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Interview : Ciaran Scanlon de Fizzy Blood

Peux-tu nous parler un peu de toi et de ton groupe Fizzy Blood ? Êtes-vous membre depuis le premier jour ?
Je m’appelle Ciaran Scanlon et je suis le bassiste d’un groupe de rock appelé Fizzy Blood. J’ai rejoint Fizzy Blood en 2015, quelques mois après qu’ils soient sortis du studio pour enregistrer ‘Feast’. Notre batteur Jake et moi jouions dans des groupes ensemble depuis des années, et à l’époque nous vivions tous les deux ensemble à Leeds, étudiant au Leeds College of Music. Lorsque Fizzy a eu besoin d’un bassiste, je les ai rejoints pour quelques répétitions et depuis, nous jouons ensemble. En plus de “Feast”, nous avons également sorti “Summer of Luv”, et nous venons de sortir du studio pour enregistrer notre troisième EP, que nous avons fait avec le merveilleux Alex Newport. Il sera publié dans les prochains mois, alors gardez l’œil ouvert !

Vous avez quelques concerts impressionnants derrière vous avec vos trois années dans le groupe, quel a été le point culminant pour vous ?
Pour moi, cela doit être de jouer à l’étranger. Nous nous sommes produits en Corée du Sud pour le “Zandari Fest” et à Austin au Texas pour le “SXSW”, deux expériences assez surréalistes. Au Royaume-Uni, la tournée en tête d’affiche que nous venons de faire est aussi un moment fort. Les concerts que nous avons donnés à Leeds, Londres et Birmingham étaient vraiment exceptionnels et les foules étaient si énergiques et réceptives. C’était un moment vraiment unique pour le groupe.

Quel âge aviez-vous lorsque vous avez commencé à jouer, et qu’est-ce qui vous a amené à jouer de la basse ?
Je joue de la basse depuis que j’ai environ quatorze ans, donc depuis environ huit ans maintenant. J’ai commencé quand j’étais à l’école secondaire, quand quelques amis à moi apprenaient des instruments. J’avais l’habitude d’aller dans la salle de répétition, de traîner et d’essayer de participer de toutes les manières possibles, et comme la basse était le seul instrument dont aucun de mes amis ne jouait, je me suis dit “pourquoi ne pas essayer ? Plus tard, j’ai reçu une basse pour Noël, et le reste est, comme vous dites, de l’histoire. Mon père aimait beaucoup la basse, tout comme moi, alors il m’a donné des leçons pour m’aider à développer mon apprentissage de l’instrument. Quelques années plus tard, j’ai décidé d’aller plus loin et d’étudier la musique à l’université, et c’est là que j’ai fini par rejoindre le groupe.

 

Quel genre de musique avez-vous écouté en grandissant ?
Ayant grandi dans une famille irlandaise à Birmingham, j’ai été exposé à de nombreux musiciens et musiciens irlandais talentueux. Mes parents étaient très impliqués dans la scène musicale de Manchester, et des groupes comme The Smith, Oasis, Joy Division et The Stone Roses étaient toujours diffusés en boucle.

Pouvez-vous nous donner un aperçu de votre histoire et de votre expérience avec Orange?
Lorsque j’ai commencé à jouer, j’avais un ampli d’entraînement Orange combo, qui a été l’une des premières pièces d’équipement que j’ai possédées. Les amplis Orange que j’ai utilisés au fil des ans vont de l’ampli combo d’entraînement à l’AD200. Terror Bass et un AD200. J’ai toujours été un fan d’Orange, surtout depuis que John McVie, du groupe Fleetwood Mac, fait partie de la famille et de l’équipe Orange. Depuis le moment où j’ai joué pour la première fois avec Orange, je suis resté fidèle à ces amplis en raison de la qualité supérieure de leur son et de leur production impeccable. J’ai eu la chance d’utiliser des amplis Orange lors de nombreuses tournées au Royaume-Uni avec Fizzy Blood.

Tu as joué avec la basse Terror et tu as essayé l’AD200, quel est ton set up actuel pour cette tournée britannique récente ?
Pour cette tournée ainsi que pour les dernières tournées de Fizzy Blood, j’ai utilisé l’Orange 4 Stroke 500, elle a tout ce que je veux et j’ai pris beaucoup de plaisir à la jouer. Je ne me fie pas non plus à trop de pédales, et mon petit pédalier se compose d’un accordeur relié à un Sansamp et à une pédale appelée “Steel Leather”, qui est essentiellement un amplificateur d’aigus qui émule le son d’un médiator lorsque je joue avec mes doigts. C’est agréable d’utiliser le 4 Stroke, alors que j’utilise normalement mon Sansamp pour contrôler ma tonalité, car le 4 Stroke m’a donné beaucoup plus de liberté créative.

Si vous pouviez remonter le temps et donner à votre moi de dix ans quelques mots de sagesse, quels seraient-ils ?
Economise tout ton argent de poche et achète-toi un ampli orange. Vous ne le regretterez pas.

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Interview : Peter Hughes de Danava & Sons of Huns

Peter, merci mille fois d’avoir pris le temps de faire cette interview, moi et le reste de l’équipe d’Orange sommes de grands fans de toi et de ta musique – pourrais-tu te présenter au lecteur, et nous parler un peu de toi et de la musique que tu fais ?

Bonjour à tous les amateurs d’amplificateurs d’Orange! Ou est-ce l’après-midi, le soir ? Quel que soit le moment, quel que soit l’endroit où vous vous trouvez sur ce rocher en orbite autour du Soleil tout-puissant alors que nous filons à toute allure dans l’espace, permettez-moi de me présenter. Je suis Peter Hughes, l’humain et le guitariste que vous connaissez peut-être des groupes de hard rock tels que Sons of Huns et Danava. Outre le fait que je joue sur mon amplificateur Orange à des décibels excessifs, que j’aime écouter le style baroque du seul et unique J.S. Bach à la guitare classique, je suis un mycologue amateur – ou j’aime les champignons. Si vous êtes vraiment dans l’ignorance de tout le royaume des organismes, sans lesquels les plantes ne pourraient pas pousser et encore moins être décomposées, et avec lesquels nous partageons une grande quantité d’ADN, ce qui fait de nombreuses espèces de grands médicaments. Je souffre également de la maladie de Lyme et de maladies apparentées transmises par des tiques, à cause d’une tique du cerf de Virginie, mon État natal. Cela m’a conduit sur un chemin difficile mais finalement gratifiant vers la guérison, la composition et l’interprétation de la musique étant une part importante de ma médecine et de ma thérapie.

C’est plutôt calme du côté des Fils de Huns ces derniers temps, qu’est-ce qui se passe là-bas ?
Sons of Huns a été mon premier projet musical sérieux et ma première expérience d’enregistrement, de sortie de disques et de tournée. Nous avons eu un grand succès et je sourirai toujours en repensant aux souvenirs que j’ai eu avec mes frères Shoki Tanabe, Ryan Northrop et Aaron Powell, en jouant la musique que nous aimions fort et avec le cœur. Nous sommes maintenant en hiatus indéfini et même si j’ai été, il est vrai, bouleversée lorsque j’ai réalisé que nous allions tous passer à autre chose, je respecte mes pairs et je suis fière de ce qu’ils ont accompli et des familles qu’ils construisent depuis, grâce à rien d’autre que leur détermination et leur volonté inébranlable.

Et Danava, vous travaillez sur de nouveaux titres ?
Danava travaille en effet sur une nouvelle musique ! La joie que je ressens lorsque j’enregistre de la nouvelle musique en studio n’a d’égal que celle de jouer fort lors des concerts. Tee Pee Records a sorti un single 7″ de notre tout nouveau ripper vertueux non-stop, “At Midnight You Die”, il y a un peu plus d’un an, en octobre 2016. Mon matériel pour cette session était mon fidèle Gibson SG Standard en ébène relié à un Ibanez TS808Tube Screamer utilisé lorsque nécessaire pour pousser les tubes dans l’overdrive supplémentaire de ma tête d’amplificateur OR-100 bien-aimée associée à un seul OR-PPC 4X12. Nous avons enregistré la chanson en direct dans le studio, en ajoutant seulement les voix et le lead flamboyant de Greg comme overdubs. Je pense que cela a été crucial pour capturer la performance magique de ce morceau de hard rock à grande vitesse : nous quatre dans la même pièce, frappant fort sans rien retenir. Les riffs de guitare mélodiques en duo dans le style de Maiden, qui volent ensemble en harmonie pendant les couplets, le refrain et le pont implacable jusqu’à ce que le morceau se termine de manière explosive, sont une approche que les fans peuvent s’attendre à entendre davantage sur notre prochain album.

Comment travaillez-vous ensemble de manière créative en tant que groupe ?
Gregory Meleney est la force motrice de Danava et notre leader intrépide. Il a composé la majorité des morceaux depuis les débuts du groupe jusqu’à aujourd’hui. Greg est un musicien naturel avec une grande oreille pour la mélodie, l’harmonie et le rythme et ses riffs jetés feraient pleurer la plupart des guitaristes qui abandonneraient ou rentreraient chez eux pour s’entraîner. La section rythmique, composée de Matt Oliver à la batterie et du bassiste Dominic Casciato, qui, tout comme moi, a une formation classique, et moi-même, sommes tous de la dernière constitution et, en tant que tels, nous avons grandi en tant que musiciens et nous pouvons maintenant assimiler les idées de Greg rapidement, ce qui facilite un processus d’écriture plus rapide. La plupart des grands musiciens sont des perfectionnistes qui doutent d’eux-mêmes, et je pense qu’une façon dont j’ai aidé notre processus est de renforcer quelle itération d’un riff est la plus forte et dans quel ordre elle a le plus d’impact. En fin de compte, Greg est aussi le chanteur et c’est donc lui qui prend les décisions concernant la tonalité et le registre. Je dois noter que Danava, Sons of Huns dans le passé et mes compositions en solo, utilisent une hauteur de référence légèrement inférieure à la norme actuelle. A=432 Hz par opposition à A=440Hz, le livre The Cosmic Octave offre un éclairage sur cette modification apparemment minime, mais intentionnelle et incroyablement significative.

Vous mentionnez des compositions en solo, est-ce quelque chose sur lequel vous avez travaillé récemment et que nous pouvons nous attendre à entendre bientôt ?
Oui, avec un peu de chance, ce sera plus tôt que tard ! J’ai fait des enregistrements de démos à la maison, j’ai parcouru et enrichi ma bibliothèque de riffs et j’ai joué beaucoup de basse et de batterie ces derniers temps afin de réaliser les chansons suffisamment bien pour que les choses se mettent en place de plus en plus rapidement et que des musiciens ayant un réel talent pour ces instruments puissent amener mes compositions au niveau de puissance brute que j’entends dans ma tête. Tant que nous continuons à nous entendre comme nous l’avons fait depuis notre rencontre récente, et qu’elle ne déteste pas les démos… J’ai préparé le grondement des basses et la puissance écrasante, et les batteurs, enfin les bons jouent généralement dans au moins trois groupes, mais j’ai lancé des pistes et mon compagnon du groupe de batterie de Danava, Matt Oliver, doit jouer sur au moins une chanson, qu’il l’ait réalisé ou non. Le titre provisoire de ce projet est ” “, gardez les yeux ouverts et procurez-vous un exemplaire dès qu’il sera disponible ! La composition de base est l’instrumentation classique du Power Trio (guitare, basse, batterie), mais comme je prévois qu’il s’agira d’un projet d’enregistrement, je ne m’imposerai pas autant de limites en termes de composition pour pouvoir le jouer sur scène. Je m’amuse à mettre en œuvre des timbres différents et des sons plus psychédéliques par moments, et à ajouter de multiples couches et harmonies qui gonflent et se développent jusqu’à un son orchestral de nombreuses guitares.

Vous utilisez Orange depuis un certain temps maintenant, quelle est votre configuration actuelle et votre histoire avec la marque ?
Je l’ai fait ! J’ai longtemps désiré un ampli Orange et j’ai finalement acheté un combo Rockerverb 50 à l’été 2007. Je venais d’obtenir une licence de musique en guitare classique à l’université de Willamette et je m’étais installé à Portland, dans l’Oregon, pour me consacrer à la musique. J’ai utilisé le combo RV50 pendant plusieurs années et j’ai acquis un Orange PPC4X12 pour l’ajouter à mon installation. Cet amplificateur Orange de 50 watts fonctionnant avec des haut-parleurs 6X12 et un SG était l’épine dorsale de mon son pendant les premiers jours de Sons of Huns. J’ai été ravie et honorée lorsque je suis devenue ambassadrice d’Orange à l’hiver 2013 ! J’ai célébré cette réussite par l’acquisition d’un amplificateur OR100 et d’un autre baffle PPC4X12, afin de pouvoir faire fonctionner ma nouvelle tête d’amplificateur tonitruante à travers une véritable pile 8X12 de la beauté sonore et frappante d’Orange. Les amplificateursOrange sont la base de mon son sur scène et en studio. J’utilise quelques amplis combo à lampes de faible puissance, mon arme secrète, en studio pour les overdubs et à la maison pour des enregistrements à faible volume mais à saturation totale. Ceci étant dit, je pense que ces amplis seront mis hors service si/quand je m’empare d’une de vos têtes d’amplificateur OR15 que j’avais à l’œil. Je n’ai jamais été un pousseur de pédales à la recherche de chaussures, préférant brancher ma guitare sur un amplificateur à tubes de qualité supérieure avec un gain magnifique et abondant, comme vous, les gens d’Orange craft. J’utilise quelques autres pédales pour enregistrer à la maison, celles qui comptent le plus d’heures étant un MXR MicroAmp, pour booster ces petits combos à lampes de faible puissance, un MXR Phase 90 pour les tourbillons, et un compresseur JHS Pulp n’ Peel. Dans Sons of Huns, j’utilisais une CryBaby Wah-Wah dans ma tête d’ampli OR-100 et une pile de PPC4X12. Actuellement, dans Danava, je joue sur plusieurs guitares, ma fidèle Gibson SG Standard en ébène, une Guild S-100 des années 70 et, plus récemment, une Gretsch Corvette de 1963 qui est la guitare la plus sexy que j’aie jouée à ce jour, dans un Ibanez TS808 Tube Screamer pour pousser le front de mon OR-100 lorsque je joue les parties les plus sophistiquées !

Je dois te demander, quelle est l’histoire derrière la jolie photo de toi et de tes piles d’Orange dans le désert ?
Cette photo a été prise par Tyler Cox de Light Science Productions dans le désert de Show Low, en Arizona, alors que Sons of Huns était en pause de deux semaines entre une tournée aux États-Unis avec nos frères allemands Kadavar, puis une autre avec les légendes du doom Saint Vitus. Ce n’est pas une mise en scène, nous avons sorti un générateur et allumé nos amplis, et bien que nous n’ayons que Tyler pour prendre des photos et des vidéos, notre cantonnier Nat, et la vaste étendue du désert de l’Arizona comme public, nous avons joué des versions à haut volume de plusieurs chansons, notamment la toute nouvelle “Powerless to the Succubus”. Ce titre se trouve sur la face A de l’album 7″ Kiss the Goat, réalisé en collaboration avec la brasserie locale Gigantic de Portland, qui a coïncidé avec la mise en bouteille et la distribution de leur bière noire dopplebock Kiss the Goat. Je dois également remercier le fil Instagram d’Orange Amps pour avoir su psychiquement quand poster cette photo un jour où j’avais le plus besoin d’être rassuré.

Alors, pour tous ceux qui n’ont pas encore expérimenté le bonheur de se brancher sur un Orange, prenez-en un, vite !

Merci à Ella pour l’intérêt et l’interview, et merci à Orange de me permettre de faire de mon mieux pour contribuer à maintenir le Rock & Roll en vie !

Quelques remerciements aux personnes qui ont aidé les Fils de Huns tout au long du chemin ;
Je tiens à remercier Devin Gallagher, fondateur de High Scores and Records, qui a publié le premier EP éponyme de Sons of Huns, ainsi que Toby Tanabe pour la superbe pochette, Kelly “Gator” Gately, de Powerblaster Records, qui a publié l’album 7 pouces “Leaving Your Body”, Adam Burke, de Nightjar Illustration, qui a réalisé la pochette de l’album et Matthew Thomas Ross, qui a réalisé le seul et unique clip de la chanson titre, Daniel Hall RidingEasy Records qui a sorti notre premier album L/P en vinyle “Banishment Ritual” (encore une fois Adam Burke pour la fantastique pochette de l’album) ainsi que l’album suivant “While Sleeping Stay Awake”, Gigantic Brewing pour la collaboration et la sortie de l’album 7″ “Kiss the Goat” et le brassage et la mise en bouteille correspondants de leur album “knock-you-on”. de leur bière brune “knock-you-on-yer-ass”, Pat Kearns pour avoir enregistré et mixé la majorité de votre discographie dans son studio PermaPress de Portland (R.I.P.) ainsi que pour avoir été un véritable ami et mentor – Love You Pat, Toshi Kasai pour son habileté à la console de son studio Sound of Sirens à LA et pour avoir fait fructifier la graine en moi pour ‘Double That Shit!’, les soeurs STUMP aimantes et attentionnées et DC lui-même pour leur hospitalité et leur soutien, et je dois dire merci et envoyer mon amour à mon pote Wino pour être venu et avoir chanté avec moi sur le titre SOH ‘An Evil Unseen’ de l’album ‘While Sleeping Stay Awake’. Je voudrais également embrasser et remercier nos familles, amis et fans qui nous ont soutenus au fil des ans en venant aux concerts, en achetant des disques ou des t-shirts et ceux qui continuent à soutenir notre musique et notre miséricorde via Bandcamp. Que puis-je dire de plus ? Moi et les garçons avons le triangle des Fils de Huns tatoué sur notre chair humaine malade.

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Interview – Kirk Windstein de Crowbar et Orange Amps.

Kirk : Salut, je suis Kirk Windstein du groupe Crowbar de la Nouvelle-Orléans.

J’ai commencé à utiliser les Crush 120’s, je suis tombé sur Alex lors d’un concert à Atlanta et nous avons en quelque sorte repris contact. Parce que lorsque j’ai quitté “Down”, j’avais toujours utilisé Randall solid state avec Crowbar dans les années 80, Dimebag m’a fait découvrir ces appareils lorsque Phil Anselmo a rejoint Pantera en 87, et je les ai utilisés depuis avec Crowbar.

Il était comme : “Content de te revoir”

Quand je lui ai envoyé le courriel disant que je quittais “Down” et que je n’allais pas utiliser Orange, mais merci pour tout et j’aime toujours le produit.

Donc il est comme : “J’ai quelque chose qui pourrait te plaire”.

Je suis comme : “Qu’est-ce que c’est ?”

Il a dit : “On fait des amplis à semi-conducteurs, et si je vous en envoyais un ?”

J’ai dit : “Bien sûr”

Je me suis dit que j’avais hâte d’emmener ce truc dans la salle de répétition, alors je l’ai emmené et au bout de deux ou trois minutes, je me suis dit que c’était vraiment ce que je cherchais.

Le truc, c’est que jusqu’à ce que Dime me fasse découvrir le Randall, c’était juste au moment où nous avons commencé à baisser l’accordage, vers 1988, Crowbar s’accordait en si standard ou en la, bien avant que la sept cordes ne devienne populaire. Je n’arrivais pas à obtenir un bon son avec les amplis à lampes, mais avec le Randall solid state, le bas de gamme était tellement plus serré et n’était pas si cassé, donc j’étais vendu sur le truc solid state. Quand j’ai essayé l’Orange Crush 120, j’ai été époustouflé par le fait que même avec notre réglage, il sonne comme un ampli à lampe, il a une chaleur qu’un ampli à semi-conducteurs normal n’a pas, c’est une meilleure version de ce que je recherchais.

Je suis très vieille école, je n’utilise pas de boucle d’effets ou quoi que ce soit d’autre, je n’utilise bien sûr qu’un accordeur. J’utilise, je sais qu’ils sont nuls, tout le monde me demande toujours pourquoi je l’utilise, j’utilise une zone métallique mais je l’utilise comme un clean boost. Donc mon niveau est sur dix, mon overdrive est sur zéro, donc je n’obtiens aucune saturation, l’EQ est à 12 heures. Donc la pédale, je n’utilise pas vraiment d’égaliseur ou de gain, elle lui donne juste un petit coup de pouce, elle le resserre. Pour ce qui est de mes réglages, je suis encore en train de les mettre au point, j’ai mes basses sur huit, mes aigus sur environ quatre et demi et mes médiums sur environ quatre. C’est toujours un travail en cours !

Pour moi, avec les 4X12 d’Orange, c’est le bois, le bouleau baltique, les Celestion 30 vintage montés à l’arrière, qui est à peu près le seul haut-parleur que j’aime utiliser. C’est la même idée que le Marshall et le Boogie et tout le reste, je pense simplement que c’est un cabinet mieux fait. Même notre gars du son aux Etats-Unis disait quand on parlait des cabinets d’Orange:

“Mec, j’aurais jamais dû me débarrasser du mien, c’est le meilleur meuble qui sonne !”

Pour moi, c’est tout simplement, quand vous prenez le meuble, vous pouvez le dire, c’est vraiment lourd, et pas seulement au niveau du son, sans jeu de mots ! Mais il est tout simplement beaucoup plus résistant, les poignées sont en métal, tout n’est pas en plastique et on essaie de faire des économies. C’est tout simplement un produit très bien fait et cela se voit dans le son que vous obtenez de lui.

 

 

 

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Interview – Hank et Nate de Lionize et Orange Amps.

Hank : Hé, quoi de neuf tout le monde ? Je suis Hank, de Lionize, je joue de la basse.

Nate : Je suis Nate de Lionize, je joue de la guitare, et nous sommes ici à notre Black Heart à Camden Town, Londres.

Hank : Nous sommes dans notre van, à l’extérieur de cet endroit.

Nate : Nous sommes dans une ruelle à Camden.

Hank: Nous sommes dans une ruelle à Camden, qui est très accueillante !

Nate : ça sent bon.

Pour moi, il y a deux choses et deux choses seulement. C’est une question de sonorité et de fiabilité, si l’ampli sonne bien mais se casse la figure tous les trois concerts, il est destiné à la poubelle.

Hank: Et il est très bon à ça. Il est très doué pour obtenir des choses, penser qu’elles vont être géniales et décider qu’elles sont horribles.

Nate : Un spectacle même et un soundcheck.

Hank: C’est mon ampli préféré et maintenant je le vends !

Nate : Mais j’ai toujours eu Orange dans mon équipement depuis 2011-2012.

Mon équipement pour la tournée actuelle est le même que celui de la tournée américaine, sans les enceintes. C’est un Orange OR50 qui va dans un PPC112, qui est AB’s avec un 1976 Marshall JMP 212 Combo.

Hank: Mon matériel sur cette piste, je joue un Ampeg SVT Classic à travers le OB15 et OB410.

Nate : OBC !

Hank: OBC !

Nate : J’ai toujours un baffle Orange dans mon installation, pour parler spécifiquement en guitare pour les graves et les médiums. Il n’y a pas de résonance dans les basses comme sur un Orange 412, même le 112 est étonnamment vibrant et résonnant. Ils sont assez lourds, mais je pense qu’une fois que le bois est en contact avec le sol, c’est comme ça qu’on obtient ce son. Alors, je suis heureux de le trimballer dans n’importe quel escalier.

Hank: Je reviens à Orange simplement parce qu’il ajoute un élément de granularité pour moi en matière de jeu de basse. Il ajoute de la saleté d’une manière que les autres cabines n’ont pas.

Nate : Différents groupes mesurent le succès sur un spectre, pour certains c’est l’argent. Certains de ses…

Hank: Du homard et des putes.

Nate : Homard et putes. Mais je pense que pour un groupe comme le nôtre, parce que nous sommes de grands fans de musique et que nous regardons le site web et voyons notre nom sur la même liste que Stevie Wonder et Jimmy Page et Geddy Lee et Billy Gibbons. Nous allons continuer et dire que c’est une jolie encoche sur le vieux succès…

Hank: Ceinture ?

Nate : Ceinture !

Hank : Tête de lit ?

Nate : Tête de lit ! Nous mesurons le succès en crans de tête de lit ! C’est l’un d’entre eux ! Et des homards et des putes !

 

 

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Interview : Malcolm Brickhouse, de l’association “Unlocking The Truth”.

Photo par Bennett Raglin

Vous étiez très jeunes lorsque vous avez créé ce groupe, comment tout cela a-t-il commencé, et comment vous est-il venu à ce genre de musique en premier lieu ?
Nous avonsdécouvert le métal en entendant la musique de fond des dessins animés comme Naruto et de la WWE. Jared jouait déjà de la batterie à ce moment-là, et je venais de commencer à prendre des cours de guitare, puis Jarad a eu l’idée de monter un groupe.

Le premier titre de gloire de Unlocking the Truth a été de jouer à Times Square, ce qui a attiré l’attention des médias sociaux. Qui a eu l’idée de faire descendre le groupe dans la rue ?
C’est mes parents qui ont eu l’idée de nous emmener à Times Square. Ils savaient que nous avions du talent et voulaient nous faire connaître au mieux, et quel meilleur endroit pour le faire ? être au centre de Times Square avec des touristes du monde entier ? Des gens avec des appareils photo et des téléphones qui prennent des photos et enregistrent ? C’était logique.

Vous avez des réalisations incroyables pour un si jeune âge, y a-t-il quelque chose en particulier qui vous vient à l’esprit comme un moment fort, ou un moment “pinch me” ?
Toutaurait dû être . . Un moment “pinch-me” comme se produire à Coachella, Bonnaroo, ouvrir pour Manson, Motörhead, Living Colour et Metallica. Je suppose que nous étions si jeunes et que ne savait pas   à quel point ces choses étaient importantes. Maintenant, quand je regarde en arrière, je réalise que la plupart des gens n’auront jamais l’occasion de dire des choses comme avoir ouvert pour ces groupes – et nous avons accompli tout cela avant le lycée. C’est vraiment incroyable d’y penser et ça me permet de continuer.

Vous avez également fait l’objet d’un documentaire intitulé “Breaking a Monster”. Comment avez-vous vécu le fait d’avoir quelqu’un d’aussi proche de vous et de le partager avec le monde entier ?
Je me suis amusé à tourner le documentaire. Les caméras n’étaient pas aussi personnelles qu’on pourrait le croire. Ils étaient comme des mouches sur le mur et parfois j’oubliais  qu’ils étaient là.

Maintenant, la raison pour laquelle nous sommes tous les deux ici – les amplis Orange! Vous êtes un ambassadeur d’Orange, et nous sommes très heureux de vous avoir ! Quelle est votre histoire avec la marque ?
Je suis très enthousiaste et fière d’être ambassadrice d’Orange, c’est une marque tellement géniale ! Le premier temps J’ai entendu parler d’Orange dans une vidéo de Jim Root de Slipknot. J’ai adoré l’aspect brut d’Orange, qu’il s’agisse de sa douceur ou de sa richesse, mais… déformé tons. Je me souviens aussi d’avoir skippé Alex AuxierOrange A&R) en 2014, où il nous a posé un tas de questions sur les groupes que nous aimions et le son que nous recherchions pour lui donner une meilleure idée de ce dont nous avions vraiment besoin. L’instant d’après, ces boîtes géantes sont arrivées, avec l’ampli et le baffle Jim Root, et j’ai hurlé ! Plus tard, je suis passé au Dual Dark 100 et aux cabines 4 x 12. Ma guitare avait un son si réel que partout où je me produis, je dois avoir un ampli Orange.  Ça sonne juste – ça sonne parfait !

Vous avez sorti votre premier album ” Chaos ” l’année dernière, et vous avez récemment sorti indépendamment votre single ” My Chains “, pouvez-vous nous parler un peu de cette chanson ?
Oui, nous avons sorti indépendamment My Chains le 29 août.  Cette chanson est née en enregistrant des démos à la maison dans mon sous-sol , elle a commencé avec le riff principal et j’ai ensuite construit l’électronique , les couplets et le refrain autour de ça. Après quelques jours d’essais de différentes structures de chansons, nous avions une idée solide de chanson qui a été améliorée une fois et une fois   par notre producteur, Kenta Yonesaka (Germano Studios NY). J’aime cette chanson parce que c’est quelque chose de nouveau et d’un peu différent de ce que nous faisons habituellement, nous trouvons notre propre son et je pense que les gens peuvent le dire, alors attendez-vous à plus de changement et de croissance de Unlocking The Truth, ce n’est que le début.

Avec la sortie de ce single, nous devons nous demander si nous pouvons nous attendre à une suite à “Chaos” dans un futur proche ?
I Ne le fais pas. Nous ne voulons pas donner trop d’informations pour l’instant, car nous sommes encore en train de planifier, mais nous ne manquerons pas de le faire. ont plus de musique à venir dans un avenir très proche, alors restez à l’écoute.

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Interview : Brian King de Japandroids

Photo courtoisie de Fluffer Pit Parties.

Vous avez sorti votre dernier album “Near to the Wild Heart of Life” en janvier, un disque que je trouve – pas nécessairement plus soigné, mais plus poli que beaucoup de vos précédents albums.
J’ai l’impression que lorsque nous avons créé le groupe, nous voulions être un seul type de groupe et faire un seul style de musique, et c’est un peu ce que nous avons fait. Nous écrivions un certain type de chanson, l’enregistrions d’une certaine manière, jouions un certain type de spectacle, et nous avons fait cela pendant plusieurs années, deux disques et environ 500 spectacles. Je pense qu’au moment où nous l’avons terminé, nous étions tous deux plus âgés et nous avions fait ce métier depuis un certain temps, nous avions découvert de nouvelles musiques et nous commencions à vouloir faire les choses un peu différemment. Nous cherchions un moyen de faire vivre le groupe, mais aussi de rester très enthousiastes et de nous y intéresser. Il est facile, quand on a du succès avec un certain son ou un certain type de chanson, de continuer à le faire indéfiniment. La plupart des gens sont heureux que les Ramones ou AC/DC n’aient jamais changé radicalement leurs chansons ou leur style de jeu, car ce sont deux groupes qui font ce qu’ils font incroyablement bien et dont on ne veut pas qu’ils s’en écartent, mais il y a d’autres groupes tout aussi géniaux, dont une partie de la grandeur vient du fait qu’ils ont décidé de changer les choses et d’explorer des territoires sonores avec différents types de chansons, et ces groupes ne seraient pas aussi géniaux s’ils ne le faisaient pas. David Bowie ne serait pas qui il est, s’il avait continué à faire le même disque pendant 40 ans. Il y a cette nature aventureuse et rebelle dans la création musicale qui peut mener à des échecs spectaculaires, mais aussi à des succès spectaculaires, et je pense que nous nous sommes regardés et avons décidé que pour le troisième album, nous pouvions aller dans l’une ou l’autre de ces directions, mais nous étions dans le jeu depuis assez longtemps pour nous sentir à l’aise pour prendre ce risque.

Nous avons commencé à trouver très intéressantes des choses qui ne nous intéressaient pas auparavant, en changeant la façon dont nous écrivons les chansons, dont nous les enregistrons – en expérimentant davantage. Essayer de sortir de nos zones de confort. C’est notre troisième disque, mais à bien des égards, il ressemble à notre premier disque, parce que nous avons décidé d’ignorer notre passé et de faire ce qui nous semblait bon, ce qui sonnait bien et ce qui nous intéressait, et dans ce processus, il y a eu beaucoup d’apprentissages, bons et mauvais, mais je pense que c’est ce qui a gardé l’intérêt pour nous. Maintenant qu’on a eu ce disque où on a commencé à s’éloigner de ce qu’on faisait avant, c’est bon d’explorer un peu plus. Nous jouons dans un groupe de deux, et quand beaucoup de gens pensent à un groupe de deux, je pense qu’ils pensent typiquement au minimalisme, que les chansons et l’enregistrement seront faits d’une manière très minimale, et je pense que nous avons toujours eu cette attitude opposée où nous avons toujours voulu voir à quel point nous pouvions faire sonner les choses, même si nous n’étions que deux, et je pense que c’est là où nous en sommes maintenant, avec la manière dont nous enregistrons ces chansons. On a fait le truc minimal et lo-fi pendant un moment et c’était génial, mais pour nous, il n’y avait plus d’aventure dans tout ça. Nous savons comment le faire, et il n’y a aucun risque.

“Il y a cette nature aventureuse et rebelle dans la création musicale qui peut conduire à des échecs spectaculaires, mais aussi à des succès spectaculaires, et je pense que nous nous sommes en quelque sorte regardés, nous et le groupe, et avons décidé que pour le troisième disque, nous pouvions aller dans l’une ou l’autre de ces directions, mais nous étions dans le jeu depuis assez longtemps pour nous sentir à l’aise pour prendre ce risque.”
Brian King, Japandroids

Avec cet album, nous savions qu’il aliénerait certaines personnes qui aimaient vraiment les anciens disques, mais en même temps, la plupart des grands artistes aliènent les gens en cours de route. C’est ce qui rend leur carrière si formidable, ce sont des artistes audacieux et aventureux, et c’est le genre de société dans laquelle nous voulons être. Je pense que ce que je veux dire, c’est que nous ne voulons pas être ce genre de groupe où l’on peut réduire notre son à une simple chanson ou un simple enregistrement. Comme je l’ai mentionné précédemment, avec David Bowie, non pas que je nous compare à lui de quelque manière que ce soit, mais avec lui – vous ne pouvez pas simplement faire écouter une chanson à quelqu’un et lui dire “c’est David Bowie”, vous devez lui faire écouter au moins vingt chansons car il a couvert beaucoup de terrain.

Tu parles d’explorer de nouveaux territoires musicaux – je sais que tu as récemment joué avec At the Drive In, un groupe dont le son est assez différent du tien. Est-ce un de ces sons nouvellement trouvés ou quelqu’un que tu écoutes depuis un moment ?
At The Drive In est un groupe que Dave et moi aimions beaucoup il y a longtemps, lorsqu’ils existaient déjà, alors jouer avec eux était vraiment cool, car c’est un groupe que nous avons toujours admiré et idolâtré. Même si notre musique est très différente de la leur, nous partageons une idéologie similaire derrière la musique et la façon dont nous la jouons. Les deux groupes montent sur scène et essaient de jouer aussi intensément que possible. Dave et moi montons toujours sur scène et essayons de donner tout ce que nous avons à donner, et ces gars font la même chose, la différence est qu’ils sont cinq, et quand vous avez cinq gars qui donnent tout à leur instrument, et qui le donnent aussi fort que ces gars-là, c’est sacrément spectaculaire. Il y a une sorte de libération qui se produit lorsqu’ils jouent, ils se laissent physiquement aller et donnent tout leur corps pour interpréter cette chanson et ce set, et c’est ce que nous avons en commun avec eux.

Photo par Joao Machado via Fluffer Pit Parties

Comme vous n’êtes que deux, il y a beaucoup de pression sur vous en tant que guitariste – que recherchez-vous lorsque vous choisissez vos amplis, et que prenez-vous en considération ?
Lorsque nous avons commencé à jouer ensemble, nous avions une batterie, une guitare, un ampli et deux microphones, très minimalistes, mais c’est en quelque sorte tout ce dont vous avez besoin. Les White Stripes ont prouvé que l’on pouvait être très minimal tout en écrivant de grandes chansons et en offrant un grand spectacle, et devenir l’un des plus grands groupes du monde en leur temps, et c’est ainsi que nous avons commencé. Comme je l’ai mentionné plus tôt, en changeant notre son et ce que nous faisons, nous avons décidé qu’au lieu d’embrasser ce minimalisme, nous voulions sonner plus grand que ce dont nous étions réellement capables. D’abord, on a ajouté un deuxième ampli, puis un ampli de basse. Après ça, un troisième ampli. Ce que vous commencez à faire, c’est créer ce monstre de Frankenstein d’amplificateurs, et l’idée est que chacun d’entre eux crée un son différent qui, en soi, n’est pas forcément spécial, mais qui, dans son ensemble, devient quelque chose de très grand, de très massif. Une autre chose que nous prenons en considération est si les amplis peuvent survivre à une tournée avec nous, car nous traitons notre matériel assez durement. Nous utilisons les taxis d’Orange depuis un certain temps maintenant et ils sont vraiment très résistants.

Dans quelques heures, vous allez jouer l’une des Fluffer Pit Parties, un spectacle complètement différent d’un concert normal, avec la scène et le groupe au milieu de la pièce et la foule à 360°, quelle est votre approche de la chose ?
Dans 99,99999% des concerts que nous donnerons cette année, nous serons face à la foule, donc le fait que nous devions repenser la façon dont nous nous installons et la façon dont nous nous produisons signifie que ce ne sera pas un concert typique. Il y aura des gens qui ne nous ont jamais vus auparavant et qui n’auront peut-être jamais l’occasion de le faire, alors nous essaierons d’apporter notre expérience “normale” et appropriée de Japandroids, puis il y aura des gens qui nous verront peut-être chaque fois que nous serons en ville, alors nous voulons aussi leur donner une expérience différente de ce qu’ils ont vu de nous dans le passé. Nous allons installer les amplis sur le sol et la scène sera assez dégagée, ce qui n’est pas habituel pour nous car normalement elle est assez étroite et nous sommes un peu enfermés, donc je pense qu’il y aura beaucoup plus de place pour moi pour tourner et jouer. Compte tenu de la configuration et du fait que nous n’avons jamais joué de cette manière, je ne peux pas dire comment ça va se passer. Je pense qu’il s’agira d’une de ces situations “sur le moment” où l’on monte sur scène, où l’on se lance, où l’on voit où l’on va et où l’on construit le terrain au fur et à mesure.

 

 

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Interview – David Sullivan de Red Fang.

David Sullivan – Bonjour, je suis David du groupe Red Fang et je joue de la guitare. La première fois que j’ai vu un ampli Orange dont je me souvienne, c’était un groupe appelé “Das Damen” dans les années 90 et c’était dans un petit club, et ils étaient vraiment forts, le son était incroyable. Je me souviens que le guitariste a pris son ampli, je pense que c’était un ampli de la série OR, un ancien ampli, et il a tourné un interrupteur et le son est devenu encore plus étonnant et je ne connaissais pas vraiment les amplis à l’époque. Je veux dire que je jouais avec des amplis à l’époque, mais le son était incroyable et l’Orange est toujours resté dans ma tête, et je me suis toujours souvenu des symboles que vous utilisez pour les commandes. C’était probablement la première fois dans les années 90, quand j’ai vu “Das Damen” et ça m’a époustouflé !

Que dois-je rechercher en termes d’ampli ? Eh bien, j’aime bien, vous savez, je veux que tout soit articulé, donc je veux tout entendre, les notes basses et les notes hautes en même temps. J’aime qu’il y ait un peu de boeuf, un peu de “oomph”, en gros, qu’il soit articulé mais qu’il ait ce grognement !

La première fois que j’ai joué à l’Orange, c’était probablement en jouant avec l’Orange d’un ami, juste pour s’amuser. Mais le premier Orange que j’ai eu était le Tiny Terror, le 15 Watt, je l’adore. En fait, sur notre album “Murder the Mountains”, les enregistrements ont été faits avec différents amplis mais tous les overdubs ont été faits avec le Tiny Terror. Maintenant j’ai un Dual Terror, que j’adore, c’est mon ampli principal sur lequel je m’entraîne à la maison. Maintenant, j’ai le CR120, qui est le nouvel ampli que je joue, je suis habitué aux amplis à semi-conducteurs, nous avons utilisé les Sunn Beta Leads pendant des années et ce n’est pas que ce soit la même chose mais ça sonne super bien. Je sais que beaucoup de gens préfèrent les tubes aux amplificateurs à semi-conducteurs, il faut avoir des tubes, mais je pense que les amplificateurs à semi-conducteurs peuvent avoir un son incroyable et celui-ci est vraiment incroyable.

Il se trouve que notre bassiste avait trois ou quatre câbles bêta et on était tous à l’entraînement un jour et on s’est dit “voyons ce que ça donne si on joue tous avec le même ampli”. Donc, pour Red Fang, ça a toujours été un ampli à semi-conducteurs, les semi-conducteurs sont parfaits pour voyager car ils sont robustes, il n’y a pas de tubes à casser, mais j’aime vraiment le son des bons tubes et c’est ce que j’aime dans cet ampli, il sonne comme un putain d’ampli à tubes, il sonne bien ! J’aime toutes sortes d’amplis, je ne suis pas obligé d’avoir un ampli à semi-conducteurs, je ne suis pas du genre à ne pas avoir de tubes du tout, mais je sais que beaucoup de gens ne réalisent pas que l’ampli à semi-conducteurs peut sonner vraiment bien. J’ai l’impression qu’il y a des gens qui pensent que ça ne peut pas être aussi bon qu’un ampli à lampes, mais c’est tout à fait possible.

J’aime l’Orange parce qu’elle a une belle petite bosse dans les médiums, c’est juste parfait et comme je disais, j’aime qu’elle soit articulée, donc j’aime un peu plus de médiums. Pour être honnête, je n’ai pas beaucoup d’expérience avec les différents cabs, donc quand j’ai reçu les Orange, c’était comme “ça y est”. Ils sonnent bien, vraiment bien et ils sont robustes. Orangea été génial pour nous, Orange est comme légendaire, surtout dans notre, je ne veux pas mettre une étiquette sur nous mais dans le stoner rock, le doom. Je nous considère comme du hard rock mais c’est génial de représenter Orange!

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Interview – Tim Sult de Clutch

Tim Sult : Tim Sult de Clutch, je ne me souviens pas de la première fois que j’ai vu un ampli Orange, mais je me souviens très bien de la première fois que j’ai entendu un ampli Orange. C’est quand j’ai vu Sleep jouer en concert, quand nous enregistrions notre premier album, c’était en 1993.

Quand nous étions en tournée, probablement l’année d’après en 1994, j’ai trouvé un vieil ampli Orange, dans un magasin de musique au Colorado pour 600$, alors je l’ai acheté. C’était un vieil OR120, je l’utilisais pour tout, j’avais juste l’habitude de le mettre aussi fort qu’il le pouvait, c’est tout ce que j’ai fait avec pendant un moment, jusqu’à ce que je le fasse exploser ! Ce qui est arrivé plusieurs fois !

Nous n’avons pas le même matériel en Europe qu’aux États-Unis, mais ici, j’ai un OR50 40e anniversaire sur scène, j’adore ce truc. Chez moi, j’ai trouvé deux vieux combos Orange, deux combos des années 70. Je crois que ce sont tous les deux des combos OR120 overdrive et j’ai joué avec ces derniers aux États-Unis et ils sont phénoménaux, ce serait génial si vous pouviez cloner ces vieux Orange.

Pour moi, j’aime les sons clairs, avec juste un petit extra, je n’ai pas vraiment de chance avec un son vraiment overdrivey. Je pense généralement que le son est un peu meilleur, plus proche de l’embrayage s’il est un peu plus propre. C’est ce que j’aime dans les OR, ils ont un gros son propre, auquel on peut ajouter de l’overdrive.

Pour une raison quelconque, les cabines Orange semblent toujours avoir un peu plus de vie que toutes les autres cabines que je possède, c’est donc définitivement ce que je préfère dans les cabines Orange. Ils semblent avoir plus de haut de gamme et plus de bas de gamme, que tous les autres cabinets que j’ai.

Je n’utilise généralement pas beaucoup d’effets, j’utilise un phaser, j’ai un Electro Harmonix Micro Pog, un octave que j’aime toujours utiliser, et j’utilise une wah. Je fais toujours passer mes effets par l’avant de l’ampli, je n’ai jamais utilisé de boucle d’effets. Si vous avez un bon ampli, c’est 95% de la bataille là, je pense que mon truc avec Orange est de laisser l’ampli lui-même faire le son et non pas les pédales elles-mêmes faire le son.

Avec le prochain album, nous avons écrit pendant un bon moment, je vais certainement essayer de travailler avec autant de choses d’Orange qu’il est humainement possible !

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Interview : Charlie de Gnarwolves

Tout d’abord, vous avez une belle opportunité de jouer ce soir avec Bad Religion au Kentish Town Forum, comment cela s’est-il passé ?
Charlie : Eh bien, nous avons parlé à notre agent de quelques groupes que nous aimons vraiment, et après ça, je pense qu’elle a dû faire une sorte de magie ! Auparavant, nous avons joué avec des groupes tels que NOFX et Alkaline Trio, et cela a dû bien se passer puisque nous avons été autorisés à faire la première partie de Bad Religion !

Vous devez être très excité ! Tu viens de rentrer d’Italie, comment c’était ?
Charlie : Oui, aujourd’hui, c’est le jour où nous recommençons à tourner, nous sommes rentrés d’Italie il y a quelques jours car nous avons été envoyés là-bas pour jouer au festival Curtarock – nous sommes un trio donc c’est assez facile pour nous de voyager léger. On a apporté un sac à dos rempli de produits dérivés à vendre pour avoir de l’argent pour la bière, et c’est à peu près tout. Il faisait 31 degrés, on avait une piscine.

Bon sang, c’est la première fois que les tournées ont l’air luxueuses, normalement je suis habitué à entendre parler de groupes qui passent 18 heures dans un van, ce genre de choses.
Charlie : Oh, ne vous méprenez pas, nous avons eu notre lot de voyages de 18 heures, de vans en panne – cette histoire d’Italie n’est pas notre façon habituelle de fonctionner.

Votre deuxième album “Outsiders” est sorti en mai. Comment avez-vous abordé le processus d’enregistrement de ce deuxième album par rapport à votre premier ?
Charlie : Nous avons été très habitués à l’overdubbing, donc cette fois-ci nous voulions vraiment nous concentrer sur l’obtention du son live et nous avons fait toutes les chansons à trois en studio. Thom n’a littéralement fait que deux pistes de guitare, une où nous avons tous joué ensemble, puis une autre après dans la même salle de live, suivie du chant. Nous avions prévu d’aller en Amérique et d’enregistrer avec Steve Albini, mais cela nous aurait coûté beaucoup d’argent, alors nous avons fini par demander à notre ami de le faire et d’utiliser le même processus que Steve aurait utilisé, c’est-à-dire de le rendre aussi vivant et brut que possible – c’est plus une question de vibration que de talent, et je pense qu’il coule mieux que le premier. Le punk sonne mieux en live.

 

Bien, passons aux choses sérieuses, la raison pour laquelle nous sommes tous les deux ici est à cause des amplis Orange, quelle est votre histoire avec la marque ?
Charlie : Lors de notre toute première tournée en tant que Gnarwolves, mon ami faisait partie d’un groupe appelé ‘As We Sink’ et il faisait passer la terreur par un baffle 8×10 ou 8×10, et je savais que j’avais besoin de ce son. Le fait que vous puissiez aussi emballer la terreur et la mettre sur votre épaule est vraiment malsain. J’ai fini par en acheter un, et je l’ai depuis trois ou quatre ans maintenant, et il est tout simplement génial ! Je l’adore, et je ne voudrais aller nulle part sans elle. Les gens me demandent encore quel est mon ton et mon son, et tout ce que j’ai, c’est une pédale et la terreur. Ce soir, je n’ai même pas ma pédale avec moi, je vais donc me brancher directement sur la terreur en utilisant le gain et les aigus. Je dirais que pour tout bassiste qui vient de commencer et qui veut apprendre à jouer, la terreur est parfaite car elle n’a que cinq canaux et est si facile à utiliser. J’étais à l’origine un batteur et je n’ai commencé à jouer de la basse pour Gnarwolves que grâce à Thom (guitariste) qui m’a montré comment faire, donc pour moi, la terreur a très bien fonctionné car elle n’était pas effrayante et juste assez facile et amusante à jouer.

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Interview – Ken Rose de Hero Jr

Ma première expérience avec les amplis Orange a été avec mon groupe Hero Jr, j’avais utilisé des Marshall vintage pendant presque toute ma carrière et je ne voulais pas les emmener sur la route. Alors les gars d’Orange m’ont dit d’essayer celui-ci et j’ai pris le OR50 avec le baffle PPC212 et à la minute où je l’ai sorti de la boîte et joué, c’était génial. J’ai eu quelques répétitions avec et ensuite j’étais sur la route et j’ai été sur la route avec cet ampli pour 650 concerts au cours des 5 dernières années. Il y a eu des concerts en club, des festivals, je l’ai utilisé en studio, il a été balancé dans le van, il a traversé le pays plusieurs fois et depuis qu’il est sorti de la boîte jusqu’à notre dernière tournée qui s’est terminée hier, il a été parfait.

J’utilise essentiellement les mêmes réglages dans la salle de répétition, dans les petits clubs et les grands festivals, la seule chose que je change parfois est le volume. Mais à part ça, cet ampli est super cohérent et reste vraiment fidèle au son que je veux, à tous les réglages.

Aujourd’hui nous allons jouer en direct, j’ai mon pédalier qui est en bypass complet, donc je vais juste de la guitare à l’amplificateur et c’est la façon dont le micro principal sonne.

Cet ampli répond tout simplement aux notes, que je joue très fort, je pense que j’ai un toucher assez lourd, la plupart du temps, j’agite vraiment la guitare.

Mais même pour les trucs plus doux, il a un son vraiment vrai. Je dirais que j’utiliserais ce paramètre plus de 50-60% du spectacle. Parfois, pour les pistes, je passe au médium et cela me donne un son vraiment nasillard qui, avec cette guitare et cet ampli, est vraiment le son britannique classique dont je suis tombé amoureux dès la première fois que je l’ai entendu.

Et il reste vraiment clair quand je descends le long du manche mais il n’est pas trop propre et je n’aime vraiment pas ce son “propre de guitariste”, j’apprécie vraiment cet ampli parce qu’il semble correspondre à ma personnalité ce qui est génial.

Quand j’utilise le micro manche, c’est pour certains solos où je veux juste qu’il ait un peu de couilles et qu’il se casse presque dans les basses. Ce qui est génial avec cet ampli, surtout quand il est associé à ce baffle, c’est que ce baffle peut prendre les basses et ne pas se casser, c’est super dur pour ça.

Je trouve vraiment qu’ici, avec cette guitare et cet ampli, c’est le bon endroit.

Ce qui est génial dans le fait de l’utiliser tout le temps, c’est que, que je sois sur un album ou en concert, le son est vraiment le même, où que j’aille, quels que soient les micros que vous mettez devant, il est super super fiable. Donc oui, il a été en tournée avec moi pour 650 spectacles, sans problèmes, quelques changements de tubes, tout le reste est exactement la même configuration que lorsqu’il est sorti de la boîte et c’est assez génial.

 

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