Vea la entrevista que nuestro Director de Marketing, Charlie Cooper, hizo a The Guitar Channel:
“Fue durante el 42 Gear Street cuando tuve el placer de conocer a Charlie Cooper, hijo de Clifford Cooper, el fundador en 1968 de la legendaria marca británica de amplificadores Orange Amps(orangeamps.com). Una gran oportunidad para conocer mejor a este emblemático fabricante que suministra a Jimmy Page, por ejemplo”.
Desde sus humildes comienzos en Londres durante los movidos años sesenta, los amplificadores Orange han crecido hasta convertirse en una empresa internacional de amplificadores de guitarra, que atienden a artistas de la talla de Led Zeppelin, Fleetwood Mac, Slipknot, Iron Maiden y Rush, entre otros.
Orange fue fundada en 1968 por Cliff Cooper, que sigue siendo el director de la empresa, pero antes de que se convirtiera en la empresa de amplificadores de guitarra que es hoy en día, empezó como una tienda de música del Soho que vendía instrumentos musicales de segunda mano y hacía las veces de estudio de grabación en el sótano. La aventura de los “amplificadoresOrange ” comenzó en septiembre de 1968, cuando el antiguo guitarrista de Fleetwood Mac, el difunto Peter Green, pasó por la tienda junto con el road manager de la banda, Dinky Dawson, donde hicieron un pedido del primer amplificador Orange de la historia.
Pocas semanas después, la banda recibió seis amplificadores de 100 vatios y dieciséis cabinas. La banda llevó el backline a dar una vuelta por el Reino Unido, antes de llevarlo a una gira de tres meses por los Estados Unidos, donde hicieron girar las cabezas no sólo con su blues británico, sino con su audaz backline británico.
Al año siguiente, en 1969, la superestrella del soul Stevie Wonder acudió a los Orange Studios para grabar, antes de decidir incluir los amplificadores en su álbum de 1972 “Talking Book” para la grabación de su éxito “Superstition”. Se le puede ver utilizando los amplificadores en una versión de siete minutos de la canción en Barrio Sésamo en 1973.
Otra banda que llevó a Orange a los Estados Unidos y abrió los ojos a los americanos, fue Wishbone Ash, cuya historia con Orange comenzó en 1970 cuando el guitarrista Andy Powell pasó por la tienda donde fue atendido por Cliff que le vendió una Gibson Flying V, y uno de los cabezales originales Orange Matamp que increíblemente sigue funcionando hoy en día. Wishbone Ash son conocidos por sus dos guitarras principales y sus armonías de guitarra, que hicieron que Andy Powell y su antiguo compañero de banda Ted Turner fueran votados como dos de los “Diez guitarristas más importantes de la historia del rock”, y en 1972 fueron descritos por Melody Maker como “el equipo de dos guitarras más interesante desde los días en que Beck y Page adornaban The Yardbirds”.
Esto, por supuesto, nos lleva a la relación de Orangecon Jimmy Page y Led Zeppelin. Jimmy es tal vez uno de los guitarristas más influyentes de todos los tiempos, (junto a Jimi, por supuesto…) y ha tenido una relación con Orange que se remonta a los años 70 y ha estado haciendo apariciones regulares en su backline desde entonces. Algunos de vosotros habréis visto que utilizó el Orange AD30 para el espectáculo de reunión de Led Zeppelin “Celebration Day” en 2007… Bastante bien, ¿no?
Desde entonces, nuestra lista ha crecido exponencialmente, pero nos enorgullece decir que nuestra relación con todos los artistas y grupos mencionados sigue siendo sólida, aunque ahora con John McVie enarbolando la bandera Orange en el campamento de Fleetwood Mac. Para nosotros, eso es prueba suficiente de que los amplificadores Orange pueden resistir la prueba del tiempo.O
Cliff Cooper recuerda los primeros años en los que su empresa cambió el estilo de la venta de música al por menor:
Los entusiastas de Orange de todo el mundo probablemente reconocerán el logotipo del Árbol del Mundo de Orange. Se utilizó por primera vez en 1969 en nuestro sello discográfico y en el escudo, y luego en la portada de nuestro catálogo de 1973, y creo que es una imagen que sigue capturando el espíritu de la empresa.
Al salir de la universidad, estudié electrónica, aprobé los exámenes de la Junta de Radio, Televisión y Electrónica y trabajé en la tienda de Radio y Televisión Imhof, en la nueva Oxford Street de Londres. Trabajé en ventas, además de hacer reparaciones de radio y televisión in situ. Poco sabía yo en 1963 que cinco años más tarde tendría mi propia tienda a sólo doscientos metros de aquella tienda.
En 1964, la tragedia golpeó a nuestra familia cuando perdimos a mi hermano, Michael, que era sólo dos años menor que yo y murió de linfosarcoma, con sólo dieciocho años. Poco después dejé Imhof’s y me fui a trabajar a la empresa de mi padre, Cooper’s Papers Ltd, que era una pequeña empresa con sede en Walthamstow, en las afueras de Londres.
Allí diseñé y construí la primera máquina vertical de corte de celofán del mundo, que era cinco veces más rápida que la maquinaria que se utilizaba en ese momento. Mirando ahora mi invento, ojalá hubiera sabido lo que es patentar en aquella época.
Sin embargo, nunca dejé de pensar en una carrera musical. Aprendí a tocar el violín de niño, y más tarde aprendí a cantar y a tocar el bajo. En 1965, formé una banda con mi hermano Ken. Poco después firmamos con el legendario productor Joe Meek, que nos dio nuestro nombre, The Millionaires. Compartí la voz con Ken, que tocaba los teclados, y en 1966 grabamos un single de éxito que llegó al número 12, llamado “Wishing Well”, que produjo Joe Meek.
Ese mismo año, construí y dirigí un pequeño estudio de grabación de maquetas en Amity Road, Stratford, Londres. Las quejas de los vecinos por el ruido inspiraron mi segunda idea: se trataba del “microamplificador” de guitarra portátil CTI Pixy con un auricular en lugar de un altavoz. Yo mismo hice y comercialicé un centenar de ellos. Esta fue mi primera experiencia en la fabricación y venta de equipos musicales, y me encantó.
A principios del verano de 1968, surgió la oportunidad de alquilar una tienda casi abandonada en el West End de Londres, en el número 3 de New Compton Street. Quería convertirlo en un estudio de grabación profesional y fui al Greater London Council para que me entrevistaran como posible inquilino. Me atendió un amable señor llamado A.M. Jones, que aceptó que pagara el alquiler atrasado. El alquiler que me propuso era mucho más bajo de lo que esperaba, aunque me hizo hincapié en que, dado que la tienda iba a ser demolida, el contrato de arrendamiento sería renovable anualmente.
Así que ahora tenía mi propio local -que por el momento tendría que hacer las veces de casa- en New Compton Street, situado en lo que se conocía como “el paseo de la música”. Esta zona se extendía entre Denmark Street y Shaftesbury Avenue, donde se encontraban muchas de las tiendas de música más importantes. Por lo tanto, se trataba de una ubicación muy deseable para mi nuevo negocio, pero también era una zona en la que el vicio y la corrupción estaban a la vuelta de la esquina. Esto era el Soho, después de todo, y todo era bastante nuevo para mí. Pero aprender a sobrevivir en una zona tan despiadada de Londres me dio definitivamente una mentalidad de luchador. Esta mentalidad sería muy útil, y no es exagerado decir que a partir de entonces, en aquellos primeros días, casi todo era una pelea.
Al principio, intenté convertir el estudio de grabación del sótano en un negocio rentable, y cuando esto no funcionó me vi obligado a abrir la tienda vacía del piso de arriba y vender el equipo de mi propia banda para pagar los salarios. Durante un breve tiempo, me encontré lavando coches para ayudar a conseguir dinero.
La era psicodélica había llegado y bandas británicas de fama mundial como The Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd y Led Zeppelin apostaban por sonidos y visuales atrevidos y experimentales. Ninguna de las otras tiendas de música atendía realmente a estos grupos y a este nuevo estilo. Quería que la Tienda de Orange fuera diferente y no como muchas de las antiguas tiendas establecidas que trabajaban juntas para mantener los precios altos. Elegí un color brillante y enérgico como nombre de marca: el naranja siempre ha sido mi color favorito y, como también es una fruta, aquí había un nombre de marca que traspasaba las barreras lingüísticas internacionales.
Como ninguno de los principales distribuidores quería suministrarnos sus amplificadores, decidí fabricar los míos propios. Afortunadamente, la tienda Orange tuvo éxito y proporcionó los ingresos para lanzar nuestra propia empresa, Orange Amplification. A medida que el dinero entraba, mejoramos el Estudio Orange. Estrellas como Robin Gibb, Brian Wilson, Stevie Wonder y muchos otros artistas famosos comenzaron a reservar sesiones allí. Luego vino Orange Hire, que aumentó nuestra visibilidad, especialmente en los festivales al aire libre.
Entonces contraté a un artista de gran talento, John Miles -famoso por su éxito mundial de 1976 “Music [was my first love]”- y creé Orange Management.
Después vinieron Orange Records, Orange Publishing y la Orange Artist Booking Agency. Aunque no me di cuenta en ese momento, fue un caso de libro de integración horizontal y, a medida que Orange se expandía, obtuve un conocimiento inestimable de todas las facetas del negocio de la música.
Cuando la tienda Orange se vio obligada a cerrar en 1978, la marca Orange ya estaba bien establecida y era reconocida en todo el mundo.
Cliff Cooper, fundador y director general de Orange:
Cuando abrí la tienda de Orange, ya había tocado en dos bandas: The Rocking Chairs y luego The Millionaires. También había montado dos estudios de grabación muy básicos, así que tenía cierta experiencia en grabación y amplificación musical.
Me encantaban los primeros amplificadores Vox y su sonido y tocaba mi bajo Hofner Verithin (ver arriba) a través de un cabezal Vox T-60 y una cabina de bajo de 1×18″. Había renovado el CTI Pixy(léalo aquí) pero no podía permitirse producirlos en cantidad. Se lo llevé a Tom Jennings, de Vox (en la foto de abajo), y le pregunté si podría estar interesado en comercializarlo bajo el nombre de Vox, con un canon para mí. Pensó que el Pixy era una gran idea pero que no encajaba bien con la marca Vox. Sin embargo, me animó a no rendirme. Tom era un hombre muy agradable, un hombre que aportó muchos desarrollos innovadores al mercado.
Cliff Cooper, fundador y director general de Orange Amps:
Mientras formaba parte de The Millionaires -nombre que nos dio el propio Joe Meek- tuvimos un disco de éxito entre los veinte primeros, “Wishing Well”, que escribí con mi hermano Ken, y que Joe grabó y produjo.
Joe era un talento muy especial que, al igual que Phil Spector con sus pioneras técnicas de grabación “Wall of Sound”, estaba muy adelantado a su tiempo. Joe se dedicaba por completo a la música, y con su empresa, RGM, no dejaba de experimentar y tratar de descubrir nuevos sonidos. Fue un privilegio verle trabajar en su estudio de Holloway Road [pictured below].
Por desgracia, hacia el final de su vida, empezaba a estar muy estresado y vivía cada vez más al límite. Recuerdo un incidente particular en el estudio. Nuestro bajista, Staz, subía las estrechas escaleras de la sala de grabación mientras Joe las bajaba. En realidad, Staz debería haber vuelto a bajar las escaleras, pero en lugar de eso trató de pasar a hurtadillas junto a Joe. ¡Joe se enfureció de repente y lanzó su té sobre Staz!
Por aquel entonces, me enteré de que la razón por la que Joe estaba tan estresado tenía que ver con un problema de derechos de autor en relación con su exitoso single “Telstar” [interpretado por The Tornados, que alcanzó el número 1 en las listas del Reino Unido y Estados Unidos en 1962].
Joe se suicidó en febrero de 1967, lo que conmocionó a todo el mundo de la música. No habíamos tenido la oportunidad de trabajar con él durante mucho tiempo, y estaba planeando un nuevo single para nosotros.
Cliff Cooper, fundador y director general de Orange Amps:
Cuando abrimos la tienda, la pintamos por dentro y por fuera en un tono naranja muy vivo. Incluso desde la distancia no podías dejar de notarlo: la fachada de la tienda tenía esa aura luminosa y realmente poderosa. Sin embargo, los propietarios de las tiendas cercanas se quejaron y el ayuntamiento me dijo que lo cambiara a su color marrón oscuro original. No estaba de acuerdo y, tras un intercambio de cartas, el consejo decidió dejarlo pasar. Creo que pensaron que no importaba porque la tienda iba a ser demolida pronto.
El 2 de septiembre de 1968 abrimos el local de la planta baja como tienda de música. El estudio del sótano no cubría los gastos generales, así que me vi obligado a vender el equipo Vox de mi banda en la tienda para poder pagar los sueldos. Se vendió el mismo día: ahora estábamos en el negocio de la venta de música. Los principales distribuidores de aquella época de Marshall, Gibson y Fender no quisieron suministrarnos ni siquiera cuando les ofrecí pagarles por adelantado, así que me vi obligado a vender guitarras y amplificadores de segunda mano. Comenzamos a fabricar nuestros propios amplificadores a principios de 1969. Ese fue también el año en que Vox entró en liquidación y, por tanto, hubo espacio para otra empresa de amplificadores. Mis conocimientos de electrónica resultaron muy útiles y, por supuesto, llamé a los amplificadores Orange. Así es como empezó todo.
La tienda era muy estrecha. Puedes ver las escaleras que bajan al estudio a la derecha en esta foto que fue tomada después de la redada de Aduanas e Impuestos Especiales [covered in a later post].
Cliff Cooper, fundador y director general, explica:
Recuerdo que las letras psicodélicas del logotipo de la fachada de la tienda tardaron una eternidad en completarse, pero la espera mereció la pena. Reflejaba realmente la época del Flower Power y la psicodelia.
John Lennon, Eric Clapton, Keith Richards, Brian Jones, Paul Kossoff, Marc Bolan, Gary Moore, Peter Green y muchos otros músicos famosos visitaban la tienda. Se sentaban a charlar y a tocar la guitarra todo el tiempo que quisieran, algo que la mayoría de las tiendas no tolerarían.
A finales de 1968, Fleetwood Mac se convirtió en la primera banda que utilizó amplificadores Orange. Por aquel entonces, los músicos empezaron a preferir realmente las guitarras antiguas, usadas o destartaladas, ya que las consideraban de mejor calidad y con mucho más carácter que las nuevas disponibles. La tienda Orange fue la primera en atender este nuevo mercado de segunda mano.
Cliff Cooper – Fundador y Director General
Empezamos a construir el Orange Studio en el sótano del número 3 de New Compton Street en el verano de 1968. Trabajé con Brian Hatt, un buen amigo mío y un excelente técnico de estudio. Brian Hatt también era un buen productor y músico, y tocaba en el grupo Candy Choir. Ese verano, los dos nos quemamos las pestañas durante varios meses construyendo el estudio y preparando el equipo. En aquella época, había que cortar, pelar, cablear y soldar a mano todos los conectores y patches, lo que parecía llevar una eternidad. Recuerdo haber dudado de si alguna vez se terminaría, o de hecho, si funcionaría. Por suerte, así fue, y abrimos el estudio ese mismo verano. El estudio, con su antigua mesa de mezclas de 24 canales, funcionaba muy bien.
En aquellos tiempos pre-digitales, cada módulo de la mesa tenía cuatro válvulas de preamplificación – y si tienes veinticuatro módulos en la mesa, eso es un montón de válvulas… Un efecto de esta situación de válvulas es que el calor que generaban nos mantenía calientes en invierno, pero muy calientes en verano. Las válvulas también se desgastan, sobre todo porque suelen funcionar las 24 horas del día, por lo que los equipos del estudio requieren una supervisión y un mantenimiento continuos. Un buen ingeniero podría escuchar cualquier ligera diferencia de sonido entre cada canal, y sería muy consciente de cualquier pérdida de calidad de sonido entre los módulos de la mesa.
Contratamos a un diseñador muy dotado, Roger Jeffrey, que se encargó del mantenimiento del equipo y pasó a diseñar nuestras máquinas de cinta de 24 pistas Amity. Invertí en una Ampex AG440 de 4 pistas, que era una grabadora profesional de última generación. Con esto y el Ampex estéreo, pudimos mezclar pistas. Nuestra ingeniería de sonido había avanzado mucho y atrajimos a muchos nombres famosos, como Brian Wilson, Stevie Wonder, Robin Gibb, Mickie Most, John Miles, Paul Anka y muchas bandas de heavy metal. Nuestro estudio en el sótano tenía un gran ambiente: era muy grande y, como nadie vivía ni trabajaba en ningún lado, el volumen no era un problema. La mayoría de las bandas prefieren venir a las sesiones nocturnas.
Hot Chocolate grabó uno de sus primeros éxitos, “Love Is Life”, en el estudio Orange con su productor, Mickie Most. Muchos de nuestros ingenieros de estudio se convirtieron en productores e ingenieros de talla mundial. En el Orange Studio, Steve Churchyard aprendió su oficio de la mano de Brian Hatt. Le dimos a Steve su primer trabajo como ingeniero en prácticas cuando tenía dieciocho años, y permaneció con nosotros durante tres años, antes de conseguir un trabajo en los legendarios estudios AIR de Sir George Martin. En la actualidad, Steve vive en Los Ángeles y ha trabajado con casi todo el mundo: artistas de talla mundial como The Eagles, The Darkness, George Michael y Sheryl Crow.
Cliff Cooper – Fundador y Director General
Nuestros amplificadores estaban cubiertos de naranja, pero yo creía que también debíamos reclamar la fruta. El naranjo fue lo primero que se me ocurrió, así que se incluyó en el diseño el Árbol del Mundo Orange, cuyas raíces rodean el mundo.
A medida que desarrollamos la idea, se nos ocurrieron imágenes ligeramente diferentes para el Árbol del Mundo.
Creación del Orange Crest
Los blasones y escudos son muy británicos, heráldicos y caros: todo lo que quería que fueran nuestros amplificadores. Decidí que debíamos diseñar nuestro propio escudo, que sin duda haría que nuestros amplificadores fueran diferentes. Una de las cosas que nunca entendí de la industria de los equipos musicales de entonces es que todo se parecía mucho.
Éramos una empresa muy pequeña, con muy poco dinero, pero intentábamos parecer más grandes, de ahí eslóganes como “La voz del mundo” -incluso consideramos “La voz del universo”- y nuestra publicidad intentaba proyectarlo. La foto [below] me fue tomada a principios de 1970 en la parte trasera de la tienda de Orange con los primeros dibujos de la idea del árbol de “La Voz del Mundo” de Orange. Esto terminó en el escudo, así como un logotipo independiente. En los primeros tiempos solía vivir y dormir en esa oficina trasera utilizando una funda de plástico de la cabina del altavoz de la columna Vox como saco de dormir.
El Crest: Siempre parte de la marca
Unas cuatro décadas después, el escudo Orange sigue siendo una parte esencial de la librea de nuestra marca, y me complace que haya resistido la prueba del tiempo y siga atrayendo el interés, como ilustra el descarado recorte de prensa de 2003 de la revista Playmusic que se muestra a continuación.
Hemos dedicado mucho tiempo a diseñar y crear los símbolos utilizados en nuestro escudo. Para promocionar nuestra nueva empresa, en 1970 creamos un estilo diferente de publicidad para nuestra venta de equipos musicales: el cómic de dibujos animados. La tira cómica que se muestra a continuación explica lo que simboliza el Orange Crest, pero en otras viñetas nos dedicamos a atacar con buen humor a nuestros rivales. Estos anuncios aparecieron regularmente en la prensa especializada y tuvieron un gran éxito. El artista que dibujó estas caricaturas fue Brian Engel, que formaba parte de una banda llamada Mandrake Paddle Steamer, y que también era un talentoso compositor y vocalista. Fue Brian quien pintó la mencionada fascia psicodélica en la fachada de la Tienda Orange.
Orange eleva las normas de seguridad del sector
Cliff Cooper – Fundador y Director General
La Asociación de Industrias de Instrumentos Musicales (AMII) [que ya no existe y no debe confundirse con la Asociación de la Industria Musical (MIA), que está haciendo un gran trabajo para la industria musical] se formó para promover la música y los fabricantes de productos musicales en el Reino Unido.
Durante cuatro años consecutivos, la AMII rechazó la solicitud de adhesión de Orange, pero siempre se negó a darnos una razón para ello. Realmente me enfurecía porque, por supuesto, muchos de nuestros competidores eran miembros de la AMII y se les daba una ventaja injusta. Por ejemplo, los miembros podían recibir subvenciones exclusivas del plan de la Junta de Comercio del Gobierno: subvenciones que pagaban la mitad del coste del espacio de exposición en ferias comerciales internacionales como las renombradas de Frankfurt y Chicago. Y, por supuesto, era exasperante porque estábamos más que cualificados para estar en la Asociación: exportábamos equipos por valor de más de medio millón de libras al año y representábamos la innovación británica en todo el mundo… y yo venía de buena onda. Me sentí tan identificado con el asunto que escribí una carta al Primer Ministro, Edward Heath.
Me frustré aún más cuando introdujeron el Sello de Aprobación de la AMII, que en mi opinión era éticamente incorrecto. Ni siquiera se molestaron en crear un departamento para probar los equipos antes de emitir el sello. Si eras miembro, tus productos obtenían automáticamente el sello de aprobación de la AMII, sin importar lo mal diseñados o peligrosos que fueran. Por ello, decidí introducir el “Sello de Oro Orange” para llamar la atención sobre las rigurosas pruebas que realizamos. Recuerdo que lanzamos el Sello con uno de nuestros anuncios humorísticos en la prensa especializada. Decía: “¿Quién quiere una de sus pegatinas con su maloliente pegamento en la parte trasera de su amplificador? El sello de oro de Orange es la verdadera marca de un amplificador construido y probado con calidad’. Sabía que no me iban a demandar.
La AMII siguió rechazándonos a nosotros y a otras empresas emergentes sin motivo. Decidimos reunirnos y formar una organización rival conocida como IMD [Independent Music Dealers]. En 1972 celebramos nuestra primera exposición comercial coincidiendo con la Feria de la Música de Londres, que era un evento similar de la AMII. Llamamos a la exposición “The London Music Show”, y resultó ser un gran éxito.
Poco después, recibí una llamada de un miembro de la junta directiva de la AMII solicitando una reunión. Nos reunimos y hablamos y me invitaron a unirme. Acepté con la condición de que permitieran la adhesión de las demás empresas que se habían presentado sin éxito. Lo hemos conseguido.