L’année touche à sa fin, tout comme notre campagne 2019 “Voice of”. Tout au long de l’année, nous nous sommes penchés sur une variété d’artistes et de genres avec lesquels nous travaillons : “Voice of Clean”, “Voice of Rock”, “Voice of Blues”, “Voice of Acoustic”, “Voice of Bass” – vous voyez le genre.

Alors que nous sommes entrés dans le mois de décembre, c’est le moment de la grande finale, “The Voice of the World”. Orange est, comme beaucoup d’entre vous le savent, typiquement britannique, et était à l’époque difficile à trouver en dehors du Royaume-Uni. Ce n’est qu’au début des années 2000 que nous avons percé le marché américain et que nous avons été repris par de nombreux groupes de métal et de punk, ce dont nous devons probablement remercier Slipknot – merci Slipknot ! Depuis, nous avons vu Orange se développer en Europe, ainsi qu’en Asie. Pour “Voice of the World”, nous avons décidé de mettre en lumière quelques artistes inspirés par leur pays ou leur culture d’origine, en commençant par les héros de ma ville natale de Bergen, Enslaved.

Enslaved, Norvège

Terror Bass
AD200 MK3
OBC410

Depuis la formation du groupe en 1991, Enslaved a sorti 14 albums, et s’est fait un nom au niveau international sur la scène black metal. S’inspirant de la mythologie nordique, des vikings et de leur héritage norvégien, Enslaved est la parfaite ” voix de la Norvège “, qui est à bien des égards la capitale mondiale du black metal – à tel point que le guitariste Ivar Bjørnson a été chargé par le gouvernement norvégien, aux côtés d’Einar Selvik de Wardruna, de créer une pièce musicale pour célébrer le 200e anniversaire de la constitution norvégienne en 2014. Hell yeah Norvège !

BAND-MAID, Japon

Ces dernières années, les “maid cafés” sont devenus un peu à la mode au Japon, et le concept est simple : dans ces cafés, le personnel, ou les serveuses, sont habillés en servantes et doivent traiter leurs clients comme leurs maîtres et maîtresses personnels. L’idée de BAND-MAID est venue du membre fondateur Miku Kobato, qui avait auparavant travaillé dans un café pour femmes de chambre. BAND-MAID a construit son image autour du concept des cafés, le costume de femme de chambre de chaque membre du groupe étant adapté à sa personnalité, car ils appellent leurs fans des “maîtres” et des “princesses”, avec une soumission qui crée un énorme contraste avec leur façon agressive de jouer. Seulement au Japon…

El Amir, Espagne

Crush Acoustic 30
Pré acoustique

Certains d’entre vous ont peut-être lu la récente interview que nous avons réalisée avec El Amir – si ce n’est pas le cas, récapitulons : El Amir est un guitariste flamenco et multi instrumentiste germano-espagnol, actuellement en tournée avec le spectacle de Hans Zimmer, ” The World of Hans Zimmer “. Hans Zimmer est peut-être connu de la plupart des gens comme un compositeur de musique de film, puisqu’il a composé la musique de films tels que Le Roi Lion, Inception, Pirates des Caraïbes, The Dark Knight – et la liste est encore longue. Lorsqu’il est sur la route avec le spectacle de Hans Zimmer, El Amir est en charge des guitares électriques et acoustiques, du ukulélé et de l’instrument grec bouzouki. El Amir a commencé à jouer du flamenco à l’âge de 8 ans, et s’est produit pour la première fois en public à l’âge de 12 ans. À l’âge adulte, il a joué du oud, du bouzouki et de la guitare pour Radio Tarifa pendant près de dix ans, et a joué dans des salles telles que le Royal Albert Hall, le Barbican Centre et le Royal Festival Hall, rien qu’à Londres.

Lankum, Irlande

Rockerverb 50 MKIII
PPC412

Félicitations aux Irlandais pour avoir fait de la musique folklorique irlandaise non seulement une musique acceptable dans les pubs et les bars, mais aussi une musique que les gens sont vraiment ravis d’entendre dans les bars – qui n’aime pas une chanson quand il y a dix pintes dans l’air ! GUILTY ! Lankum n’est peut-être pas le groupe de shanty irlandais typique, mais il joue néanmoins du folk irlandais, et magnifiquement, si je puis dire. Décrit comme “un Pogues plus jeune et plus sombre avec une puissance plus étonnante”, Lankum mélange des éléments de la musique folk irlandaise classique avec l’ambiance et l’émotion de Bon Iver et les textures de Sunn O))). Ils ont initialement nommé le groupe ” Lynched “, en référence aux membres du groupe et aux frères Ian et Daragh Lynch, mais l’ont changé en Lankum pour éviter toute association avec la pratique du lynchage, annonçant dans une déclaration que ” Nous ne continuerons pas à travailler sous notre nom actuel tant que la persécution et le meurtre systémiques des Noirs aux États-Unis se poursuivront. “

Gorille, Angleterre

Terror Bass
Crush Bass 100
PPC412

Cette liste ne serait pas vraiment complète sans la présence d’un artiste britannique, n’est-ce pas ? La bonne vieille Angleterre et Londres sont représentées dans cette liste par l’une de nos plus récentes artistes, la bassiste de Gorilla Sarah Jane. Inspirée par les grands groupes britanniques tels que Black Sabbath, Jethro Tull, Motörhead et The Who, Sarah Jane a commencé à jouer de la basse après avoir joué de la guitare pendant quelques années. “nous savons tous que la basse est évidemment la partie la plus importante du son d’un groupe…” . Elle joue du rock ‘n’ roll lourd et rythmé avec Gorilla depuis deux décennies maintenant, et fait actuellement la promotion de leur dernier album “Treecreeper” sorti sur Heavy Psych Sounds. Sarah Jane a une sacrée collection de matériel Orange, comme en témoigne l’ interview que nous avons réalisée avec elle au début de l’année.

Ce n’est pas toujours facile d’être un jeune musicien à notre époque, de jongler entre le travail, les études et la musique… ce n’est pas facile. C’est pourquoi il était important pour Firestone d’inclure le financement de l’enregistrement dans le prix offert aux gagnants du concours Firestone Battle of the Bands de l’année dernière, Fire Fences. Basé à Bridgend, au Pays de Galles, Fire Fences a choisi les Northstone Studios, magnifiquement situés dans le manoir de Court Colman, et à dix minutes de chez eux.

Le studio, qui est un studio résidentiel moderne-vintage, a été construit par le musicien et producteur gallois Jayce Lewis, qui, assez curieusement, a été géré par David Prowse, le DARTH VADER original, alors restons-en là – il nous a eu à Dark Vador.

C’est un si beau studio, comment l’avez-vous trouvé ?
Nous sommes tombés dessus par hasard en cherchant des endroits où enregistrer et nous n’arrivions pas à croire que c’était aussi proche de chez nous, qui se trouve à environ dix minutes de route, et le son était tout simplement incroyable ! Comme nous avions un peu d’argent à l’époque, nous avons décidé de faire des folies et de tenter le coup. La première fois que nous avons enregistré ici, nous nous sommes rapprochés de Jayce, qui est presque devenu une sorte de mentor pour nous. Il nous a beaucoup aidés, et maintenant qu’il connaît le groupe et la musique, il est vraiment devenu une figure importante du groupe. Cela signifie vraiment beaucoup d’obtenir cette aide et cette contribution de quelqu’un comme lui, au stade où il en est dans sa carrière. Il a tout fait avant, et veut nous aider à être le meilleur possible, ce qui est génial ! Trouver un endroit comme celui-ci et un gars comme Jayce si près de chez nous… nous avons été incroyablement chanceux.


En observant le processus d’enregistrement et de production, je découvre l’amour entre Jayce et le groupe – rien n’est édulcoré ici, de la meilleure façon possible. Il les pousse à donner le meilleur d’eux-mêmes, et il est clair qu’ils ont déjà construit une relation forte. Entre-temps, les membres du groupe ont tous une approche différente de l’enregistrement, de la communication et du jeu, James prenant son temps pour réfléchir, expliquer les choses et tout faire à la perfection, tandis que les trois autres font bouillir la bouilloire, boivent du thé, font des siestes et de longues promenades sur la plage pendant que James entre dans les détails pour répondre à toutes mes questions. Par exemple, pourquoi l’arrière de ses baguettes semblait-il avoir été mâché en morceaux ?

Je ne les ai pas mâchés, je les ai joués dans l’autre sens. Ironiquement, ce sont des bâtons de Buddy Rich, et ils sont devenus comme ça en jouant une technique que j’ai apprise en regardant Buddy Rich jouer. En tant que batteur de jazz, il jouait en utilisant une prise traditionnelle, mais en regardant des vidéos de lui, j’ai remarqué que lorsqu’il passait au tomette, il retournait rapidement ses baguettes pour obtenir plus de puissance et de force, une technique que j’ai fini par adopter moi-même.

“Tu aurais pu lui donner une réponse courte, tu sais ? “Je les joue à l’envers pour plus de puissance”…”

Heureusement, les écrivains aiment les réponses longues, car les réponses courtes rendent la réalisation d’articles journalistiques assez difficile.

Combien de temps êtes-vous venu enregistrer ?
Nous sommes ici pour une semaine complète, du lundi au vendredi, ce qui est la plus longue période que nous ayons jamais pu passer en studio, ce qui nous a permis d’avoir beaucoup plus de temps pour expérimenter la batterie et tout ça. Nous avons également enregistré notre dernier EP ici, mais nous avons dû tout faire en trois jours pour des raisons strictement financières. Heureusement, Firestone nous a beaucoup aidés cette fois-ci, ce qui nous permet de prendre le temps d’apprécier le processus d’enregistrement et l’expérience, et de ne pas nous précipiter. Nous pouvons enlever nos chaussures, mettre nos pieds en l’air, et nous déchirer les uns les autres. Nous avons aussi reçu des tinnies pour la journée, quelques Red Stripes pour nous hydrater. Nous croyons tous fermement que l’hydratation est la clé.

Que pouvez-vous nous dire à propos de la prochaine version et de l’avenir prévisible ?
Nous faisons quatre chansons cette fois-ci, deux sont déjà faites et il nous en reste deux, et honnêtement, les deux que nous avons retenues jusqu’à présent sont trop bonnes pour être les nôtres. Nous sommes incroyablement excités par cette sortie et par ce que l’avenir nous réserve. Firestone nous aide également à réaliser les illustrations, ce qui est formidable, et nous avons des projets très intéressants à réaliser au cours des deux prochains mois. Par exemple, Noel Gallagher joue à la Birmingham Arena le 1er mai, et nous avons la possibilité de jouer dans le foyer avant le spectacle sur la Firestone Unsigned Stage, où tout le monde passera pour entrer dans la salle principale – cela représente 20 000 personnes, pour la plupart desquelles nous serons complètement inconnus, une façon incroyable de sortir et de toucher un nouveau public. Le fait d’être présent dans les médias et de jouer le même soir qu’un groupe comme Noel Gallagher est un honneur, et cela va probablement inciter beaucoup de gens à nous prendre plus au sérieux. Le fait d’avoir Firestone et Orange à nos côtés nous aide beaucoup aussi, et nous pensons que nous allons pouvoir faire de grandes choses avec leur aide et leur soutien !

Photo par Bennett Raglin

Vous étiez très jeunes lorsque vous avez créé ce groupe, comment tout cela a-t-il commencé, et comment vous est-il venu à ce genre de musique en premier lieu ?
Nous avons
découvert le métal en entendant la musique de fond des dessins animés comme Naruto et de la WWE. Jared jouait déjà de la batterie à ce moment-là, et je venais de commencer à prendre des cours de guitare, puis Jarad a eu l’idée de monter un groupe.

Le premier titre de gloire de Unlocking the Truth a été de jouer à Times Square, ce qui a attiré l’attention des médias sociaux. Qui a eu l’idée de faire descendre le groupe dans la rue ?
C’est mes parents qui ont eu l’idée de nous emmener à Times Square. Ils savaient que nous avions du talent et voulaient nous faire connaître au mieux, et quel meilleur endroit pour le faire ? être au centre de Times Square avec des touristes du monde entier ? Des gens avec des appareils photo et des téléphones qui prennent des photos et enregistrent ? C’était logique.

Vous avez des réalisations incroyables pour un si jeune âge, y a-t-il quelque chose en particulier qui vous vient à l’esprit comme un moment fort, ou un moment “pinch me” ?
Tout
aurait dû être . . Un moment “pinch-me” comme se produire à Coachella, Bonnaroo, ouvrir pour Manson, Motörhead, Living Colour et Metallica. Je suppose que nous étions si jeunes et que ne savait pas   à quel point ces choses étaient importantes. Maintenant, quand je regarde en arrière, je réalise que la plupart des gens n’auront jamais l’occasion de dire des choses comme avoir ouvert pour ces groupes – et nous avons accompli tout cela avant le lycée. C’est vraiment incroyable d’y penser et ça me permet de continuer.

Vous avez également fait l’objet d’un documentaire intitulé “Breaking a Monster”. Comment avez-vous vécu le fait d’avoir quelqu’un d’aussi proche de vous et de le partager avec le monde entier ?
Je me suis amusé à tourner le documentaire. Les caméras n’étaient pas aussi personnelles qu’on pourrait le croire. Ils étaient comme des mouches sur le mur et parfois j’oubliais  qu’ils étaient là.

Maintenant, la raison pour laquelle nous sommes tous les deux ici – les amplis Orange! Vous êtes un ambassadeur d’Orange, et nous sommes très heureux de vous avoir ! Quelle est votre histoire avec la marque ?
Je suis très enthousiaste et fière d’être ambassadrice d’Orange, c’est une marque tellement géniale ! Le premier temps J’ai entendu parler d’Orange dans une vidéo de Jim Root de Slipknot. J’ai adoré l’aspect brut d’Orange, qu’il s’agisse de sa douceur ou de sa richesse, mais… déformé tons. Je me souviens aussi d’avoir skippé Alex AuxierOrange A&R) en 2014, où il nous a posé un tas de questions sur les groupes que nous aimions et le son que nous recherchions pour lui donner une meilleure idée de ce dont nous avions vraiment besoin. L’instant d’après, ces boîtes géantes sont arrivées, avec l’ampli et le baffle Jim Root, et j’ai hurlé ! Plus tard, je suis passé au Dual Dark 100 et aux cabines 4 x 12. Ma guitare avait un son si réel que partout où je me produis, je dois avoir un ampli Orange.  Ça sonne juste – ça sonne parfait !

Vous avez sorti votre premier album ” Chaos ” l’année dernière, et vous avez récemment sorti indépendamment votre single ” My Chains “, pouvez-vous nous parler un peu de cette chanson ?
Oui, nous avons sorti indépendamment My Chains le 29 août.  Cette chanson est née en enregistrant des démos à la maison dans mon sous-sol , elle a commencé avec le riff principal et j’ai ensuite construit l’électronique , les couplets et le refrain autour de ça. Après quelques jours d’essais de différentes structures de chansons, nous avions une idée solide de chanson qui a été améliorée une fois et une fois   par notre producteur, Kenta Yonesaka (Germano Studios NY). J’aime cette chanson parce que c’est quelque chose de nouveau et d’un peu différent de ce que nous faisons habituellement, nous trouvons notre propre son et je pense que les gens peuvent le dire, alors attendez-vous à plus de changement et de croissance de Unlocking The Truth, ce n’est que le début.

Avec la sortie de ce single, nous devons nous demander si nous pouvons nous attendre à une suite à “Chaos” dans un futur proche ?
I Ne le fais pas. Nous ne voulons pas donner trop d’informations pour l’instant, car nous sommes encore en train de planifier, mais nous ne manquerons pas de le faire. ont plus de musique à venir dans un avenir très proche, alors restez à l’écoute.

Photo courtoisie de Fluffer Pit Parties.

Vous avez sorti votre dernier album “Near to the Wild Heart of Life” en janvier, un disque que je trouve – pas nécessairement plus soigné, mais plus poli que beaucoup de vos précédents albums.
J’ai l’impression que lorsque nous avons créé le groupe, nous voulions être un seul type de groupe et faire un seul style de musique, et c’est un peu ce que nous avons fait. Nous écrivions un certain type de chanson, l’enregistrions d’une certaine manière, jouions un certain type de spectacle, et nous avons fait cela pendant plusieurs années, deux disques et environ 500 spectacles. Je pense qu’au moment où nous l’avons terminé, nous étions tous deux plus âgés et nous avions fait ce métier depuis un certain temps, nous avions découvert de nouvelles musiques et nous commencions à vouloir faire les choses un peu différemment. Nous cherchions un moyen de faire vivre le groupe, mais aussi de rester très enthousiastes et de nous y intéresser. Il est facile, quand on a du succès avec un certain son ou un certain type de chanson, de continuer à le faire indéfiniment. La plupart des gens sont heureux que les Ramones ou AC/DC n’aient jamais changé radicalement leurs chansons ou leur style de jeu, car ce sont deux groupes qui font ce qu’ils font incroyablement bien et dont on ne veut pas qu’ils s’en écartent, mais il y a d’autres groupes tout aussi géniaux, dont une partie de la grandeur vient du fait qu’ils ont décidé de changer les choses et d’explorer des territoires sonores avec différents types de chansons, et ces groupes ne seraient pas aussi géniaux s’ils ne le faisaient pas. David Bowie ne serait pas qui il est, s’il avait continué à faire le même disque pendant 40 ans. Il y a cette nature aventureuse et rebelle dans la création musicale qui peut mener à des échecs spectaculaires, mais aussi à des succès spectaculaires, et je pense que nous nous sommes regardés et avons décidé que pour le troisième album, nous pouvions aller dans l’une ou l’autre de ces directions, mais nous étions dans le jeu depuis assez longtemps pour nous sentir à l’aise pour prendre ce risque.

Nous avons commencé à trouver très intéressantes des choses qui ne nous intéressaient pas auparavant, en changeant la façon dont nous écrivons les chansons, dont nous les enregistrons – en expérimentant davantage. Essayer de sortir de nos zones de confort. C’est notre troisième disque, mais à bien des égards, il ressemble à notre premier disque, parce que nous avons décidé d’ignorer notre passé et de faire ce qui nous semblait bon, ce qui sonnait bien et ce qui nous intéressait, et dans ce processus, il y a eu beaucoup d’apprentissages, bons et mauvais, mais je pense que c’est ce qui a gardé l’intérêt pour nous. Maintenant qu’on a eu ce disque où on a commencé à s’éloigner de ce qu’on faisait avant, c’est bon d’explorer un peu plus. Nous jouons dans un groupe de deux, et quand beaucoup de gens pensent à un groupe de deux, je pense qu’ils pensent typiquement au minimalisme, que les chansons et l’enregistrement seront faits d’une manière très minimale, et je pense que nous avons toujours eu cette attitude opposée où nous avons toujours voulu voir à quel point nous pouvions faire sonner les choses, même si nous n’étions que deux, et je pense que c’est là où nous en sommes maintenant, avec la manière dont nous enregistrons ces chansons. On a fait le truc minimal et lo-fi pendant un moment et c’était génial, mais pour nous, il n’y avait plus d’aventure dans tout ça. Nous savons comment le faire, et il n’y a aucun risque.


“Il y a cette nature aventureuse et rebelle dans la création musicale qui peut conduire à des échecs spectaculaires, mais aussi à des succès spectaculaires, et je pense que nous nous sommes en quelque sorte regardés, nous et le groupe, et avons décidé que pour le troisième disque, nous pouvions aller dans l’une ou l’autre de ces directions, mais nous étions dans le jeu depuis assez longtemps pour nous sentir à l’aise pour prendre ce risque.”
Brian King, Japandroids


Avec cet album, nous savions qu’il aliénerait certaines personnes qui aimaient vraiment les anciens disques, mais en même temps, la plupart des grands artistes aliènent les gens en cours de route. C’est ce qui rend leur carrière si formidable, ce sont des artistes audacieux et aventureux, et c’est le genre de société dans laquelle nous voulons être. Je pense que ce que je veux dire, c’est que nous ne voulons pas être ce genre de groupe où l’on peut réduire notre son à une simple chanson ou un simple enregistrement. Comme je l’ai mentionné précédemment, avec David Bowie, non pas que je nous compare à lui de quelque manière que ce soit, mais avec lui – vous ne pouvez pas simplement faire écouter une chanson à quelqu’un et lui dire “c’est David Bowie”, vous devez lui faire écouter au moins vingt chansons car il a couvert beaucoup de terrain.

Tu parles d’explorer de nouveaux territoires musicaux – je sais que tu as récemment joué avec At the Drive In, un groupe dont le son est assez différent du tien. Est-ce un de ces sons nouvellement trouvés ou quelqu’un que tu écoutes depuis un moment ?
At The Drive In est un groupe que Dave et moi aimions beaucoup il y a longtemps, lorsqu’ils existaient déjà, alors jouer avec eux était vraiment cool, car c’est un groupe que nous avons toujours admiré et idolâtré. Même si notre musique est très différente de la leur, nous partageons une idéologie similaire derrière la musique et la façon dont nous la jouons. Les deux groupes montent sur scène et essaient de jouer aussi intensément que possible. Dave et moi montons toujours sur scène et essayons de donner tout ce que nous avons à donner, et ces gars font la même chose, la différence est qu’ils sont cinq, et quand vous avez cinq gars qui donnent tout à leur instrument, et qui le donnent aussi fort que ces gars-là, c’est sacrément spectaculaire. Il y a une sorte de libération qui se produit lorsqu’ils jouent, ils se laissent physiquement aller et donnent tout leur corps pour interpréter cette chanson et ce set, et c’est ce que nous avons en commun avec eux.

Photo par Joao Machado via Fluffer Pit Parties

Comme vous n’êtes que deux, il y a beaucoup de pression sur vous en tant que guitariste – que recherchez-vous lorsque vous choisissez vos amplis, et que prenez-vous en considération ?
Lorsque nous avons commencé à jouer ensemble, nous avions une batterie, une guitare, un ampli et deux microphones, très minimalistes, mais c’est en quelque sorte tout ce dont vous avez besoin. Les White Stripes ont prouvé que l’on pouvait être très minimal tout en écrivant de grandes chansons et en offrant un grand spectacle, et devenir l’un des plus grands groupes du monde en leur temps, et c’est ainsi que nous avons commencé. Comme je l’ai mentionné plus tôt, en changeant notre son et ce que nous faisons, nous avons décidé qu’au lieu d’embrasser ce minimalisme, nous voulions sonner plus grand que ce dont nous étions réellement capables. D’abord, on a ajouté un deuxième ampli, puis un ampli de basse. Après ça, un troisième ampli. Ce que vous commencez à faire, c’est créer ce monstre de Frankenstein d’amplificateurs, et l’idée est que chacun d’entre eux crée un son différent qui, en soi, n’est pas forcément spécial, mais qui, dans son ensemble, devient quelque chose de très grand, de très massif. Une autre chose que nous prenons en considération est si les amplis peuvent survivre à une tournée avec nous, car nous traitons notre matériel assez durement. Nous utilisons les taxis d’Orange depuis un certain temps maintenant et ils sont vraiment très résistants.

Dans quelques heures, vous allez jouer l’une des Fluffer Pit Parties, un spectacle complètement différent d’un concert normal, avec la scène et le groupe au milieu de la pièce et la foule à 360°, quelle est votre approche de la chose ?
Dans 99,99999% des concerts que nous donnerons cette année, nous serons face à la foule, donc le fait que nous devions repenser la façon dont nous nous installons et la façon dont nous nous produisons signifie que ce ne sera pas un concert typique. Il y aura des gens qui ne nous ont jamais vus auparavant et qui n’auront peut-être jamais l’occasion de le faire, alors nous essaierons d’apporter notre expérience “normale” et appropriée de Japandroids, puis il y aura des gens qui nous verront peut-être chaque fois que nous serons en ville, alors nous voulons aussi leur donner une expérience différente de ce qu’ils ont vu de nous dans le passé. Nous allons installer les amplis sur le sol et la scène sera assez dégagée, ce qui n’est pas habituel pour nous car normalement elle est assez étroite et nous sommes un peu enfermés, donc je pense qu’il y aura beaucoup plus de place pour moi pour tourner et jouer. Compte tenu de la configuration et du fait que nous n’avons jamais joué de cette manière, je ne peux pas dire comment ça va se passer. Je pense qu’il s’agira d’une de ces situations “sur le moment” où l’on monte sur scène, où l’on se lance, où l’on voit où l’on va et où l’on construit le terrain au fur et à mesure.

 


 

 

Le duo frère-sœur de rock’n’roll White Mystery est en tournée depuis 2008 et sort un nouvel album chaque année le 20 avril. Vivez le glamour et l’horreur des tournées en compagnie de Mlle Alex White, l’artiste d’Orange Amplifiers, avec sa guitare Fireglo Rickenbacker 330, sa tête Orange Rockerverb MKIII de 50 watts et son caisson super spécial 4×12 blanc Orange de 117 livres. Cette “journée dans la vie” met en scène White Mystery sur la route avec ses collègues rockers de Chicago, Twin Peaks, et le groupe pop féminin espagnol Hinds.

Pré-commandez le nouvel album au titre explicite, White Mystery, sur iTunes ici. https://itunes.apple.com/us/album/f-y-m-s/id1222107021

Et en vinyle ici. http://whitemysteryband.storenvy.com/collections/20071-all-products/products/19078981-vinyl-f-y-m-s

 

 

10 heures du matin Réveil à Vancouver, Colombie-Britannique. Besoin d’une douche.

11 heures Boire un café chez Fraser. Parler de Legos avec sa nièce.

12 heures Laver la saleté. Mettez les vêtements les plus fous possibles en prévision du passage de la frontière vers les États-Unis.

1pm Aller à Whatsup Dog hot dogs pour le petit déjeuner. Parce que tu sais, on est de Chicago.

14 heures Traversez à nouveau les États-Unis, habillés en Capitaine America et Dame Oncle Sam. Par un coup de chance, je suis rentré aux États-Unis le jour de l’expiration de mon passeport, le 10 avril 2017. On l’a échappé belle ! !!

15 heures Écoutez Dwight Twilley et La Peste.

16h Assis dans le trafic de Seattle. Inutile de dire qu’il pleut.

16h30 Visite de Solstice Cannabis pour voir comment l’herbe est cultivée. Regardez les odeurs gratuites ! !! (Rappelez-vous : c’est légal ici les enfants !)

 

 

 

18 h 30: on se rend au spectacle à guichets fermés de Crocodile à Seattle. Les garçons de Twin Peaks sont sur le trottoir. Chargement dans.

 

 

18h45 Commande de pizzas épicées au pepperoni et à l’ananas, plus du pain au fromage et des bons vieux Coca Colas.

19h30 Il y a une file d’attente jusqu’au coin de la rue qui s’enroule autour des enfants mouillés dans la bruine de Seattle.

20 heures Sound-check moins de 5 minutes. Le personnel du site est ravi. Il suffit de faire exploser le baffle Orange, de partager les Ludwig Vistalites avec Hinds + TP, de demander un slapback sur les voix pour la maison, et d’amplifier uniquement les voix (et aussi fort que possible) dans les moniteurs.

 

 

20h30 Les gens entrent en file dans la salle et se précipitent vers la barricade pour obtenir des places au premier rang.

21h00 Rage à travers un set de 30 minutes de 13 chansons. Chantez la chanson “Birthday” du Mystère Blanc pour Colin, le claviériste de Twin Peaks. La foule est en délire.

 

 

21 h 30: quittez la scène et vendez des produits dérivés. Tom Jenkot de Wizards of the Coast, que nous avons rencontré au Japon, livre une boîte de booster de cartes Magic the Gathering pour mon frère Francis. Nous adorons les cadeaux, merci !

22h Les biches de Madrid, en Espagne, se produisent devant leurs fans !

23h Twin Peaks fait monter l’audience. Des surfeurs de foule !

11h30 Se faufiler au bar d’à côté et chanter au karaoké. “Gimme Shelter” fait généralement salle comble.

11:45pm Vendre le café White Mystery de Metropolis à un gars nommé David qui travaille au siège social de Starbucks. Brevet en instance !

12h Twin Peaks rappel avec “Dead Flowers” des Rolling Stones.

1am Party dans la salle verte. Je suis avec mes amis de Seattle, Johnny et Pete, et mon frère/bandmate/meilleur ami Francis Scott Key White. Chargez en équipe.

1:15am Réaliser que nous sommes presque en panne d’essence et se faufiler dans une station-service.

1:25am After-party avec Twin Peaks au bar rock’n’roll appelé le Screwdriver. J’ai rencontré un ami d’enfance et ancien membre du groupe de Chicago sur le trottoir en face du bar.

1:30am Rock AC/DC Pinball. Multiball et un jeu supplémentaire, bien que le bar ferme avant que je puisse jouer le freebie.

1h45 du matin, on se sépare de Fran, puis on traverse la rue pour aller à l’Ace Hotel pour faire de la musculation.

11 h Réveil et petit-déjeuner composé d’œufs durs et de glace.

 

 

Dans trois jours, Prong sortira son 12e album studio, “Zero Days”, qui sera le cinquième en cinq ans, et je peux vous assurer qu’il est sacrément bon. Lors de leur passage à Londres, j’ai eu une petite discussion avec le frontman et fondateur Tommy Victor avant leur concert à l’Underworld de Camden.

Je suis presque sûr d’avoir entendu dire que tu as commencé comme bassiste, comment cela influence-t-il ton style de jeu, et peut-être plus que tout, ton son ?
J’y pensais plus avant, j’ai toujours été plus un joueur rythmique et je ne me suis jamais concentré sur les solos, même si j’ai appris à en faire au fil des ans. Je pense que c’est peut-être une question de simplicité, j’ai du mal à écrire avec des guitaristes car ils semblent prendre cette tangente où tout ce qu’ils veulent c’est déchiqueter, et moi j’en ai rien à foutre, je veux juste écrire une chanson, j’ai une mentalité différente, je veux écrire un riff, tu vois ? Quelque chose de mémorable. Je me fiche du nombre de guitaristes qui me regardent faire, je ne cherche pas à impressionner qui que ce soit. Je préfère qu’un gars mette le feu à sa guitare plutôt que d’être là et de balayer tout ça, car ça ne me fait rien. J’apprécie leur talent, c’est génial, et c’est un don de Dieu. Je veux dire, tu peux t’entraîner pendant vingt ans, comme mon grand frère qui est toujours nul à la guitare, il joue depuis toujours et ne sait toujours pas jouer une gamme, et puis il y a moi, son petit frère qui n’a presque jamais pratiqué mais qui a fini par se retrouver dans un groupe dont il a réussi à vivre. Je ne m’attribue aucun mérite pour tout ça, c’est un don de Dieu, tout ça.

…et je suppose, peut-être un peu de pratique…
Ouais, mais être capable de pratiquer, c’est un don de Dieu.

Bref, parlons des amplis Orange!
J’adore les armoires, mec ! Ils sont incroyables, je n’utilise que des 4×12 et ils ont un son incroyable. C’est Monte Pittman qui m’a mis sur la piste, il joue de la guitare pour Madonna et jouait de la basse dans Prong, il m’a dit de les essayer et ils sonnaient vraiment bien. Ensuite, Alex (Alex Auxier, relations avec les artistes d’Orange ) m’a contacté et m’a demandé si je voulais essayer quelques amplis, et je lui ai dit que je voulais vraiment un baffle.


Comment avez-vous trouvé le circuit ?
C’était pendant une nuit de terreur. Un lézard est apparu et m’a regardé droit dans les yeux. Dans ses yeux de marbre profond, j’ai vu un ampli à côté d’un bloc de papier A4. C’était une petite terreur. [Adrian wanted to design an amp that could “fit on an A4 pad of paper.”]

Quelle est l’éthique qui sous-tend le circuit ?
Tout le monde veut faire un concert et boire quelques bières sans avoir à conduire. La Tiny Terror vous permet de le faire, car vous pouvez la transporter facilement. Appelez l’un des autres groupes à l’affiche et demandez-lui s’il est possible d’emprunter son 4×12. Jouez le spectacle avec le volume sur 10, la tonalité sur 10, le gain autour de 12 à 2 heures et entrez directement dans les tubes de sortie. Le gars à qui tu as emprunté le 4×12 a un marshall de 100 watts avec le préampli sur 9 et le volume sur 2 qui sonne comme un dentiste. Le son de votre geetar TT est si bon que vous attirez l’attention de quelques profanes :) Tu finis par aller à une fête avec eux, toujours avec ton Tiny Terror et ta geetar et ta soirée devient soudainement encore meilleure :)

Comment fonctionne le circuit ?
Simplement, c’est ceci, le premier gang du potard de gain augmente le gain du premier étage. Le deuxième gang du potard de gain augmente l’impédance du deuxième étage. Ainsi, le signal est poussé dans les tubes de sortie de manière uniforme tout au long du trajet. Les inverseurs de phase dans beaucoup d’amplis sont de véritables snollygoster. Celui du TT est parfait. Les EL84 ont le meilleur son de distorsion, la polarisation cathodique vous donne plus de smerge swomp. Ainsi, les crêpes sont épaisses à la mélasse [molasses]. Plus épais que le mec à qui tu as emprunté le 4×12.

Technical Director Adrian Emsley (Left) with Dr. Damon

Le directeur technique Adrian Emsley (à gauche) avec
Dr Damon “Je porte des shorts de vélo en hiver” McCartney (à droite)

Entretien avec le Dr Damon McCartney