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Después de apenas cuatro años trabajando como freelance para Orange, decidí que había llegado el momento de intentar dar un paso más, hasta la segunda base, se podría decir. ¿Puedo, por favor, tener una columna en la que escriba sobre todo lo relacionado con la música, y ponerle un nombre parecido al de Lester Bangs? Estaba conteniendo la respiración esperando impacientemente la respuesta: “Vamos a intentarlo”. Mierda, así que estoy haciendo esto – una columna donde comparto mis pensamientos sobre lo que sea, pero ¿cómo la llamo? Entonces, de repente, ahí estaba, claro como el día; ‘Ramble On’ – ¡es perfecto! Me quedé con este nombre porque, bueno, hablo mucho, y la canción de Zeppelin es un bombazo absoluto.

Cuando crecí conocí a Led Zeppelin por la colección de discos de mi padre, para mí eran una de esas bandas épicas de hace mucho tiempo, cuando el rock ‘n’ roll era todavía nuevo, y los gigantes caminaban por la tierra – no había nadie como ellos, excepto quizás Black Sabbath y Pink Floyd. Los tres son gigantes de épocas perdidas que ayudaron a moldear la música tal y como es hoy. Nunca soñé ni en un millón de años que tendría la oportunidad de ver a alguno de ellos en directo, bueno, a Zeppelin por razones obvias, ese barco zarpó trágicamente y se hundió el 25 de septiembre de 1980 con el fallecimiento de John Bonham.

Ozzy, foto de Fin Costello

Sin embargo, he conseguido ver a Robert Plant dos veces, la primera con Alison Krauss en 2008, y la segunda en el festival iTunes en Roundhouse en 2014. El corazón me dio un vuelco las dos veces que lloré con ‘Black Dog’ y ‘Babe I’m Gonna Leave You’: ¿cómo podía estar escuchando estas canciones en directo? También he visto otra cuarta parte de Zeppelin en carne y hueso con John Paul Jones tocando con Seasick Steve, donde tocaba una variedad de instrumentos junto al bajo, algunos de los cuales nunca había visto antes y hasta el día de hoy sigo sin saber cuáles eran. Obscura, por decir lo menos.

De alguna manera, también me las arreglé para ver a Black Sabbath dos veces antes de que todo terminara (aunque no con Bill Ward, ¡descorazonado!) – la primera vez en 2014 con Motörhead (que de nuevo para mí fue un gran sueño de la infancia hecho realidad) y Soundgarden apoyando, sin saber la importancia de lo que estaba presenciando y el final de dos eras por venir ya que tanto Lemmy como Chris Cornell, dos figuras tan masivas dentro de sus propios géneros, fallecieron en el siguiente par de años.

Pink Floyd

El verano pasado también pude ver a Roger Waters de Pink Floyd, mi hermano virgo de otra madre; me obsesionaba Waters desde que vi su DVD “In the Flesh” a los 13 años, y me regalaron “Wish you Were Here” de Floyd por Navidad ese mismo año. Avancemos unos años hasta encontrar ‘Live at Pompeii’ y el daño estaba hecho, demonios, no se consiguen esas cosas hoy en día. Las cosas que solían tener, hacer, bueno, probablemente no tenemos eso hoy en día tampoco… En fin, estoy perdiendo el hilo, como suelo hacer, y de ahí el nombre “Ramble On” (funciona bien, ¿eh?), lo que me lleva al siguiente punto, el hecho de que aún no he visto actuar a Jimmy Page; el guitarrista definitivo, y el jefe final del legado del rock ‘n’ roll. ¿Tal vez sacar ese traje de dragón de Earls Court por última vez?

A pesar de tener la suerte de haber visto a estos increíbles artistas décadas después de que todo empezara, no puedo evitar especular y soñar con cómo habría sido verlos en la gloria de su apogeo, cuando Black Sabbath gastaba más dinero en coca que en grabar, Pink Floyd exploraba la psicodelia y los visuales en el club UFO, y Led Zeppelin derretía las mentes con versiones de cuatro días de “Dazed and Confused” mientras se hacía con el título de “la mejor banda del mundo”. Hasta que se inventen los viajes en el tiempo, me limitaré a ver religiosamente “La canción sigue siendo la misma”, y a divagar.

Foto vía el documental ‘Hendrix live at Woodstock’.

En primer lugar, permítanme decir que me he sentado a escribir este artículo tres veces, y las dos primeras veces estaba demasiado colocado (¡lo siento, mamá y papá, lo hice por el arte!) para hacer otra cosa que no fuera comer puñados de granola y jugar con mi gato mientras escuchaba el set de Woodstock de Santana en repetición. Esta vez, mi mente está despejada, alimentada por el café hasta la explosión, a la manera occidental. Ahora, vamos a ello.

Si hay un acontecimiento histórico en la música en el que me habría encantado participar es Woodstock, tres días de paz, amor y música, aunque la realidad sería probablemente perderme entre una multitud de medio millón de personas en una época anterior a los teléfonos, mientras me tropezaba con bolas de ácido, lo que sería fantástico o increíblemente estresante, es un arma de doble filo, la ruleta de la madriguera.

https://www.youtube.com/watch?v=AqZceAQSJvc

En cualquier caso, no se puede negar la huella que dejó en la historia de la música, e incluso dejando de lado todas las opiniones políticas, esa espectacular alineación es digna de titulares por sí sola: Hendrix, Creedence, Santana, Ten Years After, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Johnny Winter, Sly and the Family Stone, Ravi Shankar, Canned Heat, Grateful Dead, Mountain, Joe Cocker, Crosby, Stills, Nash and Young… ¿en serio? La semana pasada se cumplieron 50 años del festival, por lo que ha estado en mi mente, y en la de tantas otras personas.

Como nací unos 40 años tarde para asistir y vivir el festival en su desordenada y hermosa gloria, he hecho todo lo posible en las últimas dos semanas para vivir la experiencia de Woodstock tan bien como podría cincuenta años después; pasé tres días en el Sonic Blast Festival en Portugal con un grupo de amigos, bailando bajo la lluvia apocalíptica al ritmo de Earthless a medianoche, antes de salir de fiesta en el piso de Jimi Hendrix en Londres durante el aniversario del fin de semana de Woodstock, bebiendo su rosado favorito que se repartía gratis. No hace falta decir que me sentí como una absoluta mierda al día siguiente, ya que obviamente nos las arreglamos para conseguir más de la botella asignada por persona.

En fin, estoy divagando, volvamos al festival.

Woodstock tuvo lugar en un momento crucial; la guerra de Vietnam hacía estragos y los hermanos y hermanas morían, Martin Luther King Jr. había sido trágicamente asesinado un año antes y la gente luchaba por la igualdad, ya fuera por razones de género, raza u orientación sexual. De repente, un ángel agricultor llamado Max Yasgur alquiló amablemente uno de sus campos a los promotores del festival, que atrajo a casi medio millón de personas que celebraban la paz, el amor y la música. El festival no fue bien acogido por los lugareños, que temían lo que estos jóvenes de aspecto desaliñado y pelo largo podrían hacer en su ciudad. Por suerte, Max Yasgur salió en su defensa:

“He oído que están considerando cambiar la ley de zonificación para impedir el festival. He oído que no te gusta el aspecto de los chicos que trabajan en el lugar. He oído que no te gusta su estilo de vida. He oído que no te gusta que estén en contra de la guerra y que lo digan en voz alta. . . A mí tampoco me gusta especialmente el aspecto de algunos de esos chicos. No me gusta especialmente su estilo de vida, sobre todo las drogas y el amor libre. Y no me gusta lo que algunos de ellos dicen sobre nuestro gobierno. Sin embargo, si conozco la historia de Estados Unidos, decenas de miles de estadounidenses en uniforme dieron sus vidas en una guerra tras otra sólo para que esos chicos tuvieran la libertad de hacer exactamente lo que están haciendo. De eso se trata este país y no voy a permitir que los echen de nuestra ciudad sólo porque no les guste su forma de vestir o su pelo o su manera de vivir o lo que creen. Esto es América y van a tener su festival”.
Max Yasgur a la junta municipal de Bethel.

https://www.youtube.com/watch?v=3fZBaPS_XvQ

Si quitamos a los músicos que realmente actuaron y nos centramos sólo en la logística de todo ello, Woodstock no estuvo muy lejos de ser el Fyre Festival de 1969; en un principio habían prevendido 100.000 entradas para el festival, pero cuando los asistentes empezaron a aparecer, las vallas no estaban preparadas y la cantidad de gente era tan alta que no pudieron detener el flujo masivo de hippies que entraba en la zona -si no hubiera sido porque el tráfico era tan malo, se estimaba que las cifras habrían sido mayores. Con casi medio millón de asistentes, también se estaban quedando sin nada: comida, agua, suministros médicos, de todo. Sin embargo, a pesar de las lluvias esporádicas, la falta de, bueno, todo, las protestas de los lugareños y el caos general, Woodstock fue una celebración pacífica que unió a cientos de miles de personas por su amor a la música y la aceptación. Hoy en día, es posible que necesitemos un Woodstock más que nunca, la selva tropical está en llamas y el mundo está gobernado por hombres locos: definitivamente, todos necesitamos relajarnos un poco.

Hace un par de semanas estuve viendo Sleep in London, o para ser más específico, mirando a un Matt Pike sin camisa en el Kentish Town Forum. Por supuesto, hay un montón de guitarristas de mierda por ahí, pero Pike es algo más, es como un icono más grande que la vida, como el Godzilla del metal y el doom – chicos, ¿tenéis idea de cuántos amplificadores hemos vendido gracias a este tipo? Quiero decir, no tengo ningún número legítimo a mano ya que los números no son mi fuerte, pero serán toneladas, garantizado – Matt Pike, y Black Sabbath usando Orange en el video de ‘Paranoid’ prácticamente abrió las puertas para Orange al mundo del stoner y el doom – así que gracias chicos, por pagar mis facturas. En fin, volviendo al tema.

Retrocedamos un poco a principios de los 90, concretamente a 1992. Mientras que el Brit-pop era una realidad en el Reino Unido, al otro lado del Atlántico ocurría algo mucho más pesado, ya que un bebé, Matt Pike, a la tierna edad de 21 años, lanzó el icónico “Holy Mountain” de Sleep, junto con el bajista y cantante Al Cisneros y el baterista Chris Hakius. Uno sólo puede imaginar la reacción del representante de Earache al recibir las maquetas y ‘Dragonaut’ sonando por los altavoces, ¡el legado de Tony Iommi encarnado por la siguiente generación!

Con el lanzamiento de “Holy Mountain”, Sleep se convirtió en uno de los primeros conocedores del stoner rock, y prácticamente creó el género junto a Kyuss. Tras el exitoso lanzamiento de “Holy Mountain”, la banda se aventuró más en el underground y se alejó del mainstream, ya que siguió con el tema de una hora de duración titulado “Dopesmoker” o “Jerusalem”. Por desgracia, el sueño no duró mucho después de eso, y tomaron caminos separados. Sin embargo, si la música es lo que haces, un parón te va a matar, así que Matt Pike volvió no mucho después, esta vez con High on Fire, donde, tras unos cuantos aciertos y errores con varios miembros de la banda, acabó ocupándose de las tareas vocales además de la guitarra.

En los últimos años, Pike ha estado ocupado con ambas bandas, ya que Sleep regresó con el espectacular The Sciences, que fue convenientemente publicado, en secreto, debo añadir, el 20 de abril de 2018 a través de Third Man Records – ¡por supuesto que tenía que ser un lanzamiento de 420! Ahora bien, este es uno de esos discos que recuerdo exactamente dónde estaba cuando me enteré de su existencia, sentada en un hotel demasiado ostentoso (pero increíble…) en Tilburg preparándose para el Roadburn Festival cuando, de repente, mi feed de Instagram se llenó con el disco sorpresa, y supe allí mismo que mi instinto de transportar mi altavoz Bose desde la mugrienta Londres hasta la dulce, dulce Holanda no era por gusto; encontré el disco y callé a mis amigas y las hice escuchar, y he aquí: Sleep había vuelto, como si nunca se hubieran ido. El tema que abre el disco y que da título al mismo, “The Sciences”, dura tres minutos, antes de que se desate el infierno con “Marijuanaut’s Theme”, que debo decir que es “Sleep” en su máxima expresión.

Al mes siguiente tenía preparada mi primera entrevista ante la cámara, nada menos que con Matt Pike, en el Desertfest de Londres, y esta fantástica novedad aumentó aún más mi miedo y mi emoción: a veces me cuesta transcribir las entrevistas que he realizado debido al sonido de mi propia voz grabada, así que añadir mi cara a la mezcla con una cámara vigilando cada uno de mis movimientos me causó algunas noches de insomnio, y tuve como cinco de ellas antes de arrastrar finalmente mi ruina de ser ansioso al Electric Ballroom para llevar a cabo mi mayor entrevista hasta la fecha, y ya sabes, sin la excepción de parecer ligeramente fuera de lugar (¿quién no lo haría? Es el “efecto Matt Pike”), ¡no la cagué! Además, los comentarios positivos que recibí después fueron tan enocuentes… Ahhh, en un mundo perfecto, ¿eh? A la gente le encanta decir tonterías en Internet, y aquí está una de mis favoritas de los comentarios de Youtube:

Clásica sección de comentarios BANTER. Hizo falta cada centímetro de autocontrol en mi yo vikingo de 1,80 metros de altura para no devolverle el fuego al chico guay número uno, ‘MasterBait’, por cuestionar mis conocimientos sobre Motörhead, pero como no soy un guerrero del teclado certificado, lo dejé pasar. Para que conste, es “Stay Clean”, ¿por qué? Por el sexy solo de Lemmy, duh, aunque todo el disco ‘Overkill’ es una obra maestra por sí mismo.

Ha pasado más de un año desde la entrevista, y en ese tiempo Pike ha lanzado ‘Electric Messiah’ con ‘High on Fire’, que también ganó un premio Grammy a la ‘Mejor Interpretación de Metal’ a principios de este año, y se ha cortado la mitad del dedo del pie debido a la diabetes, lo que es un maldito rock ‘n’ roll en sí mismo. Aunque ha estado ocupado girando excesivamente con ambas bandas tras sus últimos lanzamientos, me pregunto qué será lo próximo que nos traiga. Viviendo en una época en la que las estrellas de rock originales se están desvaneciendo, estoy encantado con la existencia de Matt Pike y su continua contribución a la música.

Como el año está llegando a su fin, es hora de reflexionar sobre mis momentos musicales más destacados de 2019, antes de aventurarme en la siguiente década; los veinte años -¡cómo hemos llegado tan pronto! Musicalmente hablando, el 2019 ha sido bueno para mí, ¡genial, incluso! He asistido a más conciertos de los que puedo recordar, y a pesar de llevar años haciendo este trabajo, a veces he tenido que pellizcarme de emoción por todas estas oportunidades que se me han dado, y sólo desearía poder volver atrás en el tiempo y decírselo a mi yo de 15 años.

En 2019, lamentablemente perdimos al buen Dr. John, pero también fuimos bendecidos con la noticia del regreso de Rage, y con el rumbo que tiene el mundo occidental ahora políticamente, los necesitamos ahora más que nunca. Preferiblemente en el Reino Unido, quizás en Hyde Park, por favor. Rage Against the Machine es la última banda de mi lista de deseos y prácticamente atravesaría el fuego para poder asistir a uno de sus conciertos, aunque espero no tener que llegar a esos extremos. De todos modos, mientras me preparo para la próxima década, es hora de ponerme nostálgico por todos los buenos momentos que he pasado este año.

El concierto favorito de 2019
Esta es una de las más difíciles, ya que he visto muchos actos increíbles este año, sin embargo, llevar a mi amiga Holly a que se le abriera la puerta del sueño en el Kentish Town Forum en octubre fue bastante impresionante – no se puede superar a un Matt Pike sin camisa.

Álbum favorito de 2019
Mis compañeros de Sacri Monti lanzaron su segundo álbum ‘Waiting Room for the Magic Hour’ y es simplemente fantástico, una hermosa mezcla del sonido psych actual de San Diego, mezclado con elementos del prog de los 70 y guitarras gemelas al estilo de Wishbone Ash. A mí me encanta, y a mi padre también, lo cual, seamos sinceros, es el sello definitivo de aprobación. Los padres saben lo que hacen.

Experiencia de festival favorita de 2019
He disfrutado de todos y cada uno de los festivales a los que he ido este año, pero como la mayoría de ellos eran por trabajo ( Desertfest Londres , Descargar & Festival del Ciervo Negro ), tengo que decir que el que me permitió relajarme y, sobre todo, apagar el teléfono: El Sonic Blast Moledo de Portugal: desde estar calado hasta los huesos viendo Earthless bajo una lluvia torrencial, hasta estar junto a la piscina de Giöbia bebiendo Super Bock al sol mientras estoy rodeado de algunos de mis mejores amigos, es bastante difícil de superar.

Sampo de Kaleidobolt haciendo crowdsurfing durante el set de Sacri Monti en Sonic Blast Moledo

Evento musical no musical favorito de 2019
Me encantan las exposiciones de música y hace un par de años lloré durante las exposiciones de Bowie y Pink Floyd en Londres, así que, por supuesto, cuando Home of Metal anunció su exposición “50 años de Black Sabbath”, me puse a viajar en tren. Pasé un día en Birmingham para informarme sobre los proveedores de la perdición, y me lo pasé muy bien.

Canción favorita de 2019
Apenas es una canción nueva, pero la versión de Neil Merryweather de ‘Sunshine Superman’ de Donovan es mi canción más reproducida de 2019, lo que no me sorprendió en absoluto. ¿A quién no le gusta el funky rock ‘n’ roll que se puede bailar? Puede ver y escuchar mi lista completa Top 100 aquí .

Hecho esto, solo quiero dar un enorme agradecimiento a todos los que han leído y comentado en 2019, y espero compartir más reflexiones musicales con todos vosotros en el nuevo año. ¡Felices vacaciones!

Ella Stormark ojeando los discos favoritos de Jimi en Handel & Hendrix, 23 Brook Street

No voy a mentir, tiendo a dejarme llevar, cómo decirlo, por las tareas de DJ. Estoy bastante seguro (convencido…) de que esta es una cualidad que se ha transmitido en el ADN de mi padre, ya que controlar la música tiende a ser una batalla interminable entre nosotros. Por supuesto, él gana, siempre. Tiene 30 años de historia de la música sobre su servidor – claramente un ganador. En fin, volviendo a . Diría que la música es definitivamente mi pasión, y como no soy un músico per se (es decir, sólo toco para mi gato), soy un oyente increíblemente bueno – Si escuchar música es una habilidad, me considero muy hábil – podría escuchar durante días, y siempre que tengo el privilegio de las tareas de DJ, ya sea en público o en privado, me tomo mi trabajo, muy, muy en serio.

La mayoría de las veces lo hago bien, incluso genial. Pero ha habido algunos casos en los que he malinterpretado una sala por completo, y cuando digo malinterpretar me refiero a malinterpretar de verdad, que también es la abreviatura de ignorar, ya que he ignorado lo que absolutamente todo el mundo quería escuchar para poder tener mi dosis. Mi mejor ejemplo de esto, es hacer que mis invitados se sientan a través de un álbum entero de Motorpsycho (era un doble….) cuando tenían antojo de Pink Floyd. Probablemente no sea mi mejor momento, pero bueno, qué puedo decir: si no te gusto en mi “Motorpsycho a medianoche”, no me mereces en mi “Prince en las fiestas”, y hablando de fiestas, se me dan bastante bien.

Jimi Jammin’ en el 23 de Brook Street

La próxima vez que sirva una buena dosis de salchichas y puré al público será el 14 de febrero en el antiguo piso de Jimi Hendrix en Brook Street, y seamos sinceros, no hay ningún otro hombre con el que pasaría mi día de San Valentín, así que es bastante perfecto. A falta de 22 días, estaré rebuscando en mi colección de discos como un loco, acunando y acariciando mis preciadas gemas, mientras intento averiguar quién consigue sus cinco minutos de fama en tierra sagrada. Soy fan de Hendrix desde hace más tiempo del que no lo soy, y el hecho de poder girar mi elección de discos en el lugar donde él vivió, es una especie de situación de pellizco: ¿aprobaría Jimi mi colección de discos y estaría de acuerdo con mi selección?

Para aquellos que no conozcan la situación del “antiguo piso de Jimi”, durante su estancia en Londres de 1968 a 1969, Jimi residió en el 23 de Brook Street, donde curiosamente vivió el compositor Haendel 200 años antes. En los últimos años, el inmueble ha sido reformado y abierto al público como museo, rindiendo homenaje tanto a Handel como a Hendrix. El piso de Hendrix ha sido reconstruido con la ayuda de la entonces novia de Jimi, Kathy Etchingham, para que quede prácticamente como estaba durante su estancia allí, lo que permite retroceder en el tiempo y obtener una visión real de cómo vivía Hendrix, ¡un viaje en el tiempo muy alucinante!

El 14 de febrero se cumplen cuatro años de la apertura del piso, y se celebra con uno de sus eventos “Friday Late”, que es algo habitual, lo que significa que puedes asistir a una fiesta en casa de Hendrix. Cuando descubrí a Hendrix a los 14 años, nunca pensé ni en un millón de años que podría pisar su casa, y mucho menos que me invitarían a compartir parte de mi música favorita con otros fans de Hendrix, y me siento realmente honrado de que me lo hayan pedido. El 23 de Brook Street es una parte importante de la historia de la música, y bien merece una visita si alguna vez está en Londres, como parte de su peregrinaje psicodélico.

Ahora, volvamos a hurgar en los discos.

Cuando me dieron esta columna el año pasado, me entusiasmó tener una plataforma propia en la que pudiera compartir mis pensamientos y mi entusiasmo por la música y el extraño y maravilloso mundo que la rodea. Sin editores y sin reglas, con la excepción de mantener la palabra “F” al mínimo. Este mes, he decidido dejar que otra persona se explaye un poco, ya que quería compartir en su totalidad este artículo que Peter Hughes, de Sons of Huns y anteriormente de Danava, escribió sobre el difunto y gran Roky Erickson. Le pedí unas palabras sobre su disco favorito, y el resultado final fue más de lo que podía esperar: una sentida oda a uno de los pioneros del rock psicodélico. Gracias Peter, y gracias Roky. – Ella Stormark

Peter Hughes de Sons of Huns

Roky Erickson era un aullador del rock ‘n’ roll nacido en Texas y más conocido por sus primeros años con The 13th Floor Elevators, cuyo éxito lisérgico empapado de reverberación “You’re Gonna Miss Me” fue escrito por Roky a la tierna edad de 15 años y perduraría como su canción más taquillera y la composición definitiva de su carrera. The 13th Floor Elevators están acreditados como el primer grupo de Rock Psicodélico y sus dos primeros álbumes, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators & Easter Everywhere son los más notables. El sonido empapado de LSD de The Elevators se extendió por todo el oeste de Texas hasta San Francisco e influyó claramente en la paleta sonora de una serie de bandas que llegaron a gozar de un mayor éxito comercial, siendo el peso pesado del grupo el behemoth del boogie y sus compatriotas de Texas ZZ Top. El héroe de la guitarra Billy Gibbons se inició en el circuito de clubes de Texas con su banda The Moving Sidewalks (un guiño obvio a los Elevators, como el propio Gibbons admite libremente), que más tarde hizo una gira como telonero de Hendrix antes de formar ZZ Top. Incluso Janis Joplin se planteó contribuir con su voz con tintes de blues a los 13th Floor Elevators antes de decidir dirigirse a San Francisco.

El periodo psicodélico de Roky se vio truncado tras una serie de detenciones por drogas, que culminaron con su detención en el escenario de Austin en agosto de 1969 por posesión de marihuana, lo que provocó que los fans destruyeran dos vehículos de la Policía en los disturbios posteriores. Desgraciadamente, Roky fue ingresado posteriormente en la Prisión de Máxima Seguridad para Criminales Insanos tras declararse loco ante los cargos de narcotráfico. Pasaría los siguientes 3 años en Rusk, durante los cuales Roky fue sometido involuntariamente a una terapia de electroshock y se le administró a la fuerza Thorazine tras ser diagnosticado como esquizofrénico, aunque esta no sería su primera ni su última estancia en un centro de este tipo. Demasiados viajes de locura con LSD, combinados con problemas de salud mental subyacentes en los años 60, se vieron agravados por el traumático entorno del hospital psiquiátrico y los crueles abusos que sufrió en lugar de un tratamiento médico eficaz durante su estancia allí. Estas penurias no dejaron de influir en el sonido y la temática de la música de Roky, que empezó a creer que un marciano habitaba en su cuerpo. Esto se refleja en la primera iteración del nuevo grupo de Roky, llamado “Bleib Alien”, que apareció por primera vez en 1975. Finalmente se cambió a una versión más radiofónica ‘Roky Erickson & the Aliens’ en 1977, cuando el grupo empezó a trabajar en las maquetas de un nuevo álbum con el bajista de la Creedence Clear Water Revival, Stu Cook. Las 15 canciones grabadas durante las sesiones con Cook entre 1977 y 1979 formarían el cuerpo de trabajo de Horror Hard Rock del que salieron varios álbumes con títulos alternativos (Self/Titled-1980, también llamado Runes o Five Symbols debido al ambiguo arte de la portada, & The Evil One-1981) y servirían como el cancionero en el que Roky basaría la mayoría de sus sets en vivo durante este período y cuando resurgió en la década de 2000.

El regreso de Roky a las actuaciones en directo merece un reconocimiento considerable a la ayuda de su hermano menor Sumner Erickson, sin el cual probablemente no habría superado las dificultades. Después de que Sumner obtuviera la tutela legal de Roky, buscó el tan necesitado tratamiento médico para su hermano mayor, así como ayuda legal para ayudar a Roky a reclamar los derechos de licencia de su catálogo anterior, gran parte del cual fue estafado por las codiciosas discográficas y otros. El ingeniero de estudio de Austin Texas, Doug Sahm, cambió una vez a Roky un batido por tres de sus canciones más eternas: “Two-Headed Dog”, la canción de amor “Starry Eyes” y “Don’t Slander Me”, después de una sesión. El documental imprescindible que se estrenó en 2005, titulado “You’re Gonna Miss Me”, tras el éxito de su época de Elevators, también contribuyó en gran medida a dar a conocer su música y su vida a un público totalmente nuevo.

“Two-Headed Dog” da el pistoletazo de salida al álbum con los ásperos gritos de la autoarpa eléctrica de Bill Miller, que añade un sabor característico de sonido psicodélico al grupo, un brillante tañido que recuerda en cierto modo al familiar rasgueo de la guitarra eléctrica y que es similar en su función a la forma de tocar la jarra eléctrica de Tommy Hall en 13th Floor Elevators, pero con un extraño timbre de otro mundo propio. Este es mi tema favorito del álbum y el distintivo gruñido de tenor de rock ‘n’ roll de Roky grita y grita con confianza “¡Perro de dos cabezas, perro de dos cabezas, he estado trabajando en el Kremlin con un perro de dos cabezas!” Además de los torturados aullidos de Roky, el otro elemento que me atrae cada vez es la genial interpretación de la guitarra principal de Duane ‘Bird’ Aslaksen, con sus mejores licks volando sobre Roky y la sección rítmica golpeando en “Cold Night for Alligators”. Los últimos temas destacados son los dos de combustión lenta “Night of the Vampire” y “Stand for the Fire Demon”, el final de la cara A y B respectivamente. En “Night of the Vampire”, Roky advierte: “The moon may be full, the moon may be white, All I know is you’ll feel his bite Tonight… is the Night of the Vampire”, antes de que toda la banda, a la que se une ahora un inquietante órgano sobregrabado, se incline por una macabra melodía en clave menor que estaría en casa como una progresión fundacional de bajo continuo en una fantasía barroca. El tema que cierra la primera entrega de 10 canciones del álbum autotitulado de 1980 de Roky Erickson & The Aliens convoca a los oyentes a “Stand for the Fire Demon”. Esta actuación final abarca la más amplia gama de dinámicas, desde los tenues cantantes de apoyo que alternan “oh-ohs” con las líneas de Erickson pronunciadas con la más controlada contención,

“Párate para el demonio del fuego
Los espíritus dicen ‘boo’ y el papel
estalla en fuego,
Párate para el demonio del fuego
más salvaje, más salvaje, más salvaje, más salvaje”.

hasta el bajo eléctrico y la batería, con olas de guitarras dobles saturadas de overdrive que se estrellan en la parte superior y los inquietantes gritos de Roky que se elevan por encima de todo,

“Párate para el demonio del fuego
Defiende al demonio del fuego
¡Ponte de pie para el demonio de fiiiiire!”

Cabe destacar que después de que se publicaran numerosas versiones diferentes a lo largo de los años, en 2013 Light in the Attic Records lanzó una edición de’ The Evil One’ con 2xLPs que contienen las 15 canciones grabadas por Roky & the Aliens durante las sesiones de 1977-79 con Stu Cook y que merece la pena obtener aunque sólo sea por la inclusión de la escalofriante canción de Roky “Bloody Hammer”. Roky murió el pasado mes de mayo de 2019 a los 71 años, y su música es tan relevante ahora en estos tiempos inciertos como siempre, ya que nos enfrentamos a una pandemia mundial que amenaza con introducir males incalculables, por no hablar de que estropea el Día de las Tiendas de Discos dejando las tiendas de vinilos vacías con la mayoría de la gente temerosamente auto-acuartelada en casa. Mirando hacia atrás en la totalidad de la vida de Roky, sus dificultades y luchas al final son inequívocamente superadas por sus triunfos en la música, al principio con el rock psicodélico y más tarde con el Horror Rock y, finalmente, con su producción encontrando una renovada aceptación y culminando con Roky disfrutando del éxito más amplio de su carrera con un encomiable esfuerzo final que terminó con fuerza con actuaciones en festivales y en gira tanto en los Estados Unidos como en el extranjero.

Descansa en paz Roky ‘Starry-Eyed’ Forever.

Por Peter Hughes

Aaaaalright entonces, es hora de otro Ramble On. Este ha sido particularmente difícil de escribir, ya que he estado auto-aislado con mi gato durante todo un mes, y me falta mucho la interacción humana y la estimulación social. Siempre he pensado que si me quedaba atrapada en algún lugar sin nada que hacer, mi creatividad florecería, las letras y las palabras saldrían de mi cabeza, llegarían a mis manos y se plasmarían en el papel, crearía a partir de lo que me rodeaba y aprendería nuevas habilidades, pero hombre, estaba equivocada. Tras un mes de aislamiento, mi creatividad y mi concentración están en su punto más bajo, y tratar de llenar esta página con algo significativo e interesante parece una batalla más grande que la global que todos estamos librando actualmente.

Así que, en lugar de forzar un puñado de párrafos desanimados y carentes de inspiración, voy a compartir mi actual top 10 de canciones, mis favoritas de bloqueo.

Titanic – Una noche en Eagle Rock

Titanic es una vieja banda noruega de la que me habló mi padre, y son rip – perfecto si te gusta el estilo de órgano pesado de Uriah Heep / Deep Purple.

Flower Travellin’ Band – Sombras de días perdidos

Ya estoy viendo un patrón aquí, otra belleza de órgano pesado; Shadows of Lost Days’ de Flower Travellin’ Band.

Tim Buckley – Get on Top

Un poco de funk para sentirse bien con ‘Get on Top’ de Tim Buckley – mi gato me ve bailar con esto a diario.

Funkadelic – A punto de conseguirlo

¿Qué haríamos sin George Clinton en tiempos de crisis internacional?

Cher – I Walk on Gilded Splinters

Hay mucho más de Cher que su éxito de 1998 “Believe”, que odio absolutamente, así que profundiza si eso es todo lo que sabes, ya que te estás perdiendo. Su versión de “Walk on Gilded Splinters” de Dr. John es prueba suficiente por sí sola.

Black Sabbath – Swinging the Chain

Un éxito absoluto de ‘Never Say Die’ con Bill Ward arrasando en las voces.

Ánimo azul – Sol negro

No se puede tener el blues del encierro sin ‘Black Sun’ de Blue Cheer.

Granicus – El sabor del amor

Perfecto sleaze de los días perdidos de Granicus – grabado en 1974, publicado en 2010.

Goliath – Dead Drunk Screamin’

Más sordidez: Dead Drunk Screamin’ (que pronto seremos todos nosotros…) del álbum ‘Hot Rock & Thunder’ de Goliath.

Periquito – Breadfan

https://www.youtube.com/watch?v=orYr_dVnb48

Breadfan’ de Budgie es un clásico, el tipo de canción que se pone a todo volumen y se bebe cerveza.