dégagée, ce qui n’est pas habituel pour nous car normalement elle est assez étroite et nous sommes un peu enfermés, donc je pense qu’il y aura beaucoup plus de place pour moi pour tourner et jouer. Compte tenu de la configuration et du fait que nous n’avons jamais joué de cette manière, je ne peux pas dire comment ça va se passer. Je pense qu’il s’agira d’une de ces situations “sur le moment” où l’on monte sur scène, où l’on se lance, où l’on voit où l’on va et où l’on construit le terrain au fur et à mesure.
https://orangeamps.com/wp-content/uploads/2017/09/Japandroids-14-theone.jpg20033000Ella Stormarkhttps://orangeamps.com/wp-content/uploads/2018/04/Orange-Pics-logo-307px.pngElla Stormark2022-04-22 12:01:062022-04-22 12:01:06Interview : Brian King de Japandroids
