Aaaaalright alors, il est temps pour un autre Ramble On. Celui-ci a été particulièrement difficile à écrire, étant donné que je me suis isolée avec mon chat pendant un mois entier et que je manque cruellement d’interactions humaines et de stimulation sociale. J’ai toujours pensé que si j’étais coincé quelque part sans rien à faire, ma créativité s’épanouirait, les paroles et les mots sortiraient de ma tête, passeraient dans mes mains et sur le papier, je créerais à partir de ce qui m’entoure et j’apprendrais de nouvelles compétences, mais j’avais tort. Après un mois d’isolement, ma créativité et ma concentration sont au plus bas. Essayer de remplir cette page avec quelque chose de significatif et d’intéressant me semble être une bataille plus importante que celle que nous menons tous actuellement.

Alors, au lieu de vous pondre une poignée de paragraphes déprimés en manque d’inspiration, je vais vous faire part de mon top 10 actuel, mes chansons préférées.

Titanic – Une nuit à Eagle Rock

Titanic est un vieux groupe norvégien dont mon père vient de me parler, et ils sont rip – Ils sont parfaits si vous aimez le style Uriah Heep / Deep Purple, avec un orgue lourd.

Flower Travellin’ Band – Ombres des jours perdus

Je vois déjà un modèle ici, une autre beauté d’orgue lourd ; “Shadows of Lost Days” par Flower Travellin’ Band.

Tim Buckley – Get on Top

Un peu de feel good funk avec “Get on Top” de Tim Buckley – mon chat me voit danser sur cette chanson tous les jours.

Funkadelic – Sur le point d’entrer en action

Que ferions-nous sans George Clinton en période de crise internationale ?

Cher – Je marche sur des éclats dorés

Cher ne se résume pas à son tube de 1998 “Believe”, que je déteste absolument, alors creusez un peu plus si c’est tout ce que vous connaissez, car vous avez manqué quelque chose. Sa reprise de “Walk on Gilded Splinters” de Dr. John est une preuve suffisante à elle seule.

Black Sabbath – Swinging the Chain (en anglais)

Un banger absolu de “Never Say Die” avec Bill Ward qui déchire au chant.

Blue Cheer – Black Sun

On ne peut pas avoir le blues de l’enfermement sans “Black Sun” de Blue Cheer.

Granicus – Le goût de l’amour

Un sleaze parfait des jours perdus de Granicus – enregistré en 1974, sorti en 2010.

Goliath – Dead Drunk Screamin’ (ivresse mortelle)

Plus de sordidité : Dead Drunk Screamin’ (ce sera bientôt notre cas à tous…) de l’album ‘Hot Rock & Thunder’ de Goliath.

Perruche – Breadfan

https://www.youtube.com/watch?v=orYr_dVnb48

Breadfan” de Budgie est un classique, le genre de chanson sur laquelle on monte le son et on boit de la bière.

Le 13 février 1970, quelque chose a changé dans la musique, et ce ne fut plus jamais le cas. Les Rolling Stones et les Beatles ayant été en tête des listes au cours de la décennie précédente, l’industrie musicale a connu un changement à la fin des années 60 ; San Francisco a connu l’été de l’amour, les Beatles ont pris de l’acide et sont partis en Inde, Muddy Waters a sorti Electric Mud, Hendrix a mis le feu à sa guitare et a introduit la wah-wah aux masses, et les New Yardbirds sont devenus Led Zeppelin. En 1970, le changement était dans l’air. À Birmingham, quelque chose se préparait depuis un certain temps, avec quatre garçons du coin, Tony, Geezer, Ozzy et Bill, qui se sont réunis pour faire de la musique, en espérant que leur groupe décollerait suffisamment pour les empêcher de travailler dans les usines locales. Ils étaient loin de se douter de l’aventure qui les attendait…

Après avoir débuté sous le nom de “The Polka Tulk Blues Band”, ils ont changé leur nom pour “Earth”, avant de devenir “Black Sabbath”. Avant cela, Tony et Bill avaient été ensemble dans Mythology, et Geezer et Ozzy dans Rare Breed. Cependant, leur projet musical actuel ne ressemble à rien de ce qu’ils avaient fait auparavant.

Avec la sortie de leur premier album éponyme le 13 février 1970, Black Sabbath a soufflé les esprits et fait fondre les cerveaux. Le morceau d’ouverture de l’album, également appelé “Black Sabbath”, commence par un tonnerre grondant et des cloches d’église, avant que Tony Iommi ne se lance dans la merde la plus lourde que le monde ait jamais vue, et dans une version ralentie et lugubre d’une partie de “Mars, the Bringer of War” de Gustav Holst, extrait de The Planets. L’album n’a pas vraiment été acclamé par la critique, bien au contraire, mais n’est pas passé inaperçu pour autant ; les gens parlaient et une base de fans se constituait, et à peine sept mois plus tard, ils ont enchaîné avec un deuxième album digne de son prédécesseur, le puissant “Paranoid”. Bien que la radio refuse de diffuser leur musique et que les critiques continuent de rejeter leur son, Black Sabbath est là pour rester. Cinq décennies plus tard, ils ont vendu plus de 70 millions de disques dans le monde entier. L’impact de leur musique est indéniable, ce qui en fait l’un des groupes de heavy metal et de doom les plus influents de tous les temps.

Lorsque j’ai entendu Black Sabbath pour la première fois, le groupe existait déjà depuis des dizaines d’années, avec des artistes comme Dio, Cozy Powell, Glenn Hughes et Ian Gillian, pour n’en citer que quelques-uns, qui ont tous fait vibrer le groupe, et j’étais déjà familiarisé avec la musique lourde grâce à Motörhead et Iron Maiden. Pourtant, Black Sabbath était différent de tout ce que j’avais entendu auparavant, et je ne peux même pas imaginer avoir été habitué à des années d’innocence sous la forme de “Yellow Submarine” et The Mamas & The Papas, pour ensuite être frappé par un mur de son sous la forme de Black Sabbath – quelle époque pour être en vie pour un tel moment dans la musique !

https://www.youtube.com/watch?v=eyVgFCTm1Bk

Lorsque nous interviewons des artistes Orange, nous sommes toujours intéressés d’en savoir plus sur la façon dont ils nous ont découverts, que ce soit en voyant des amplis Orange joués ou en jouant eux-mêmes. La réponse la plus fréquente à cette question, à travers une variété de genres, d’artistes et de générations, est la performance de Black Sabbath au Beat Club en 1970, avec la diffusion de “Paranoid” à partir d’un backline Orange complet :

Vous pouvez regarder la vidéo de Black Sabbath “Paranoid” où Iommi et Geezer Butler utilisent Orange, alors quand j’ai eu l’occasion de l’essayer moi-même, je l’ai fait immédiatement – Orange a toujours eu cette “aura des maîtres”.
– Andreas Kisser, Sepultura

Parmi les autres artistes ayant mentionné la performance de Black Sabbath au Beat Club figurent Truls Mörck de Graveyard, Giorgos de 1000 Mods et Thomas de Monolord. Inutile de dire que Black Sabbath a été une source d’inspiration pour des générations d’artistes et de musiciens en herbe, et qu’ils nous ont probablement aidés à poser un ampli ou deux. Alors, Black Sabbath, Tony, Geezer, Ozzy, Bill et tous ceux qui sont passés par le groupe et ont maintenu leur héritage en vie, merci, pour tout ce que vous avez fait pour la musique, pour tous ceux que vous avez inspirés et pour tous ceux que vous avez divertis.

Lorsque j’ai obtenu cette rubrique l’année dernière, j’étais très enthousiaste à l’idée d’avoir ma propre plateforme où je pourrais partager mes pensées et mon enthousiasme pour la musique et le monde étrange et merveilleux qui l’entoure. Pas de rédacteurs et pas de règles, à l’exception de la nécessité de limiter au maximum le mot “F”. Ce mois-ci, j’ai décidé de laisser quelqu’un d’autre divaguer un peu, car je voulais partager en entier cet article que Peter Hughes de Sons of Huns et anciennement de Danava a écrit sur le grand et regretté Roky Erickson. Je lui ai demandé de me dire quelques mots sur son disque préféré, et le résultat final a dépassé tout ce que j’aurais pu espérer : une ode sincère à l’un des pionniers du rock psychédélique. Merci Peter, et merci Roky. – Ella Stormark

Peter Hughes de Sons of Huns

Roky Erickson était un hurleur de rock ‘n’ roll né au Texas, surtout connu pour ses premières années avec le groupe The 13th Floor Elevators, dont le tube lysergique imprégné de réverbération “You’re Gonna Miss Me” a été écrit par Roky à l’âge de 15 ans et restera comme sa chanson la mieux classée et la composition définitive de sa carrière. Les 13th Floor Elevators sont considérés comme le premier groupe de rock psychédélique et leurs deux premiers albums, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators et Easter Everywhere, sont les plus connus. Le son imprégné de LSD des Elevators a traversé le Texas jusqu’à San Francisco et a clairement influencé la palette sonore d’un certain nombre de groupes qui ont connu par la suite un plus grand succès commercial, le poids lourd de la bande étant les géants du boogie et les natifs du Texas ZZ Top. Le héros de la guitare Billy Gibbons s’est d’abord fait connaître sur le circuit des clubs du Texas avec son groupe The Moving Sidewalks (un clin d’œil évident aux Elevators, comme Gibbons l’admet lui-même), qui a ensuite fait la première partie de Hendrix avant de former ZZ Top. Même Janis Joplin a envisagé d’apporter sa voix mélancolique teintée de blues aux 13th Floor Elevators avant de décider de se rendre à San Francisco.

La période psychédélique de Roky a été écourtée par une série d’arrestations liées à la drogue, dont le point culminant a été son arrestation sur scène à Austin en août 1969 pour possession de marijuana, ce qui a entraîné la destruction de deux voitures de police par les fans lors de l’émeute qui a suivi. Malheureusement, Roky a été interné à la prison de haute sécurité de Rusk pour les fous criminels après avoir plaidé la folie face aux accusations de stupéfiants. Il passera les trois années suivantes à Rusk, au cours desquelles Roky sera involontairement soumis à une thérapie par électrochocs et administré de force de la Thorazine après avoir été diagnostiqué schizophrène, bien que ce ne soit ni son premier ni son dernier séjour dans un tel établissement. Un trop grand nombre de bad trip au LSD, combiné à des problèmes de santé mentale sous-jacents dans les années 60, a été aggravé par l’environnement traumatisant de l’hôpital psychiatrique et les abus cruels qu’il a subis en l’absence de traitement médical efficace pendant son séjour. Ces épreuves se sont avérées avoir une influence non négligeable sur le son et le sujet de la musique de Roky, qui avait commencé à croire qu’un Martien habitait son corps. Cela se reflète dans la première itération du nouveau groupe de Roky, “Bleib Alien”, qui apparaît en 1975. En 1977, le groupe a commencé à travailler sur des démos pour un nouvel album avec le bassiste de Creedence Clear Water Revival, Stu Cook, ce qui a donné lieu à une version plus adaptée à la radio, ” Roky Erickson & the Aliens “. Les 15 chansons enregistrées lors des sessions avec Cook de 1977 à 1979 formeront le corpus Horror Hard Rock à partir duquel un certain nombre d’albums aux titres alternatifs sortiront (Self/Titled-1980, également appelé Runes ou Five Symbols en raison de l’ambiguïté de la pochette, & The Evil One-1981) et serviront de recueil de chansons à partir duquel Roky basera la majorité de ses concerts durant cette période et lorsqu’il refera surface dans les années 2000.

Le retour de Roky sur scène est dû en grande partie à l’aide de son jeune frère Sumner Erickson, sans lequel il n’aurait probablement pas pu surmonter les difficultés. Après avoir obtenu la tutelle légale de Roky, Sumner a cherché à obtenir le traitement médical dont son frère aîné avait besoin depuis longtemps, ainsi qu’une aide juridique pour aider Roky à récupérer les droits de licence de son catalogue, dont il a été en grande partie spolié par des labels cupides et autres. L’ingénieur de studio Doug Sahm, d’Austin au Texas, a un jour échangé à Roky un smoothie contre trois de ses chansons les plus intemporelles : “Two-Headed Dog”, la chanson d’amour “Starry Eyes” et “Don’t Slander Me”, après une session. Le documentaire incontournable sorti en 2005, intitulé “You’re Gonna Miss Me”, après le tube de l’époque des Elevators, a également joué un rôle important dans l’exposition de sa musique et de sa vie à un tout nouveau public.

“Two-Headed Dog” démarre l’album avec les cris rauques de l’autoharpe électrique de Bill Miller, qui ajoute une saveur caractéristique du son psychédélique du groupe, un twang brillant qui rappelle un peu la strum de la guitare électrique familière et qui fonctionne de la même manière que le jeu de cruche électrique de Tommy Hall dans 13th Floor Elevators, mais avec un timbre étrange d’un autre monde qui lui est propre. C’est mon morceau préféré de l’album et le ronflement caractéristique du ténor rock ‘n’ roll de Roky hurle et gémit avec assurance “Two-headed dog, two-headed dog, I been workin’ in the Kremlin with a two-headed dog !”. En plus des glapissements torturés de Roky, l’autre élément qui m’accroche à chaque fois est le jeu de guitare de Duane ‘Bird’ Aslaksen, dont on entend les plans les plus chauds voler au-dessus de Roky et de la section rythmique qui martèle le tout sur “Cold Night for Alligators”. Les derniers morceaux marquants sont les deux brûlures lentes “Night of the Vampire” et “Stand for the Fire Demon”, la fin des faces A et B respectivement. Dans ” Night of the Vampire “, Roky prévient : ” La lune peut être pleine, la lune peut être blanche, tout ce que je sais, c’est que vous sentirez sa morsure… Tonight… is the Night of the Vampire ” avant que tout le groupe, rejoint maintenant par un orgue sinistre en surimpression, ne se penche sur une mélodie macabre en mineur qui serait à sa place en tant que progression de base continue dans une Fantasia baroque. La dernière piste de la première version de 10 chansons de l’album éponyme de 1980 de Roky Erickson & The Aliens invite les auditeurs à “Stand for the Fire Demon”. Cette dernière performance couvre le plus large éventail de dynamiques, des choristes discrets alternant les “oh-ohs” avec les lignes d’Erickson livrées avec la retenue la plus contrôlée,

“Stand pour le démon du feu
Les esprits disent “bouh” et le journal…
s’enflamme,
Stand pour le démon du feu
wilder, wilder, wilder, wilder, wilder,”

jusqu’à la basse et la batterie électriques qui martèlent à fond, avec des vagues de guitares saturées d’overdrive qui s’écrasent par-dessus et les cris obsédants de Roky qui dominent tout ce qu’il commande,

“Stand pour le démon du feu
Stand pour le démon du feu
Debout pour le démon de la fiiiiire !”

Il est intéressant de noter qu’après de nombreuses versions différentes ont été publiées au fil des ans, en 2013 Light in the Attic Records a publié une édition de ‘The Evil One’ avec 2xLPs contenant les 15 chansons enregistrées par Roky & the Aliens pendant les sessions 1977-79 avec Stu Cook et vaut la peine d’être obtenu si pour aucune autre raison que l’inclusion de la chanson glaçante de Roky “Bloody Hammer”. Roky est décédé en mai 2019 à l’âge de 71 ans. Sa musique est plus que jamais d’actualité en ces temps incertains, alors que nous sommes confrontés à une pandémie mondiale qui menace d’engendrer des maux incalculables, sans compter qu’elle risque de gâcher le Record Store Day, laissant les magasins de vinyles vides et la plupart des gens se cantonnant chez eux avec crainte. Si l’on considère l’ensemble de la vie de Roky, ses difficultés et ses luttes sont finalement compensées sans équivoque par ses triomphes dans la musique, d’abord avec le rock psychédélique, puis avec l’Horror Rock, et enfin avec sa production qui a trouvé une nouvelle acceptation et qui a culminé lorsque Roky a connu le succès le plus large de sa carrière avec un dernier effort louable qu’il a terminé fort avec des performances dans des festivals et en tournée à travers les États-Unis et à l’étranger.

Repose en paix Roky ‘Starry-Eyed’ Forever.

Par Peter Hughes

Alors que l’année touche à sa fin, il est temps de réfléchir à mes points forts musicaux de 2019, avant de s’aventurer dans la prochaine décennie ; les années 20 – comment en sommes-nous arrivés là si vite ? ! Sur le plan musical, 2019 a été bonne pour moi, excellente, même ! J’ai assisté à plus de concerts que je ne peux m’en souvenir, et bien que je fasse ce travail depuis des années maintenant, j’ai parfois dû me pincer d’excitation devant toutes ces opportunités qui m’ont été données, et j’aimerais pouvoir revenir en arrière et dire à mes 15 ans.

En 2019, nous avons malheureusement perdu le bon Dr John, mais nous avons également été bénis par la nouvelle du retour de Rage, et avec la direction que prend actuellement le monde occidental sur le plan politique, nous avons plus que jamais besoin d’eux. De préférence au Royaume-Uni – peut-être à Hyde Park, s’il vous plaît ? Rage Against the Machine est le dernier groupe sur ma liste de souhaits et je marcherais dans le feu pour pouvoir assister à l’un de leurs concerts, même si j’espère ne pas avoir à aller aussi loin. Quoi qu’il en soit, alors que je me prépare à la prochaine décennie, il est temps d’être nostalgique de tous les bons moments que j’ai passés cette année.

Le concert préféré de 2019
C’est difficile à dire, car j’ai vu tellement de spectacles incroyables cette année, mais emmener mon amie Holly se faire dépuceler au Kentish Town Forum en octobre était vraiment génial – on ne peut pas battre un Matt Pike torse nu.

Album préféré de 2019
Mes camarades de Sacri Monti ont sorti leur deuxième album “Waiting Room for the Magic Hour” et il est tout simplement fantastique, un beau mélange du son psychique actuel de San Diego, agrémenté d’éléments de prog des années 70 et de guitares jumelées à la Wishbone Ash. Je l’adore, et mon père aussi, ce qui, soyons honnêtes, est le signe ultime d’approbation. Les papas savent ce qu’ils font.

Expérience de festival préférée en 2019
J’ai apprécié tous les festivals auxquels j’ai participé cette année, mais comme la majorité d’entre eux étaient pour le travail ( Desertfest Londres , Télécharger & Black Deer Festival ), je dois dire celui qui m’a permis de me détendre et, surtout, d’éteindre mon téléphone : Le Sonic Blast Moledo du Portugal – qu’il s’agisse d’être trempé jusqu’aux os en regardant Earthless sous une pluie torrentielle, ou d’être au bord de la piscine pour Giöbia en buvant du Super Bock au soleil tout en étant entouré de certains de mes meilleurs amis, c’est assez difficile à battre.

Sampo de Kaleidobolt faisant du crowdsurf pendant le set de Sacri Monti à Sonic Blast Moledo.

Événement musical non-musical préféré de 2019
J’adore les expositions musicales et j’ai pleuré devant les expositions Bowie et Pink Floyd à Londres il y a quelques années. Alors bien sûr, lorsque Home of Metal a annoncé son exposition “50 ans de Black Sabbath”, j’ai pris le train en marche. Une journée passée à Birmingham à m’informer sur les pourvoyeurs de malheur – je me suis éclaté.

Chanson préférée de 2019
Ce n’est pas vraiment une nouvelle chanson, mais la reprise par Neil Merryweather de ‘Sunshine Superman’ de Donovan est ma chanson la plus jouée de 2019, ce qui n’est pas du tout une surprise. Qui n’aime pas un peu de rock’n’roll funky sur lequel on peut danser ? Vous pouvez voir et écouter l’intégralité de mon Top 100 ici .

Cela étant fait, je veux juste dire un énorme merci à tous ceux qui ont lu et commenté en 2019, et j’ai hâte de partager plus de songes musicaux avec vous tous dans la nouvelle année. Joyeuses fêtes !

Ella Stormark feuillette les disques préférés de Jimi chez Handel & Hendrix, 23 Brook Street.

Je ne vais pas mentir, j’ai tendance à m’emporter, comment dire, quand je suis DJ. Je suis presque sûr (convaincu…) que c’est une qualité qui a été transmise dans l’ADN de mon père, car le contrôle de la musique a tendance à être une bataille sans fin entre nous. Bien sûr, il gagne, à chaque fois ! Il a 30 ans d’histoire de la musique de plus que votre serviteur – c’est clairement un gagnant. Bref, revenons à moi. Je dirais que la musique est définitivement ma passion, et comme je ne suis pas un joueur à proprement parler (je ne joue que pour mon chat), je suis un auditeur incroyablement doué – si écouter de la musique est une compétence, je me considère comme très doué – je pourrais écouter pendant des jours, et chaque fois que j’ai le privilège d’être DJ, que ce soit en public ou en privé, je prends mon travail très, très au sérieux.

La plupart du temps, je suis bon, génial, même ! Mais il m’est arrivé à quelques reprises de me tromper complètement dans une pièce, et quand je dis se tromper, je veux dire vraiment, vraiment se tromper – ce qui est aussi le diminutif de ignorer, car j’ai ignoré ce qu’absolument tout le monde voulait écouter pour avoir ma dose. Mon meilleur exemple est d’avoir fait écouter à mes invités un album entier de Motorpsycho (c’était un double….) alors qu’ils avaient envie de Pink Floyd. Ce n’est probablement pas mon meilleur moment, mais bon, que puis-je dire – si vous ne m’aimez pas dans mon “Motorpsycho à minuit”, vous ne me méritez pas dans mon “Prince aux fêtes”, et sur le sujet des fêtes, je suis plutôt bon.

https://www.youtube.com/watch?v=jWXrxqjP-pM
Jimi Jammin’ au 23 Brook Street

La prochaine fois que je servirai une bonne dose de saucisses et de purée au public, c’est le 14 février, dans l’ancien appartement de Jimi Hendrix à Brook Street, et soyons honnêtes, il n’y a pas vraiment d’autre gars avec qui je passerais la Saint-Valentin, donc c’est plutôt parfait. Dans 22 jours, je vais fouiller dans ma collection de disques, bercer et câliner mes précieux joyaux, tout en essayant de savoir qui aura droit à ses cinq minutes de gloire en terre sainte. Je suis un fan d’Hendrix depuis plus longtemps que je ne l’ai jamais été, et le fait que je puisse faire tourner les disques de mon choix là où il a vécu est une sorte de situation où je me demande si Jimi approuverait ma collection de disques et serait d’accord avec ma sélection.

Pour ceux d’entre vous qui ne sont pas au courant de la situation du “vieil appartement de Jimi”, pendant son séjour à Londres de 1968 à 1969, Jimi a résidé au 23 Brook Street, où, assez curieusement, le compositeur Haendel a vécu 200 ans auparavant. Ces dernières années, la propriété a été rénovée et ouverte au public en tant que musée, rendant hommage à la fois à Haendel et à Hendrix. L’appartement de Hendrix a été réaménagé avec l’aide de Kathy Etchingham, la petite amie de Jimi à l’époque, pour qu’il soit exactement comme il était pendant son séjour, ce qui vous permet de remonter le temps et d’avoir un aperçu réel de la façon dont Hendrix vivait, un vrai voyage dans le temps !

Le 14 février marque le quatrième anniversaire de l’ouverture de l’appartement, et il est célébré par l’un de leurs événements “Friday Late”, qui est un événement régulier – ce qui signifie que vous pouvez réellement assister à une fête chez Hendrix – quoi ?! Lorsque j’ai découvert Hendrix à l’âge de 14 ans, je n’ai jamais pensé que je pourrais un jour mettre les pieds dans sa maison, et encore moins être invité à partager certains de mes morceaux préférés avec d’autres fans de Hendrix, et je me sens vraiment honoré d’avoir été invité à le faire. Le 23 Brook Street est une partie importante de l’histoire de la musique, et vaut bien une visite si vous êtes à Londres, dans le cadre de votre pèlerinage psychédélique.

Maintenant, revenons à la fouille des dossiers.

Il y a quelques semaines, je regardais Sleep à Londres, ou plus précisément, je fixais un Matt Pike torse nu au Kentish Town Forum. Bien sûr, il y a plein de guitaristes de merde, mais Pike, c’est autre chose, il est comme une icône plus grande que nature, comme le Godzilla du métal et du doom – les gars, avez-vous une idée du nombre d’amplis que nous avons vendus grâce à ce type ? Matt Pike et Black Sabbath ont utilisé Orange dans la vidéo de “Paranoid”, ce qui a ouvert à Orange les portes du monde du stoner et du doom. Merci les gars de payer mes factures. Bref, revenons au sujet.

Revenons un peu en arrière, au début des années 90, en 1992, pour être précis. Alors que la brit-pop est une réalité au Royaume-Uni, quelque chose de bien plus lourd se passe de l’autre côté de l’Atlantique. À l’âge de 21 ans, Matt Pike sort l’emblématique “Holy Mountain” de Sleep aux côtés du bassiste et chanteur Al Cisneros et du batteur Chris Hakius. On ne peut qu’imaginer la réaction du représentant d’Earache lorsqu’il recevra les démos et que ” Dragonaut ” sortira des enceintes, l’héritage de Tony Iommi incarné par la nouvelle génération !

Avec la sortie de “Holy Mountain”, Sleep est devenu l’un des premiers connaisseurs du stoner rock, et a pratiquement créé le genre aux côtés de Kyuss. Après la sortie réussie de “Holy Mountain”, le groupe s’est aventuré plus loin dans l’underground et loin du grand public, en enchaînant avec un titre d’une heure intitulé “Dopesmoker” ou “Jerusalem”. Malheureusement, le sommeil n’a pas duré longtemps après ça, et ils ont pris des chemins séparés. Matt Pike est donc revenu peu de temps après, cette fois avec High on Fire, où, après quelques succès et échecs avec les différents membres du groupe, il s’est retrouvé au chant et à la guitare.

Ces dernières années, Pike a été occupé avec les deux groupes, puisque Sleep est revenu avec le spectaculaire The Sciences, qui est sorti opportunément, en secret, je pourrais ajouter, le 20 avril 2018 via Third Man Records – bien sûr, il fallait que ce soit une sortie 420 ! C’est l’un de ces albums dont je me souviens exactement où j’étais quand j’en ai entendu parler, assise dans un hôtel beaucoup trop chic (mais génial…) à Tilburg, en train de me préparer pour le Roadburn Festival, quand tout à coup mon fil Instagram s’est rempli de ce disque surprise, et j’ai su tout de suite que mon instinct de transporter mon enceinte Bose de la crasseuse Londres à la douce Hollande n’était pas acquis ; j’ai trouvé l’album et fait taire mes copines pour qu’elles l’écoutent, et voilà – Sleep était de retour, comme si elles n’étaient jamais parties. Le morceau d’ouverture et de titre ” The Sciences ” se construit pendant trois bonnes minutes, avant que l’enfer ne se déchaîne avec ” Marijuanaut’s Theme “, qui, je dois le dire, est le meilleur de Sleep.

Le mois suivant, j’ai eu ma toute première interview devant une caméra avec personne d’autre que Matt Pike au Desertfest de Londres, et cette fantastique nouvelle version a fait monter ma peur et mon excitation encore plus haut – j’ai parfois du mal à transcrire les interviews que j’ai menées à cause du son de ma propre voix enregistrée, J’ai eu cinq nuits blanches avant de traîner mon épave anxieuse à l’Electric Ballroom pour mener ma plus grande interview à ce jour, et vous savez, sans l’exception d’avoir l’air légèrement déplacé (qui ne le serait pas ?). C’est l’effet Matt Pike !), je n’ai pas merdé ! De plus, les commentaires positifs que j’ai reçus par la suite étaient tellement enocoura… Ahhh, dans un monde parfait, hein ? Les gens adorent dire des conneries en ligne, et voici l’une de mes préférées parmi les commentaires de Youtube :

Commentaire classique de la section BANTER. J’ai dû faire preuve de toute la retenue dont j’étais capable en tant que Viking d’un mètre quatre-vingt pour ne pas répliquer au gars cool numéro uno “MasterBait” qui remettait en question mes connaissances sur Motörhead, mais comme je ne suis pas moi-même un guerrier du clavier certifié, j’ai laissé passer. Pour mémoire, c’est “Stay Clean” – pourquoi ? À cause du solo sexy de Lemmy, bien sûr, mais l’ensemble de l’album “Overkill” est un chef-d’œuvre en soi.

Plus d’un an s’est écoulé depuis l’interview, et pendant ce temps, Pike a sorti “Electric Messiah” avec “High on Fire”, qui a également remporté le Grammy Award de la “Meilleure performance metal” plus tôt cette année, et il s’est coupé la moitié de l’orteil à cause du diabète, ce qui est assez sacrément rock ‘n’ roll en soi. Bien qu’il ait été occupé à tourner excessivement avec les deux groupes après leurs dernières sorties, je me demande bien ce qu’il va nous apporter de nouveau. À une époque où les stars du rock disparaissent, je me réjouis de l’existence de Matt Pike et de sa contribution continue à la musique.

Photo via le documentaire ” Hendrix live at Woodstock “.

Tout d’abord, permettez-moi de dire que je me suis assis pour écrire cet article trois fois maintenant, les deux premières fois étant trop défoncé (désolé maman et papa, je l’ai fait pour l’art !) pour faire autre chose que manger des poignées de granola et jouer avec mon chat en écoutant le set Woodstock de Santana en boucle. Cette fois, mon esprit est clair – alimenté par du café jusqu’à l’explosion, à la manière occidentale. Maintenant, allons-y.

S’il y a un événement historique dans la musique auquel j’aurais aimé participer, c’est Woodstock, trois jours de paix, d’amour et de musique – bien que la réalité serait probablement de se perdre dans une foule d’un demi-million de personnes, à une époque où les téléphones n’existaient pas, tout en faisant des trips sous acide – ce qui serait soit fantastique, soit incroyablement stressant – c’est une épée à double tranchant, la roulette du trou du lapin.

https://www.youtube.com/watch?v=AqZceAQSJvc

Quoi qu’il en soit, on ne peut nier l’empreinte qu’il a laissée dans l’histoire de la musique et, toutes opinions politiques mises à part, ce groupe spectaculaire mérite à lui seul de faire la une des journaux : Hendrix, Creedence, Santana, Ten Years After, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Johnny Winter, Sly and the Family Stone, Ravi Shankar, Canned Heat, Grateful Dead, Mountain, Joe Cocker, Crosby, Stills, Nash and Young – je veux dire, est-ce que vous êtes vraiment… ? La semaine dernière, le festival a fêté ses 50 ans, ce qui explique qu’il ait été présent dans mon esprit et dans celui de tant d’autres personnes.

Née environ 40 ans trop tard pour assister et vivre le festival dans toute sa splendeur et son désordre, j’ai fait de mon mieux ces deux dernières semaines pour vivre l’expérience Woodstock aussi bien que possible cinquante ans plus tard ; j’ai passé trois jours au Sonic Blast Festival au Portugal avec un groupe d’amis, dansant sous la pluie apocalyptique sur Earthless à minuit, avant de faire la fête dans l’appartement londonien de Jimi Hendrix pendant le week-end anniversaire de Woodstock, en buvant son rosé préféré distribué gratuitement. Inutile de dire que je me suis senti comme une vraie merde le lendemain, car nous avons manifestement réussi à mettre la main sur plus que la bouteille allouée par personne.

Bref, je divague, revenons au festival.

Woodstock a eu lieu à un moment crucial : la guerre du Viêt Nam faisait rage et des frères et sœurs mouraient, Martin Luther King Jr avait été tragiquement tué un an auparavant et les gens se battaient pour l’égalité, que ce soit en raison du sexe, de la race ou de l’orientation sexuelle. Puis, tout à coup, l’ange d’un agriculteur du nom de Max Yasgur a gentiment loué l’un de ses champs agricoles aux promoteurs du festival, qui a alors attiré près d’un demi-million de personnes qui célébraient la paix, l’amour et la musique. Le festival n’a pas été bien accueilli par les habitants, qui craignaient ce que ces jeunes aux cheveux longs et à l’allure débraillée allaient faire dans leur ville. Heureusement, Max Yasgur est venu à leur défense :

“J’ai entendu dire que vous envisagiez de modifier la loi sur le zonage pour empêcher le festival. J’ai entendu dire que vous n’aimiez pas l’apparence des enfants qui travaillent sur le site. J’ai entendu que vous n’aimiez pas leur style de vie. J’ai entendu que vous n’aimez pas qu’ils soient contre la guerre et qu’ils le disent très fort. . . Je n’aime pas particulièrement l’apparence de certains de ces enfants non plus. Je n’aime pas particulièrement leur style de vie, surtout la drogue et l’amour libre. Et je n’aime pas ce que certains d’entre eux disent de notre gouvernement. Cependant, si je connais l’histoire américaine, des dizaines de milliers d’Américains en uniforme ont donné leur vie, guerre après guerre, pour que ces enfants aient la liberté de faire exactement ce qu’ils font. C’est la raison d’être de ce pays et je ne vais pas vous laisser les jeter hors de notre ville juste parce que vous n’aimez pas leur robe, leurs cheveux, leur façon de vivre ou leurs croyances. C’est l’Amérique et ils vont avoir leur festival.”
Max Yasgur au conseil municipal de Bethel.

https://www.youtube.com/watch?v=3fZBaPS_XvQ

Si l’on fait abstraction des musiciens qui se produisaient et que l’on se concentre uniquement sur la logistique de l’événement, Woodstock n’était pas loin d’être le Fyre Festival de 1969. Au départ, 100 000 billets avaient été vendus à l’avance pour le festival, mais lorsque les participants ont commencé à arriver, les clôtures n’étaient pas prêtes et le nombre de personnes était si élevé qu’ils n’ont pas pu arrêter le flot massif de hippies qui se déversaient dans la zone – si la circulation n’avait pas été si mauvaise, ils ont estimé que le nombre aurait été plus élevé. Avec près d’un demi-million de participants, ils manquaient aussi cruellement de tout : nourriture, eau, fournitures médicales, etc. Pourtant, malgré les pluies sporadiques, le manque de tout, les protestations des habitants et le chaos général, Woodstock a été une célébration pacifique qui a uni des centaines de milliers de personnes par leur amour de la musique et de l’acceptation. Aujourd’hui, nous avons peut-être plus que jamais besoin d’un Woodstock, la forêt tropicale est en feu et le monde est dirigé par des hommes fous – nous avons tous besoin de nous détendre un peu.

Après seulement quatre ans de travail en freelance pour Orange, j’ai décidé qu’il était temps pour moi de tenter de faire un pas de plus, d’atteindre la deuxième base, pourrait-on dire. “Est-ce que je peux avoir une rubrique où j’écris sur tout ce qui concerne la musique, et lui donner un nom cool à la Lester Bangs ?”. Je retenais mon souffle en attendant impatiemment la réponse : “Essayons. Merde, alors je fais ça – une rubrique où je partage mes pensées sur n’importe quoi, mais comment je l’appelle ? ! Puis, tout d’un coup, c’était là, clair comme le jour : ” Ramble On ” – c’est parfait ! J’ai choisi ce nom parce que je parle beaucoup et que la chanson de Zeppelin est un véritable tube.

En grandissant, je connaissais Led Zeppelin grâce à la collection de disques de mon père. Pour moi, ils étaient l’un de ces groupes épiques de l’époque où le rock ‘n’ roll était encore nouveau et où des géants parcouraient la terre – il n’y avait personne comme eux, à part peut-être Black Sabbath et Pink Floyd. Tous trois sont des géants des temps perdus qui ont contribué à façonner la musique telle qu’elle est aujourd’hui. Je n’ai jamais rêvé dans un million d’années que j’aurais un jour la chance d’assister à un concert de l’un d’entre eux, à l’exception de Zeppelin pour des raisons évidentes, qui a tragiquement sombré le 25 septembre 1980 avec le décès de John Bonham.

Ozzy, photo de Fin Costello

Cependant, j’ai réussi à voir Robert Plant deux fois, d’abord avec Alison Krauss en 2008, puis une deuxième fois au festival iTunes à Roundhouse en 2014. Les deux fois, j’ai eu le cœur brisé en pleurant sur ” Black Dog ” et ” Babe I’m Gonna Leave You ” – comment pouvais-je entendre ces chansons jouées en direct ? J’ai également vu un autre quart de Zeppelin en chair et en os, avec John Paul Jones jouant avec Seasick Steve, où il jouait de divers instruments à côté de la basse, dont certains que je n’avais jamais vus auparavant et dont j’ignore encore aujourd’hui la nature. Obscure, c’est le moins que l’on puisse dire !

J’ai également réussi à voir Black Sabbath deux fois avant que tout ne s’arrête (mais pas avec Bill Ward, c’est dommage !) – la première fois en 2014 avec Motörhead (qui, encore une fois, était un rêve d’enfant devenu réalité !) et Soundgarden en première partie, sans savoir l’importance de ce dont j’étais témoin et la fin de deux époques à venir, puisque Lemmy et Chris Cornell, deux figures si importantes dans leurs genres respectifs, sont décédés dans les deux années suivantes.

Pink Floyd

L’été dernier, j’ai également eu l’occasion de voir Roger Waters des Pink Floyd, mon frère d’anniversaire Vierge d’une autre mère ; j’étais obsédé par Waters depuis que j’avais regardé son DVD “In the Flesh” à 13 ans et que j’avais reçu en cadeau le disque “Wish you Were Here” des Floyd pour Noël la même année. Quelques années plus tard, j’ai découvert ” Live at Pompeii ” et le mal était fait, car on ne trouve plus ce genre de choses de nos jours. Les choses qu’ils avaient l’habitude d’avoir, de faire, eh bien, nous n’avons probablement pas ça non plus de nos jours… Quoi qu’il en soit, je perds le fil comme je le fais souvent, d’où le nom de “Ramble On” (ça marche bien, hein ?), ce qui m’amène au point suivant, à savoir le fait que je n’ai pas encore vu Jimmy Page en concert ; le guitariste ultime, et le dernier patron de l’héritage du rock ‘n’ roll. Peut-être qu’il faut sortir le costume de dragon d’Earls Court une dernière fois… ?!

Bien que j’aie la chance d’avoir vu ces artistes incroyables des décennies après le début de leur carrière, je ne peux m’empêcher de spéculer et de rêver à ce que cela aurait été de les voir dans la gloire de leurs jours de gloire, lorsque Black Sabbath dépensait plus d’argent pour la coke que pour l’enregistrement, que Pink Floyd explorait les psychédéliques et les visuels au club UFO et que Led Zeppelin faisait fondre les esprits avec des versions de quatre jours de “Dazed and Confused” tout en s’arrogeant le titre de “plus grand groupe du monde”. Jusqu’à ce que le voyage dans le temps soit inventé, je vais regarder religieusement “La chanson reste la même” à la place, et continuer à divaguer.